Esta es la primera de cuatro publicaciones mensuales sobre New Middles, el tema del ciclo de Exhibit Columbus 2020-2021, comisariado por Iker Gil y Mimi Zeiger.

New Middles: de la calle principal a la megalópolis, ¿cuál es el futuro de la ciudad mediana? explora el futuro del centro de los Estados Unidos y las regiones conectadas por la cuenca del Mississippi. Ubicado dentro de esta cuenca se encuentra Columbus, Indiana, mejor conocida como un destino modernista de mediados de siglo. Es una ciudad mediana arquetípica en el medio oeste —una ciudad intermedia entre las medianas, con una impresionante historia de arquitectura orientada socialmente y diseñada para fomentar la vida cívica.

Lo mediano es su propia condición, especialmente en relación con los cambios demográficos, la tecnología, la movilidad, el cambio climático, las crisis de salud y las formas en que las ciudades están tratando de abordar las injusticias pasadas y presentes. Lo mediano es una red de relaciones, múltiples centros y potenciales. Adoptando una larga línea de tiempo de ciudades pasadas, presentes y futuras, New Middles se basa en el legado de Columbus como laboratorio para el diseño como una inversión cívica. A través del tema New Middles, los curadores y participantes consideran a Columbus como un lugar para desestabilizar los supuestos e imaginar nuevas arquitecturas y paisajes como una forma de hacer avanzar positivamente nuestras ciudades.

Para la Exposición de 2021, Gil y Zeiger invitaron a los ganadores del Premio J. Irwin y Xenia Miller, a los becarios de investigación de diseño universitario y al equipo de diseño de la escuela secundaria, para crear instalaciones específicas para el sitio y orientadas al futuro, que se darán a conocer el 21 de agosto de 2021. Estos trabajos cívicos al aire libre estarán acompañados por los Photography Fellows y el diseñador de identidad gráfica y señalización.

En este primer artículo, los comisarios presentan a los ganadores del Premio J. Irwin y Xenia Miller. El Premio J. Irwin y Xenia S. Miller es la pieza central de Exhibit Columbus y honra el legado de dos grandes patrocinadores de la comunidad de Columbus. Los ganadores del premio 2020-21 representan prácticas que celebran el diseño y tienen un profundo interés en la investigación y la creación. Fueron seleccionados por su compromiso con el poder transformador que la arquitectura, el arte y el diseño tienen para mejorar la vida de las personas y hacer de las ciudades mejores lugares para vivir. Los ganadores del premio J. Irwin y Xenia Miller de este año son:

Dream the Combine (Minneapolis)
Ecosistema Urbano (Miami y Madrid, España)
Future Firm (Chicago)
Olalekan Jeyifous (Brooklyn)
Sam Jacob Studio (Londres, Inglaterra)

Equipo: Dream the Combine
Título: Columbus Columbia Columbo Colón
Ubicación de la instalación: Mill Race Park

Colón, y los lugares que llevan su nombre, forman juntos una serie de asociaciones —de identidad, capital y propiedad estadounidenses— que tienen un impulso considerable. Columbus Columbia Columbo Colón es una investigación de estas relaciones. La instalación en Mill Race Park está diseñada para hacer visible lo invisible, a través de una superposición de material, textos y narrativas discursivas que representan este sistema que negociamos todos los días. La instalación consta de decenas de elementos verticales que representan los diferentes lugares denominados “Colón” en el mundo. Al navegar entre cada uno de los polos, se invita a los visitantes a sentir curiosidad acerca de lo que Colón, como sistema, sostiene, y cómo esta narrativa fundacional impregna nuestra comprensión de lo que constituye nuestra historia colectiva. Columbus, Indiana, no es solo una ciudad, es parte de un complejo más grande de significado y significación; la persistencia de su legado continuo es algo con lo que todos debemos lidiar.

Equipo: Ecosistema Urbano
Título: Cloudroom
Ubicación de la instalación: Central Middle School

Hoy, cuando la enseñanza y el aprendizaje se ven obligados por las condiciones de la pandemia a explorar nuevos formatos, Cloudroom tiene como objetivo repensar cómo la educación puede tener lugar a través del propio espacio físico. Situada en los terrenos de Central Middle School, la instalación propuesta está diseñada como un anfitrión y soporte físico para el aprendizaje, así como un artefacto convincente para crear conciencia sobre los desafíos ambientales actuales.

