Office for Metropolitan Architecture (OMA) es, sin duda, uno de los estudios más influyentes; una escuela en sí, creadora de un lenguaje que no sólo revolucionó la forma de hacer arquitectura, también la manera en cómo pensarla, visualizarla y explicarla. En la actualidad, OMA cuenta con oficinas en seis ciudades del mundo, entre ellas OMA Nueva York, que ahora cumple 10 años desde su fundación. OMA New York se formó a raíz del éxito de proyectos de la firma realizados en Estados Unidos, como la Biblioteca de Seattle o el Teatro Dee and Charles Wyly de Dallas.

Shohei Shigematsu fue el socio encargado de liderar y cimentar el estudio neoyorquino. Su camino hacia la construcción de los proyectos ha sido igual de difícil como el que vivieron Rem Koolhaas y Elia Zenghelis a mediados de los 70, cuando fundaron el despacho en Rotterdam. Sin embargo, el pequeño pero exitoso número de obras realizadas en Nueva York —con colaboraciones destacadas como la artista Marina Abramovic o el Museo Metropolitano— le ha dado tracción suficiente para recibir un creciente numero de encargos, que han posicionado a OMA-NY como uno de los despachos más importantes de la ciudad.

En su más reciente colaboración, el Fashion Institute del Museo Metropolitano (MET) seleccionó a OMA para el diseño de su exhibición anual, que este año lleva por título Manus X Machina. La exhibición explora la estrecha relación entre métodos de producción manual e industrial utilizados en la realización de unos diseños que han revolucionado el mundo de la moda. Ubicada en el ala Robert Lehman del museo, la muestra cuenta con la curaduría de Andrew Bolton y pretende desmitificar los estereotipos y los cánones errados sobre la producción de vestuario.

Conversamos con Christine Noblejas y Shohei Shigematsu para que nos platicaran de la exhibición y de los últimos proyectos realizados por OMA-NY.

Manus x Machina, Fashion in an Age of Technology, Exhibit at the Met: New York NY, Architect: OMA

Francisco Brown (FB): ¿Cómo fue el proceso de selección de OMA para diseñar la exhibición de este año?

Shohei Shigematsu (SS): Recibimos un pequeño brief de la exposición y nos reunimos con los curadores unos días después para hablar de los detalles del proyecto; luego les hicimos una propuesta. Fue un proceso muy casual de selección; y creo que les llamó la atención nuestra interpretación de Manus X Machina, cómo esta dicotomía podía tener distintas interpretaciones. Es decir, pueden ser elementos opuestos o la multiplicación de ambos. Nosotros les mostramos la naturaleza expansiva del concepto.

FB: Desde que se dio a conocer la selección de OMA para diseñar la exhibición —cuya imagen publicitaria era el vestido súper futurista de Iris Van-Herpen— he de admitir que sentía mucha intriga sobre cómo se iba a responder a un lenguaje como el de la diseñadora holandesa. Al ver el proyecto finalizado, se hace evidente que la obra es neutral, destilada de cualquier evento o detalle insignificante y subordinada a las 170 piezas de vestuario presentadas. ¿Podrían explicar un poco más sobre el diseño?

SS: Es verdad que pudimos haber tomado una postura que celebrara todos estos avances tecnológicos, donde esta generación de diseñadores innovan con rapidez, implementando el uso de la impresión 3D o del corte por láser, pero este no era el tema que nos interesaba. Más bien se trataba de la dialéctica que ofrecía la ‘X’; no de la mano (manus) o de la máquina (machina), de la relación de ambos desde un punto de vista neutral y coherente.

FB: ¿Qué les pidieron exactamente y cómo fue la relación con el equipo curatorial?

SS: Desde un comienzo fuimos confrontados por nuestra fuerte asociación con Prada. Cuando se lo presentamos a Anna Wintour, estaba preocupada que se tratara de una propuesta “a la Prada”, con una paleta de materiales eclécticos y escalinatas por todos lados (risas). Pero siempre aclaramos que sería un proyecto distinto y que la oficina siempre ha pretendido buscar respuestas únicas para cada encargo.

