Después de varios años de realizarse a unas calles, en el Teatro Metropolitan, y para celebrar su décimo aniversario, se decidió que en 2023 las conferencias magistrales fueran el plato fuerte para cerrar las más de 60 actividades del programa y culminar cuatro días de inaugurar pabellones, exposiciones en museos, presentar libros y organizar rutas por toda la ciudad (desde Tlatelolco y la Roma Condesa, hasta Iztapalapa o Ciudad Independencia). Como suele suceder en los momentos decisivos, las circunstancias y la suerte pusieron a prueba lo que desde un principio se auguraba como un programa difícil de repetir. Pero esta vez no fue la lluvia ni alguna cancelación de último minuto: desde el sábado 21, el palacio de Bellas Artes comenzó a verse rodeado de vallas antimotines, en preparación para la marcha que, desde hace 9 años, conmemora el 26 de septiembre como fecha de la desaparición en Iguala de 43 estudiantes normalistas de la escuela rural de Ayotzinapa.

Mientras la Alameda Central estaba ocupada por los 10 pabellones del festival, la única entrada que se dejó indemne para el palacio fue la que da a la avenida Hidalgo y hace intersección con la calle (aunque más bien es un pasillo) Ángela Peralta, justo al lado de una de las bocas tipo Guimard que dan a la estación del metro. La prospectiva de ver motivos amarillos y negros en los alrededores del palacio o la presencia de las decenas de jóvenes voluntarios del festival, se vio reemplazada por un escenario igualmente insólito: la explanada de Bellas Artes desierta en su totalidad, convertida sin querer en otro pabellón (o activación del espacio), fuente de un resplandor blanquísimo que la hacía parecer propia de una pintura metafísica, y tan descontextualizada de sí misma y del Centro Histórico como se quería que estuviera el pabellón de la terraza Barragán con respecto a la plaza Manuel Tolsá (aunque ese es otro cuento).

Con el lunes a cuestas, y un sol más veraniego que otoñal, la jornada inició con un representante nacional: el estudio tapatío Macías Peredo, personificado por sus fundadores, Salvador Macías y Magui Peredo, así como Diego Quirarte, uno de sus miembros más recientes. En su turno al frente y con una ponencia titulada “Pensar la práctica”, presentaron proyectos que han dirigido en varios lugares de la república —desde su natal Jalisco, hasta San Luis Potosí o la Riviera Maya— con un afán tanto cosmopolita como afín al terruño (el estudio se especializa en usar materiales propios de los lugares donde trabaja). Además de mostrar cómo retoma el legado de su paisano Luis Barragán y las ideas sobre la diagonal de Mathias Goeritz (mismas que se han podido apreciar en sus intervenciones en LIGA y el Museo Experimental Eco), el estudio se abocó a mostrar que la articulación más importante de su trabajo es el juego y su lógica: “La arquitectura debe celebrar la vida y construir espacios que la promuevan. Las vivencias más significativas suceden en espacios de encuentro”, decía para cerrar Magui Peredo.

Casi de inmediato comenzó la presentación del estudio catalán Peris+Toral, que en esta ocasión sólo tuvo a Marta Peris como conferenciante (su compañero José Toral no habló, pero estuvo presente en el resto de las intervenciones como parte del público). Finalistas del premio Mies van der Rohe 2022 por su proyecto en Cornellà de Llobregat, Barcelona, el trabajo de este despacho se caracteriza por lo que ellos llaman sostenibilidad integral, un acercamiento que procura la viabilidad económica, social y ambiental de los proyectos. Peris, ataviada para la ocasión con su ya conocido sombrero negro, mostró su pasión en lo concerniente al diseño de casas y enfocó su exposición a la manera en que sus conjuntos habitacionales procuran desjerarquizar el espacio doméstico: cocinas colocadas en el centro (para visibilizar los roles de género) y programas sin pasillos, casas porosas que parecen más grandes de lo que realmente son. “No se puede separar la forma de habitar con las formas de construir. De ahí la importancia de la elección de materiales de vivienda para permitir la flexibilidad en las actividades de sus habitantes”, continuó la arquitecta, mientras pasaban por la pantalla imágenes donde la madera es un material esencial para concretar las tres variables de la sostenibilidad integral: reducir, compartir y esponjar.

Poco antes del mediodía, subió al escenario La Cabina de la Curiosidad, despacho ecuatoriano encabezado por Marie Combette y Daniel Moreno. Interdisciplinario y muy cercano a artes como el diseño editorial, el dibujo y el activismo, esta oficina compartió sus 8 manifiestos: comunidad, exploraciones, inmersiones, territorio, reciclajes, sistemas, actos poéticos, y artilugios, palabras clave que se interrelacionan en el trabajo de un colectivo inquieto (en el gran sentido de la palabra) y que lo mismo ha hecho readaptación de espacios en centros culturales y comunitarios, que trabajos de investigación documental. La más reciente de sus publicaciones, entre las varias que trajeron desde Quito y tuvieron gran demanda entre los compradores de libros, fue Los Caminos del Agua (Arquine, 2023), libro-río dibujado a mano que comparte nombre con la exposición que está ahora en el Colegio de San Ildefonso. Centrados en las ramificaciones de las cuencas hidrográficas del Amazonas, y el vínculo de las ciudades con el agua en Ecuador, Argentina y México, siempre con la línea como unidad mínima, tanto para los ríos, como el trabajo arquitectónico y artístico.