Una “nube” inflable flota sobre una estructura de madera, creando una atmósfera acogedora y un ambiente con un microclima confortable para realizar una variedad de actividades entre la escuela y el espacio público, fomentando el aprendizaje a través de la experiencia directa. El objeto físico, ubicado en una escala intermedia entre la escuela y la ciudad, actúa como un espacio mediador entre los usuarios de la escuela y una comunidad de Columbus más amplia.
El diseño se basa en dos enfoques: social y ecológico. La instalación es un lugar para aprender, jugar, conectarse e interactuar. El inflable se puede utilizar como parte del proceso de enseñanza, convirtiéndose en una experiencia inmersiva. La expresión arquitectónica de Cloudroom evoca los elementos de una cúpula y un óculo, recordando a los visitantes y estudiantes las características arquitectónicas históricas. Sus soportes visibles demuestran las fuerzas que actúan sobre él, desde la gravedad hasta el viento, permitiendo una mejor comprensión de las estructuras físicas. Para expresar un enfoque ecológico, Cloudroom está conectado a sensores ambientales en tiempo real, y la iluminación dentro del inflable cambia de color en consecuencia. El objetivo es concienciar a los visitantes y usuarios sobre su entorno inmediato y cómo las condiciones de Columbus están vinculadas a cuestiones más amplias del cambio climático. Además, la instalación está realizada con materiales (tela estampada, cuerdas y madera) que están destinados a ser reutilizados y reciclados al cierre de la exposición.

Equipo: Future Firm
Título: Midnight Palace
Ubicación de la instalación: Sears Building Plaza

Columbus es una ciudad de noctámbulos: el 39% de la población trabaja en la industria manufacturera, en comparación con el 9% a nivel nacional. Entre este grupo, muchos trabajadores de segundo y tercer turno comienzan sus “días” por la tarde y terminan el trabajo por la mañana. Otros residentes también queman el aceite de medianoche: trabajadores de restaurantes, camioneros en la I65, padres de recién nacidos, observadores de estrellas dedicados, residentes con familias en el extranjero. Sin embargo, muchos espacios cívicos y de esparcimiento sólo sirven las horas de luz solar. Midnight Palace pregunta cómo podemos diseñar para la ciudad de medianoche.

Midnight Palace está inspirado en las cualidades atmosféricas de la noche y diseñado para los noctámbulos de la ciudad. Ubicado en el edificio Commons Sears, cuenta con una “pared de luz” hecha de las bombillas históricas del paisaje urbano de Columbus: viejos artefactos de sodio de alta presión, LED contemporáneos, luces de señalización para el tren adyacente. Construido a partir de un entramado de conductos eléctricos, su método de construcción destaca el oficio elegante y, a menudo, invisible de los electricistas profesionales. El pabellón contará con una serie de pantallas “drive-in” y “walk-by” para reuniones de diferentes escalas, incluida la programación de socios con organizaciones comunitarias. Además, las pantallas presentarán un trabajo participativo, “Night Owl Map of Columbus”, destacando las entrevistas con los residentes y las maravillas nocturnas de la ciudad, pasadas, presentes y futuras.

Equipo: Olalekan Jeyifous
Título: Archival/Revival
Ubicación de la instalación: Cleo Rogers Memorial Library Plaza

La Cleo Rogers Memorial Library tuvo su inauguración oficial en diciembre de 1969. Una de las primeras exhibiciones que tuvo lugar en el nuevo edificio fue una exhibición de Arte Africano que se inauguró a fines de enero de 1970, en la galería de la biblioteca en el nivel de la plaza. La exhibición fue parte de un programa de dos meses desarrollado por la Comisión de Relaciones Humanas llamado “África y América en Blanco y Negro”. En el otoño de ese mismo año, la Comisión de Relaciones Humanas organizó el “Festival de Artes Negras de Columbus”, que tuvo lugar durante seis semanas. Todos los eventos menos uno se llevaron a cabo en la Cleo Rogers Memorial Library.

Archival/Revival vuelve a visitar estas exposiciones inaugurales y transformadoras a través de una serie de “umbrales/momentos” atractivos, interactivos y programables que permiten a los visitantes explorar su importancia histórica para nuestras realidades presentes y futuras. La instalación es tanto escultórica, con elementos que representan figuras clave recuperadas del archivo, como virtual. Los documentos y las obras de arte de realidad aumentada (AR) se pueden ver a través de un teléfono móvil o una tableta.