FB: El proyecto tiene esta actitud acética pero teatral, que resulta acertada pero poco predecible para este tipo de shows en el Museo Metropolitano, diseñado una nave neoclásica construida a partir de materiales de gran sencillez y ligereza. ¿Cómo llegaron a esta solución arquitectónica?

SS: El área designada no es una zona de exhibición en sí, sino un atrio dentro del museo. Nos dimos cuenta que el encargo no era el diseño de una exhibición, sino la creación de un ambiente controlado que generara el espacio de exposición. Debíamos sellar la luz natural, ordenar la circulación, crear el área de exhibición. Había que diseñar un sistema que ordenara todas las variables en vez de un espacio. Luego, como elemento unificador, derivamos en un lenguaje espacial similar al resto del museo. Honestamente, nos pareció la forma más eficiente y coherente para crear el circuito deseado.

FB: Llama la atención el uso de un lenguaje translúcido, también está presente en alguno de sus últimos proyectos. ¿Por qué es importante para ustedes crear esta nueva dimensionalidad visual en los cerramientos, en la que un muro oculta de forma parcial lo que encierra?

SS: Interesante pregunta. Depende de cada proyecto. En el caso de Manus X Machina, la selección de la “piel” fue una decisión bastante sencilla, queríamos un sistema que gobernara al resto, que fuera ligero, temporal y consiguiera esa neutralidad que era esencial para que el visitante se enfocara en los complejos detalles de los vestidos. Una de nuestras críticas de este tipo de exposiciones —incluyendo la del año pasado sobre China— es el exceso de pantallas y medios audiovisuales resta atención a lo expuesto.

En otros proyectos, como el del Museo en Quebec, nos interesa la relación entre lo exterior y lo interior, cómo se revela con los espesores y la transmisión de la luz. Creo que OMA siempre ha estado interesado en la solidez como lenguaje y el volumen como vehículo para materializarlo. Todo con distintos niveles de permeabilidad.

Manus x Machina, Fashion in an Age of Technology, Exhibit at the Met: New York NY, Architect: OMA

Manus x Machina, Fashion in an Age of Technology, Exhibit at the Met: New York NY, Architect: OMA

Christine Noblejas (CN): Creemos que crear permeabilidad es crear un lenguaje honesto. Siempre nos ha interesado la honestidad como proceso y como resultado. Se trata de ir descubriendo lo que hay detrás de las escenas a medida que vas interactuando con el espacio. En el Museo se trataba de revelar la estructura y la infraestructura como elementos tan importantes como la piel que los cubre.

FB: Están inaugurando dos edificios culturales en la región. Ha sido complicado ver finalizados muchos de sus proyectos en Nueva York, ¿qué tal ha sido la experiencia de verlos materializados?

SS: Día a día aprendemos a crear coherencia en nuestro trabajo, pero con el nivel de especificidad que cada proyecto requiere. Estamos teniendo un momentum muy bueno en el estudio y el siguiente paso es cómo articular nuestra propia identidad como despacho en Nueva York bajo el paraguas de OMA.

CN: Es interesante además hablar sobre la colaboración con artistas como Marina Abramovic, Cai Guo-Qiang o Kanye west; cómo tuvieron una enorme influencia a la hora de diseñar estos dos nuevos edificios culturales de mayor escala como son el Pabellón Pierre Lassonde del Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec y el Faena Forum de Miami. Ambos de naturaleza cultural pero completamente antagónicos en la forma de operar y exhibir arte. Y en septiembre inauguramos nuestra más reciente colaboración con Taryn Simmon en el Armory de Park Avenue.

FB: ¿Qué otros proyectos están haciendo en la ciudad de Nueva York?

SS: Pues estamos bastante motivados con un nuevo edificio residencial en la zona de Madison Square Park. Un proyecto que pretende materializar la conexión entre dos lenguajes arquitectónicos existentes; se trata de una esquina donde conectan un edificio modernista con uno neoclásico. Lo daremos a conocer pronto, cuando se haga el lanzamiento con el dueño.

FB: Muchísima suerte con éste y futuros proyectos.

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