Con algunos minutos de retraso (un asunto no menor en un espacio tan reglamentado como Bellas Artes), Salvador Rueda entró para terminar la primera parte de las conferencias. Si los primeros tres actos se habían atenido a los límites del estrado (colocado, desde el punto de vista de los asistentes, en la parte izquierda del escenario), el ecologista urbano fue el primero en pasearse por el entablado de Bellas Artes. Aunque su presentación recurrió a ecuaciones, tablas estadísticas, infografías técnicas y mapas históricos (para ilustrar la Intervía de Cerdà o las ideas sobre zonificación de Le Corbusier en Barcelona y Bogotá), Rueda demostró que podía cargar por sí solo con el escenario y hablar convencido y convincente sobre la planificación urbana con fractales y su modelo: las supermanzanas. Estas ideas, presentes en obras que ha coeditado y coescrito como Carta para la planificación ecosistémica de las ciudades y metrópolis (Icaria, 2021), se expusieron de una manera didáctica pero también con la intención de incidir en el presente mediante políticas públicas. Para Rueda es claro: el modelo de las supermanzanas se puede implementar en cualquier ciudad y es la única manera de enfrentar los desafíos que plantea el cambio climático, la escasez de vivienda y la movilidad secuestrada por el automóvil (esa máquina desbocada). La redensificación de las ciudades y la reconquista de las calles, en ciudades entendidas como organismos complejos con su propio metabolismo, ofrecerían una oportunidad histórica: “Con esta propuesta, la gente pasará de ser conductora de vehículos a ser ciudadana y recuperar sus derechos de movilidad”. De esta manera, entre esperanzadora y urgente, terminó la conferencia, con las luces de la sala ya prendidas como reclamo implícito de un palacio riguroso en sus reglamentos. Quienquiera que desee una aproximación a las ideas de Rueda, puede leer la entrevista que tuvo con Miquel Adrià y que aparece en el número 105 de Arquine, dedicado a las mediaciones.

Después de una hora de intermedio, y aunque siempre tuvo una mayoría de butacas ocupadas, el palacio se llenó ahora sí para el turno vespertino. La colombiana Ana María Gutiérrez, de Organizmo, abrió la segunda parte de las conferencias con una participación centrada en videos y fotografías documentales sobre su trabajo con comunidades rurales. Más que enseñarles a los pueblos originarios, Gutiérrez compartió algunos de los conocimientos y haceres que la arquitectura occidental podría tomar como ejemplo: “Nos dirigimos a los orígenes, donde los ecosistemas y las comunidades son nuestras aulas de conocimiento vivo y autónomo. […] Sólo por medio de relaciones táctiles nos damos cuenta de que todos los procesos están interconectados con el hábitat. […] Cada comunidad es un libro abierto qué hay que proteger y comunicar […] y en el ámbito de la construcción de los pueblos originarios, construir es tejer, el diseño más importante no aparece en los planos, y su arraigo es con el territorio, no con la propiedad.” Pronunciada casi como un poema en prosa, su alocución fue breve, lo que dio tiempo a que llegaran más asistentes en una sala que empezaba a atiborrarse. (De nuevo, una entrevista más pormenorizada puede encontrarse en A105)

En el turno de Lacol, como en el caso de sus colegas de Peris+Toral, sólo tomó la palabra Cristina Gamboa, única representante de esta cooperativa catalana (aunque Pol Massoni también la acompañó en su visita a la Ciudad de México). Gamboa habló de los orígenes de esta cooperativa de arquitectos cuyo origen se remonta a la crisis económica que azotó España entre 2010 y 2012, un momento de revulsión política y social que puso en claro que la colectividad era la única respuesta ante la incertidumbre. Además, esto los llevó —continuaba Gamboa— a repensar el papel del arquitecto en el siglo XXI. Entre los varios dispositivos de infraestructura comunitaria que han ido implementando en los barrios de Cataluña, se destaca la cooperativa de vivienda La Borda, ganadora del premio Mies van der Rohe 2022, “un ejemplo de propiedad colectiva sin ánimo de lucro, asequible, sostenible y replicable”. Como ejemplo de lo que puede lograr un proyecto como este, Gamboa resaltó que durante la pandemia de covid-19 entre 2020 y 2021, los habitantes de lA Borda pudieron eexperiencia experimentar el apoyo mutuo, el cuidado y los encuentros que da un espacio comunitario.

Al poco tiempo Sol Camacho, de Raddar, compartió su ponencia sobre adaptación, edificios patrimoniales y la arquitectura existente, construida en diferentes etapas. Con São Paulo como ciudad principal de sus investigaciones —donde se estima que hay medio millón de edificios abandonados—, la arquitecta mexicana compartió la experiencia de su estudio en la readaptación, conservación y reintegración de edificios diversos como estadios, edificios patrimoniales o industriales. Consciente de que diseño e investigación van de la mano, Raddar trabaja más que en la construcción desde cero en el reacondicionamiento, una práctica que requiere de mucho apoyo de las instituciones, y demuestra que obtener consensos también es parte de la arquitectura.

Ya avanzado el día, al filo de las 5:00 de la tarde, comenzaría la sección en inglés de MEXTRÓPOLI. La sala del Palacio, prácticamente con lleno total, dio una gran ovación de bienvenida a Kazuyo Sejima, de SANAA. La ganadora del Pritzker 2010 dio una charla bastante pragmática, básicamente un recorrido por sus greatest hits: como el teatro y centro cultural de Kunstlinie en Alemere, Países Bajos; el Pabellón de Vidrio del museo de arte de Toledo, en Ohio, Estados Unidos; o el Museo de Arte Contemporáneo de Ishikawa, Japón. Especial atención mereció una de las obras más recientes de su estudio (que comparte con Ryue Nishizawa), el Sidney Modern Project, en Australia: en parte museo, puente terrestre y depósito de combustible, es un multiprograma que tiene salida a la ciudad y el mar. Sin desviarse mucho del guion de una presentación habitual de arquitecta laureada, su exposición giró en torno a la relación entre interior y exterior, o la creación de espacios como “paisajes de actividades”: edificios sin corredores, espacios abiertos sin techo y bien ventilados, el vidrio de altísima calidad como un material que opera como firma de autor(es) y manera de fundir interior con exterior por medio de sus reflejos y transparencias. Y, como trasfondo, “la idea del entorno como un lienzo que es capaz de mediar entre la abstracción y lo concreto, y permite la contigüidad entre programas en un mismo proyecto”. Lacónica pero eficiente, la arquitecta japonesa agradeció a una concurrencia llena de fans hispanoparlantes.

Como para contrastar el carácter comedido de las ponencias anteriores, Liam Young inició su participación dejando en claro que no venía a pronunciar un discurso sobre proyectos y edificios, sino a contar historias. En un ambiente más propio de una proyección en IMAX de Oppenheimer (Christopher Nolan, 2023) que del Ballet Folklórico de México (de Amalia Rodríguez), este arquitecto australiano —que se vanagloria de no diseñar edificios sino historias— narró en alta definición y de propia voz algunas de sus ficciones especulativas. Por ejemplo, Planet City, falso documental que presenta una ciudad de 10 billones de habitantes que concentra todas las redes planetarias de suministro y logra enfrentar el cambio climático mediante la tecnología, el cambio social y un nuevo vínculo espiritual (chamánico y totémico) con la naturaleza. En otra de sus piezas, Young presenta una realidad menos alentadora —más cercana a nuestro mundo distópico— en donde la gente baila y navega con camuflaje para navegar por los láseres de vigilancia que permiten que la ciudad lo vea todo en colores chirriantes y bajo una estética que se apropia del glitch y el ruido visual de los drones y las cámaras infrarrojas. En otra de sus piezas, llamada Una carta de amor de la ciudad a sus habitantes, Young presenta el primer cortometraje hecho con ayuda de un chatbot, entrenado para hablar como si fuera una smart city que le habla a su gente con una empatía incluso mayor que la de muchos gobiernos. Algunas de estas ficciones que, más que el futuro, ayudan a repensar el presente. Cabe destacar que algunas de estas piezas se podrán ver hasta octubre de 2023 en la exposición Construir Mundos, instalada en Ex Teresa Arte de Actual. 

Aprovechando que el audio y el video estaban al máximo, Jayden Ali, (de JA Projects y curador del pabellón británico en la Bienal de Arquitectura de Venecia de este año), mostró sus piezas de videoarte con todo el poderío que permitía el equipo de producción de Bellas Artes. Cuando los samples de hip hop empezaron a sonar, con los bajos en todo su esplendor, fue inevitable percibir la sorpresa, e incluso incomodidad, de algunos de los asistentes (¿habrá sido la primera vez que una base rítmica como esta tronara en las bocinas del máximo recinto cultural del país?). Y, en pantalla, un collage que intercalaba íconos de arte afrodescendiente con episodios de violencia racial como el asesinato de George Floyd por parte de un policía blanco a plena luz del día en las calles de Minneapolis, Estados Unidos. Así se introdujo al público a “Dancing Before the Moon“, nombre que el pabellón británico tomó prestado del escritor estadounidense James Baldwin: “hay una razón, después de todo, por la que una clase de gente que quiere colonizar la Luna, mientras otros bailan ante ella como si fuera una vieja amiga”. Compuesta por esculturas, videoarte, manifiestos y otras piezas que están conectadas a la infraestructura del edificio que aloja el pabellón, “Dancing Before the Moon” es una reflexión sobre la experiencia negra y racializada, tanto en el Reino Unido como en el mundo. Quizá desconcertante en el contexto de un festival de arquitectura, y más cercana al arte contemporáneo, la participación de Jayden Ali terminó como una apuesta por la ocupación consciente y empoderante de los vacíos dejados por la historia y el poder.

“Estamos como en un sándwich entre Pritzkers”. Así empezó su turno Sasa Radulovic, quien subió al escenario junto a Johanna Burme, la otra mitad del estudio canadiense 5468796 (546 o barcode para los amigos que no quieren quedarse sin aliento). Viejos conocidos de Arquine, en su debut en MEXTRÓPOLI llegaron con su primer libro bajo el brazo y una exposición sobre su trabajo en proyectos de vivienda colectiva y una tensión de antiguos colegas (¿o de matrimonio veterano?) que dio algunos momentos de humor involuntario. No obstante, el dúo pudo transmitir su idea de la arquitectura como una profesión que no se reduce tan sólo al diseño y construcción de edificios, sino que es ahora una práctica que debe tomar en cuenta factores que no siempre están en manos de los arquitectos: reglamentos, gobernanza, activismo y liderazgo social. Como adelanto de su libro, Housing for the 99% (Arquine, 2023), 546 dio visos de un “kit de herramientas” para estudiantes de arquitectura o para quienes trabajan para lograr proyectos adaptables y resilientes, con la experiencia de haber desarrollado intervenciones en espacios abandonados y hasta la transformación de estacionamientos “sustentables”. “La arquitectura del futuro se caracterizará por la combinatoria de programas en proyectos que pueden funcionar como espacios de trabajo, residenciales o de infraestructura”; dijo alguno de los dos que, más que interrumpiéndose entre sí, complementaban las palabras del otro.

Por último, llegó uno de los momentos más esperados de la noche, postergado incluso por años debido a la pandemia causada por el coronavirus. Cuando Wang Shu, de Amateur Architecture (estudio qué comparte con Lu Wenyu, ausente para esta ocasión), llegó al escenario, recibió la segunda ovación ruidosa de la noche. Siguiendo el protocolo, Shu presentó su ponencia “Practice between City and Country” (“La práctica entre la ciudad y el campo”) que, si bien se centró en algunos de sus proyectos, era sobre todo una historia: la del vínculo entre campo y ciudad en China. En la primera diapositiva de su presentación Wang Shu presentó algo que resultó inusual en una jornada llena de fotos celebratorias y promocionales o de piezas de alto octanaje digital: la reproducción de una parte de los rollos de Morada en las montañas Fuyung, del pintor Huang Gongwang (1269-1354). La imagen, un paisaje montañoso de la región de Hangzhou (antes transcrita al español como Cantón), con su técnica tan peculiar de pintura al aguada (o tinta china), resaltaba la milenaria historia de esta civilización, y la el trabajo por preservarla que ha sido la marca de Amateur Architecture. Este aspecto, que fue uno de los que se reconocieron cuando el estudio recibió el premio Pritzker, ha sido más que una decisión estética: con ella bajo principio Shu y Wenyu han hecho a los resabios de la Revolución Cultural maoísta y la inclemencia (y florecimiento) de los proyectos de infraestructura a gran escala en tiempos de Xi Jinping, que ha transformado esos viejos paisajes de leyenda en horizontes con edificios modernos pero alejados de su raíz. Esta mediación entre la arquitectura local y el crecimiento urbano de China, como mostró Shu, se centró sobre todo en la tipología del courtyard (casa de campo), cuya diversidad fue el punto de inspiración para proyectos como el recinto de los Archivos Nacionales de Hangzhou; la librería de Wenzheng College en la Universidad de Suzhou, el Museo Histórico de Nigbo; o la Villa Wencun, justo en las faldas de esas colinas semifantasmales, ahora anodinas, pintadas hace casi mil años. “El secreto de la vida, sea en la ciudad o en la vida, está en la diversidad”, dijo Wang Shu para cerrar su participación.

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La arquitecta japonesa Kazuyo Sejima fue galardonada con el Premio Jane Drew de Arquitectura 2023, un premio que reconoce a una arquitecta que, a través de su trabajo y compromiso con la excelencia en el diseño, haya elevado el perfil de la mujer en la arquitectura. Sejima es cofundadora de SANAA, que creó con Ryue Nishizawa en 1995 en Tokio, tras haber comenzado su carrera en la oficina de Toyo Ito y fundado su propio estudio Kazuyo Sejima & Associates en 1987.

Los edificios de Kazuyo Sejima y su estudio SANAA incluyen el Louvre-Lens y más recientemente el Sydney Modern, inaugurado a finales del año 2022 y primer proyecto del estudio en Australia. Su arquitectura, formada por suelos suavemente inclinados, columnas en forma de aguja y ondulantes cintas de cristal, es a la vez delicada y generosa.

La arquitecta, crítica y activista canadiense Phyllis Lambert es la ganadora del Premio Ada Louise Huxtable a la Contribución a la Arquitectura 2023, que reconoce a personas que trabajan en el sector de la arquitectura en general y que han realizado una contribución significativa a la arquitectura y al entorno construido. Lambert encargó y trabajó con Mies van der Rohe en el diseño del edificio Seagram en la década de 1950 y fundó el Centro Canadiense de Arquitectura (CCA) en 1979. El último libro de Lambert, Observation Is a Constant That Underlies All Approaches, el cuál, salió a la venta en enero.

El cargo Kazuyo Sejima y Phyllis Lambert galardonadas con los Premios Jane Drew y Ada Louise Huxtable 2023 apareció primero en Arquine.

Un nuevo edificio diseñado por los arquitectos Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA, galardonados con el premio Pritzker. Concebido como complemento del edificio original revitalizado de la Galería de Arte, con su fachada neoclásica del siglo XIX, el diseño de SANAA para el nuevo edificio responde al singular emplazamiento del proyecto con una serie de pabellones entrelazados que descienden suavemente hacia el puerto de Sídney. Los pabellones se asientan baja y ligeramente en el emplazamiento, siguiendo la topografía natural del terreno.

Este edificio independiente, se encuentra al norte del edificio original de la galería, en el cruce de varias vías críticas. Los peatones cruzan el lugar para ir y venir de la ciudad, mientras que los coches circulan por una autovía situada más abajo. El terreno del emplazamiento es diverso. Hay una elevación de 20 metros desde el puerto hasta Art Gallery Road, donde se encuentra la puerta principal de la Galería de Arte. Al lado hay un puente de tierra que conecta la Galería de Arte con el Jardín Botánico. En el nivel más bajo del emplazamiento hay dos tanques de petróleo fuera de servicio que se utilizaron durante la Segunda Guerra Mundial. Estos tanques, las carreteras y el puente de tierra dan forma al emplazamiento y podemos ver la historia de modernización de Sídney.

El edificio se compone de una serie de pabellones de diversos tamaños y volúmenes de galerías, que se asientan ligeramente sobre estos elementos. Los tejados bajos se escalonan y se desplazan suavemente a lo largo de la topografía para preservar los árboles existentes, las líneas de visión y el contorno del terreno. Una plaza cívica, la Plaza de la Bienvenida, conecta los edificios de las galerías existentes y los nuevos. Se trata de una zona sombreada al aire libre, conectada con el pabellón de entrada del nuevo edificio, que actúa como espacio compartido para la comunidad. Se trata de una gran plaza abierta en la que pueden desarrollarse simultáneamente muchas actividades.

Se pensó en un espacio donde los visitantes y los grupos escolares puedan reunirse informalmente, conocer y preparar su visita a la Galería de Arte. Desde el interior del pabellón de entrada, los visitantes pueden bajar a un atrio y vislumbrar el arte, las actividades y el paisaje más allá. Los espacios expositivos están repartidos por los distintos niveles del edificio. En el nivel inferior, se ha conservado y adaptado el depósito de petróleo del sur para albergar grandes encargos e instalaciones artísticas. Los visitantes son conducidos lentamente hacia abajo por el recinto, acercándolos al puerto.

Tres cubiertas centrales son accesibles, creando terrazas de enlace que parecen una prolongación de los caminos del Dominio y el Jardín Botánico, ofreciendo vistas adicionales del recinto. La circulación, tanto interior como exterior, sigue caminos orgánicos que resuenan con el terreno y el entorno existentes. Al integrar el arte, la topografía del lugar y el paisaje circundante, esperamos crear una experiencia de museo de arte distintiva de Sídney.

El cargo Una nueva galería de arte por SANAA en Sydney apareció primero en Arquine.

Los galardonados en 2022 fueron:

Pintura: Giulio Paolini (Italia)
Escultura: Ai Weiwei (China)
Arquitectura: Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA (Japón)
Música: Krystian Zimerman (Polonia/Suiza)
Teatro/Cine: Wim Wenders (Alemania)

Estos personajes son reconocidos y premiados por sus logros, por el impacto que han tenido a nivel internacional en las artes y por su papel en el enriquecimiento de la sociedad a nivel mundial. Cada galardonado recibe un honorario de 15 millones de yenes y una carta testimonial. El Príncipe Hitachi, patrono honorario de la Asociación de Arte de Japón, les entregará una medalla en la ceremonia de entrega de premios que se celebrará en Tokio el próximo 19 de octubre de 2022.

Te recomendamos revisitar algunos de los textos que arquine.com ha publicado sobre:

Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA

Ai Weiwei 

Wim Wenders

El cargo SANAA, Win Wenders & Ai Wei Wei entre los galardonados con el 33º PRAEMIUM IMPERIALE apareció primero en Arquine.

El jardín Hamarikyu es un jardín daimyo del período Edo. Ha sido ajardinado y renovado muchas veces por sucesivos shogunes del shogunato Edo. Hoy en día, desde el jardín, se pueden ver los rascacielos de Shimbashi y Shiodome al fondo. Es un sitio donde podía interactuar con dos dimensiones de Tokio: la histórica y la moderna. Pienso en la expansión de la ciudad de Tokio mientras siento el campo que solía ser: cetrería para el shogunato. Dentro del parque, elegimos el sitio de la casa de huéspedes “Enryokan”, construida a principios de la era Meiji. Es un lugar de hospitalidad.

El Jardín Hamarikyu ya es un parque que convive con el agua: hay muchas formas de disfrutar del agua dentro del parque, como estanques hechos con agua de mar y dos campos de patos. En este paisaje, quería introducir el agua de una manera que reflejara los tiempos actuales, pero teniendo en cuenta el kyokusui (una vía fluvial en el jardín Shinden-zukuri del período Heian).

El agua es un elemento insustituible en la vida. Los patrones de agua corriente, que se utilizan a menudo en el kimono, tienen diferentes significados simbólicos, como “lavar el sufrimiento y los desastres”, “el agua que fluye es limpia y pura” y “purificación y protección contra el fuego”.

En cuanto a la instalación en sí, la corriente de agua sobre el césped parece estar estacionaria cuando se ve desde la distancia, pero cuando uno se acerca a ella, es posible ver que en realidad fluye silenciosamente. Al parecer simultáneamente fijo y en constante cambio, el flujo de agua representa el pasado, el presente y el futuro.

El agua poco profunda en la vía fluvial reflejada brilla intensamente. Refleja los pinos y ciruelos circundantes, así como los edificios vecinos. El título “Suimei” es una palabra que significa cómo el agua límpida brilla maravillosamente a la luz del sol y la luna. Mi esperanza es poder imaginar un futuro brillante a través de esta superficie de agua, uno que refleje el pasado de Tokio y, al mismo tiempo, cambie continuamente.

Me gustaría retratar el paisaje como escribió Kamo no Chomei en el preludio de su libro “Hojoki”: “El flujo del río es incesante; y su agua nunca es la misma. La espuma que flota en las piscinas que ahora se acumula, ahora se desvanece, nunca dura mucho. Así es con el hombre y todas sus moradas en esta tierra ”.

El cargo Water Pavilion apareció primero en Arquine.

Este proyecto es la renovación de La Samaritaine, Grand Magasin de finales del siglo XIX, creada por Ernest Cognacq y su esposa Marie-Louise Jaÿ en el corazón de París. El programa total comprende 20,000 m2 de locales comerciales (antes 30,000), 15,000 m2 de oficinas, 7,000 m2 de vivienda social, una guardería con 80 cunas y un hotel con 72 habitaciones y suites distribuidos en dos calles.

Comercio

El sitio es de gran importancia histórica y la huella del edificio se extiende desde la Rue de Rivoli hasta el Quai du Louvre, con vistas al Sena. El diseño de SANAA crea el “passage de La Samaritaine”, una nueva calle con actividades sociales y comerciales que se extiende a lo largo del edificio existente. Conecta tres patios de altura completa, uno existente y dos nuevos: cada uno tiene un diseño único y juntos crean una secuencia alterna de áreas de actividades interiores y espacios abiertos. Este nuevo pasaje es una conexión física y figurativa entre la fachada histórica del edificio diseñado por Henri Sauvage, con vistas al Sena, y la nueva fachada que han diseñado para la Rue de Rivoli, que revitaliza la imagen de La Samaritaine. Las suaves ondas del vidrio hacen eco del ritmo y la escala de la cancelería vecina, y establecen continuidad a lo largo de esta concurrida calle comercial. Para mejorar aún más la integración del nuevo diseño dentro de su contexto urbano, el vidrio refleja y transforma el entorno, creando una sutil combinación de lo histórico y lo contemporáneo en toda su superficie. La intención de los arquitectos es la de establecer una relación armoniosa entre aquellas piezas que se renuevan y las que son nuevas.

Patrimonio

Desde la inauguración de su primera tienda departamental en 1870 hasta la actualidad, La Samaritaine ha crecido hasta incluir cuatro Magasins. El Magasin 2 es el más grande. Fue construido entre 1903 y 1907 por el arquitecto Frantz Jourdain, y está protegido como monumento histórico. Cualquier intervención  debía ser objeto de una estrecha consulta con el Ministerio de Cultura. Por lo tanto, se sumó a la operación Lagneu Architectes como arquitectos patrimoniales. A diferencia de la Magasin 4, que es completamente nueva, el programa de la Magasin 2 tuvo que adaptarse al edificio para que los elementos patrimoniales se conservaran, al tiempo que se ajustaba a los estándares y requisitos actuales.  En el interior, se ha rescatado todo el esplendor del gran salón, un verdadero jardín de invierno, restaurando pinturas, falsas mamposterías, herrajes, escaleras y aprovechando la necesidad de rehacer la marquesina de vidrio para recuperar el ritmo de las rejas de madera retiradas en 1980. En el exterior, las fachadas han recuperado su aspecto original. Adornadas con toldos y marquesinas, piedra de lava esmaltada en amarillo ocre, letras, cerámicas y dorados, cobre gofrado, paneles de madera esculpida, todo ello sobre el original color gris azulado de la estructura metálica. Se han conservado la carpintería metálica, marquesinas translúcidas, vitrinas y, en la sección construida por Sauvage, las ventanas originales de guillotina. También se han restaurado las fachadas de los edificios clásicos del siglo XVII al norte de la rue de l’Arbre-Sec

Vivienda

La construcción de noventa y seis viviendas sociales (7,000 m2 de superficie neta) es un programa de gran relevancia en el contexto de una manzana parisina y estuvo a cargo de François Brugel Architectes Associés. La profundidad del edificio es de 23.50 metros y deriva de los programas más significativos del edificio: comercio y oficinas. Entre las características más destacadas del proyecto habitacional se encuentra la ubicación de los núcleos de circulación en la articulación entre los edificios rehabilitados y la parte nueva. La asociación de los almacenes de cada piso con estos núcleos completa las partes densas del proyecto. Entonces, es la disposición de la carcasa en un doble espesor lo que tiene sentido. Se instala una franja de cuartos húmedos en la parte trasera, se disponen los ambientes principales en busca de luz, uno al lado del otro, a lo largo de la posible fachada, jugando en la hilera y la doble distribución. Finalmente, las fachadas, cuyo doble espesor acoge jardines de invierno o logias, espacian las distintas funciones y usos del proyecto.

El cargo La Samaritaine apareció primero en Arquine.

El proyecto está situado en el arrondissement (distrito municipal) número 16 de París, rodeado por el urbanismo clásico de Haussmann por un lado y el Bois de Boulogne por el otro. Los cuatro volúmenes de viviendas se entrelazan creando una secuencia de patios que conectan la ciudad y el paisaje, trayendo una serie de jardines intersticiales en el corazón del sitio.

El diseño se caracteriza por sus formas orgánicas y las fachadas curvas proporcionan departamentos con múltiples orientaciones para aprovechar la luz natural, la ventilación y las vistas. Cada edificio está compuesto por cuatro pisos levantados en pilotis a nivel de planta baja. Esto establece transparencia en todo el sitio, abre vistas hacia el parque y proporciona descansos en la continuidad de la calle. El espacio de los pilotis está marcado por una serie de burbujas de metal expandidas que albergan las entradas, el almacenamiento de bicicletas y las áreas de recepción, mientras que un paisaje suavemente ondulado amortigua cada uno de los edificios en la planta baja.

Cada volumen tiene una forma diferente, proporcionando diversos planos interiores que se relacionan con el carácter específico del tejido adyacente y proporcionan arreglos de vivienda variables. La diversidad de curvas también crea una percepción cambiante del proyecto desde la calle. A veces aparece como una serie continua de superficies onduladas, otras veces las vistas atraviesan todo el sitio estableciendo un diálogo con los edificios vecinos y el parque. Hay un dinamismo inherente a la distribución de los edificios: los patios parecen abrirse y cerrarse a medida que los atraviesas, estableciendo un diálogo abierto entre las comunidades.

Las fachadas de estuco de color crema hacen eco de la piedra de las fachadas parisinas y las persianas de aluminio anodizado articulan el ritmo de las curvas. Estos reflejan el cielo y el parque y hacen que el edificio esté animado por un espectro suave de colores con el paso de las estaciones y las horas del día.

El cargo Departamentos en la Avenida Maréchal Fayolle | SANAA apareció primero en Arquine.

La expansión del campus de la Universidad Bocconi en Milán, inaugurada con la asistencia del Presidente de la República Italiana, Sergio Mattarella, no es una simple construcción de edificios, sino un complejo proyecto de paisajismo. Diseñadas por la firma arquitectónica SANAA, liderada por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, la transparencia de los edificios y el parque de 17,000m2 abierto al público logran dos objetivos. Primero, dan forma a un campus urbano nuevo y orgánico, cuya continuidad está garantizada por la peatonalización de parte de Piazza Sraffa. También crean un eje verde que va desde Parco Ravizza hacia el este, hasta Parco Baravalle hacia el oeste, extendiéndose hacia el sur hacia el Parque de la Memoria Industrial en la antigua área de OM.

El proyecto, completado con una inversión total de 150 millones de euros, incluye una residencia que alberga a 300 estudiantes, los cuatro edificios que conforman la nueva sede de la SDA Bocconi School of Management y un centro deportivo multipropósito. Esta última cuenta con dos piscinas, un área de entrenamiento, una cancha de baloncesto / voleibol y una pista de atletismo cubierta, gradas con capacidad para aproximadamente mil personas. Al igual que el parque, el centro deportivo también estará abierto a todos en la ciudad.

El estudio de arquitectura SANAA ganó el concurso internacional anunciado por Bocconi en 2012 gracias sobre todo a «la capacidad de redefinir el concepto de campus como un elemento integral del tejido urbano, con un carácter unitario, orgánico, no invasivo y al mismo tiempo abierto – física y visualmente – al área », como lo indica la motivación del panel presidida por Sir Peter Cook.
La idea de apertura se logra a través de la continuidad significativa entre los espacios interiores y exteriores que caracteriza la arquitectura japonesa, y en particular la de la empresa arquitectónica SANAA. Los muros perimetrales de los edificios son transparentes, creando la sensación de espacios interiores que fluyen hacia el exterior, y las líneas son flexibles. Las secciones tradicionales de planificación urbana en Milán (calles, manzanas, patios, patios) se han reinterpretado, lo que demuestra una fuerte conciencia del contexto urbano de referencia.
«Intentamos integrar la universidad con el parque utilizando la arquitectura del patio», dicen Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa.

Para mejorar la ligereza y la transparencia, los edificios tienen forma de anillo: el perímetro exterior da a la ciudad y al parque y, desde el interior, los patios de los edificios forman un entorno natural y verde. Cada núcleo se establece en un tamaño reducido del edificio, garantizando la exposición interior a la luz y ofreciendo amplias aberturas a los patios del parque, a fin de optimizar la ventilación natural y reducir el uso de iluminación y ventilación artificial. Como continuación de los perfiles de los edificios, el parque se caracteriza por un sistema de arcadas / toldos de forma orgánica, que guía y protege los senderos peatonales internos.

Todos los techos de los edificios están equipados con paneles fotovoltaicos de alta eficiencia, que producen más de 1.200 kW de potencia nominal. Además, el ahorro de energía está garantizado por el uso de bombas de calor y unidades de refrigeración para equilibrar los requisitos de calor de diferentes edificios, desde una carcasa de construcción eficiente en energía (una primera capa externa en malla de aluminio anodizado es seguida por una segunda en vidrio y aluminio) y mediante un avanzado sistema de gestión de iluminación con control automático de los niveles de brillo en cada espacio.

De los 35,000m2 del área, 17,000m2 están reservados para vegetación, con una plantación que favorece las especies nativas ya presentes en el adyacente Parco Ravizza, como el roble, el carpe europeo y el álamo negro.

Los participantes del curso disfrutan de una experiencia de aprendizaje de 360 ​​°, gracias a las tecnologías de aula que mejoran la interactividad de la enseñanza. La grabación de las lecciones y su transmisión en las aulas adyacentes, la interacción remota entre el maestro y los alumnos y el diálogo de hasta cuatro dispositivos son posibles, que se pueden proyectar simultáneamente en la pantalla del aula (y lo mismo ocurre con las pantallas instaladas en los lugares de estudio).

El cargo Nuevo Campus de Bocconi | SANAA apareció primero en Arquine.

De hecho, la arquitectura y la medicina siempre han estado estrechamente interconectadas. Vitruvio dedicó una buena parte del primer tomo de los Diez libros de la arquitectura, aportando instrucciones detalladas sobre como asegurar la salud de los espacios, y los libros de croquis de Leonardo da Vinci reunieron cortes arquitectónicos junto con estudios anatómicos del cuerpo humano. En el siglo XX el uso generalizado de los rayos X creó un nuevo modo de pensar la arquitectura. Los edificios modernos empezaron a parecerse a las imágenes médicas, con muros trasparentes de vidrio que revelan los secretos internos de la estructura. La casa moderna se entendió no sólo como un tipo de equipamiento médico, un mecanismo para cuidar el cuerpo, sino como una pieza de equipamiento para el ejercicio diseñado para producir cuerpos fuertes y saludables. El mismo doctor Winter, cercano a Le Corbusier, decía que el Nuevo Espíritu (Esprit Nouveau) requiere un nuevo cuerpo. Las casas que proyectaron en Los Ángeles Rudolph Schindler y Richard Neutra, posteriormente, para el Dr. Philip Lovell eran espacios para enaltecer la salud, hasta el punto que el mismo Neutra estaba convencido que sus edificios podían mejorar no la salud, así como la vida sexual de sus habitantes. A su vez, el crítico por excelencia y líder de los CIAM Sigfried Giedion decía que los tres edificios institucionales más representativos de la modernidad eran la Bauhaus en Dessau de Walter Gropius (1926), el proyecto no realizado de Le Corbusier para la Liga de las Naciones (1927) y el sanatorio de tuberculosis de Alvar y Aino Aalto, en Paimo, Finlandia (1929-1933), añadiendo que “las partes de los tres edificios estaban intrínsecamente integradas, como los órganos del cuerpo.”

No se trataba de que el edificio simplemente albergara un programa sino que el programa debía ser integral con la forma del edificio. El mismo Alvar Aalto añadía que “el principal propósito de un edificio es que funcione como un instrumento médico”, y Robert Musil en su extraordinaria novela El hombre sin atributos, escribía que “el hombre moderno nace y muere en un hospital, por lo que bien debiera vivir en un espacio como un hospital.” Los avances de la nueva medicina del pasado siglo apelaban a una arquitectura, también nueva, que privilegiara el confort. “El confort aísla —apuntaba Walter Benjamin— y permite gozar de la mecanización.” La intimidad ligada al equipamiento médico produce un desapego del mundo, que es la esencia de una habitación de hospital. “De hecho —añade Colomina— todos los edificios, y no sólo los hoteles, se han convertido en una variante del sanatorio o el hospital.” A su vez, Mies escribía que su arquitectura se reducía a “pieles y huesos” y algunos de sus proyectos como el del rascacielos berlinés en la Friedrichstrasse se leen como una placa de rayos X. Él mismo publicó en la revista G una foto de una cabeza de mujer y su radiografía para ilustrar uno de sus textos. Y años más tarde, construyó la casa Farnsworth, que no es mas que una máquina para ser vista a través. Hasta su dueña, a modo de queja, asentía diciendo que “cualquier arreglo de mobiliario era un problema severo, ya que la casa era transparente como un rayo X.” 

No hay que olvidar los estragos de la tuberculosis en la primera mitad del pasado siglo. Mientras Josep Lluís Sert proyectó el Dispensario Antituberculoso de Barcelona, 1934, Neutra, la famosa crítica de arquitectura Esther McCoy y otros tantos, padecían tuberculosis, y Adolf Loos, sífilis y cáncer de estómago. Los Rayos X son un tipo de autoexposición, y quizá el más íntimo retrato de uno mismo. La arquitectura occidental, al menos desde el Renacimiento, ha sido modelada a partir del cuerpo humano, pero el cuerpo, desde la llegada de los rayos X se invirtió, siendo el interior la expresión del exterior. La arquitectura moderna absorbe la lógica de la pantalla y la arquitectura de cristal es el eco de la lógica de los rayos X. Y en la medida que el rayo X expone el interior del cuerpo, el edificio moderno expone su interior.

“La transparencia —para György Kepes— significa la percepción simultánea de diferentes espacios.” Tanto para Mies como para Johnson, los reflejos consolidan los planos de las fachadas de cristal. Las lineas complejas de los arboles reflejados en las cajas de vidrio de ambos, son el equivalente de las vetas del mármol de los edificios del Mies de los años treinta. En la actualidad, SANAA va más lejos produciendo capas de reflejos tanto en el interior como en el exterior, difuminado la percepción del limite. La arquitectura de SANAA no revela la estructura ya que sus edificios son artefactos ópticos sin mecanismos a la vista. La intervención de Kasuyo Sejima en el pabellón de Mies en Barcelona, que incorporó una elipse abierta y transparente en su interior, es una buena demostración. El efecto de su arquitectura ya no es transparente sino difuminado, nebuloso, vaporoso, como si su arquitectura quisiera desparecer y evaporarse. El rol de la arquitectura queda cuestionado en un mundo de exposición extrema, en el que los muros ya no ofrecen privacidad y emergen nuevas estrategias que incorporan mecanismos de exposición para encontrar nuevos puntos ciegos. 

Beatriz Colomina concluye que si queremos entender el estado de la arquitectura contemporánea deberíamos entender las obsesiones dominantes de nuestro tiempo –enfermedades y técnicas de diagnóstico– y ver qué efecto tiene en los modos de concebir la arquitectura contemporánea.

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Se anunciaron los seis finalistas para el diseño de la ampliación del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

El jurado encargado ha hecho pública la selección entre los 57 aspirantes, los finalistas son : los ganadores del Premio Pritzker Norman Foster, Rafael Moneo, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA), los madrileños Nieto Sobejano, Bjarke Ingels Group y el estudio noruego Snøhetta.

El Bellas Artes quiere aprovechar las ventajas de estar situado a apenas 250 metros del otro museo que ha propiciado la transformación urbanística de Bilbao, el Guggenheim. Al nuevo edificio auxiliar, situado fuera del actual emplazamiento, se trasladaría el depósito de obras de arte, el archivo, la biblioteca y un nuevo Centro de Estudios y de Documentación de Arte Vasco, denominado Arteder. La idea ganadora será proclamada entre el 22 y 29 de julio

Miguel Zugaza, a la derecha, este miércoles tras la presentación del nuevo plan estratégico del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

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