Equipo: Sam Jacob Studio
Título: Alternative Instruments
Ubicación de la instalación: Washington Street

Alternative Instruments intenta responder a Columbus como un sitio, un lugar, una historia pero también una ficción. Reconoce los logros de la historia de Columbus de mediados del siglo XX, impulsados ​​por la creencia de J. Irwin Miller en la capacidad de la arquitectura y el diseño para mejorar la vida de sus ciudadanos. Su ambición recordó tanto el proyecto modernista europeo anterior como el impulso utópico de los primeros asentamientos europeos en América.
Sin embargo, la propia utopía está ligada al expansionismo y colonialismo europeos. El libro de Tomás Moro publicado en 1516, que acuñó el término “utopía”, fue diseñado como un diario de viaje. Su historia de una isla ficticia del Nuevo Mundo se inspiró en los relatos de los viajes europeos. El imaginario “buen lugar” de More y las ideas visionarias de la vida comunitaria que expresa están entrelazados con la historia del colonialismo.

Las propuestas de diseño de Washington Street responden a esta doble historia. Añaden una nueva capa de diseño cívico a la ciudad. Estos se forman combinando múltiples referencias: los mapas originales del libro de More, así como el alfabeto utópico que también contenía. Toma referencias de las señales típicas de las carreteras estadounidenses, así como de dispositivos de comunicación más antiguos, como veletas. Sus símbolos incluyen las cadenas de medición utilizadas por los británicos para reclamar territorio. En la calle se colgarán quilts (que recuerdan las tradiciones vernáculas de los Estados Unidos) con frases tomadas de la Utopía (y escritas en utópico). Familiar, optimista pero también explícitamente alienante. El simbolismo de los barcos de vela se combina con el estudio de Venturi y Scott Brown sobre Las Vegas. El neón y la hoja de oro se utilizan juntos, uniendo múltiples lenguajes de diseño cívico. Robert Indiana se traduce a utópico, Henry Moore se rehace como un cartel retroiluminado.

El proyecto tiene como objetivo hacer presente cómo se interconectan las historias del lugar. Su objetivo es reconocer cuán centrales son las narrativas para las formas en las que (y para quién) diseñamos. Utiliza el diseño para excavar y proponer nuevas narrativas que pueden ayudar a dar forma a cómo imaginamos el futuro.

Acerca de Exhibit Columbus

Exhibit Columbus es un programa de la Landmark Columbus Foundation y encarna su misión al ser un proponente comprometido a nivel local y global con la herencia del diseño de Columbus. A través de simposios, exposiciones, eventos públicos y visitas guiadas, publicaciones en línea e impresas y actividades educativas, Exhibit Columbus interpreta el legado de diseño de Columbus y atrae a un público diverso de miembros de la comunidad, estudiantes, profesionales y entusiastas.

Exhibit Columbus hace que el legado de diseño de Columbus sea relevante para las audiencias nuevas y existentes mediante la producción de proyectos y eventos que celebran e inspiran inversiones en arquitectura, arte y diseño.

Para obtener más información visite https://exhibitcolumbus.org/

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Durante febrero se inauguró la exhibición Espacios sin Drama o la Superficie es una Ilusión, pero también la Profundidad (Spaces without Drama or Surface is an Illusion, but so is Depth) en la Fundación Graham para los Estudio Avanzados en las Bellas Artes ubicada en Chicago. La exhibición, organizada por LIGA-DF y con la curaduría de Ruth Estévez, Directora y Curadora en la galería REDCAT en Los Ángeles, y Wonne Ickx, socio fundador de Productora, se inspira en la reciente proliferación del collage digital en la representación arquitectónica y presenta piezas elaboradas por arquitectos, artistas y dramaturgos en las cuales se exploran la superposición entre el collage gráfico y el escenario teatral. Aún más, examina las formas de utilizar las superficies bidimensionales para evocar ambientes arquitectónicos. La muestra incluye una generosa diversidad de piezas —un total de 21 autores— y se organiza a través de la Casa Madlener y sus tres niveles.

El listado de autores es una interesante combinación de distancias en tiempo, geografías y generaciones: Emilio Ambasz (Argentina), baukuh (Italia), Pablo Bronstein (Argentina/UK), Gerardo Caballero (Argentina), fala atelier (Portugal), Marcelo Ferraz (Brasil), David Hockney (UK/USA), Sam Jacob Studio (UK), William Leavitt (USA/LA), Johnston Marklee (USA/LA), Charles Moore (USA), Monadnock (Holanda), MOS Architects (USA/NY), Norman Kelley (Australia/USA), OFFICE KGDVS – Kersten Geers David Van Severen (Bélgica), Jorge Palinhos (Portugal), Pezo Von Ellrichshausen (Chile), Cecilia Puga (Chile), Aldo Rossi (Italia), TALLER|Mauricio Rocha + Gabriela Carrillo| (Mexico), Silke Otto-Knapp (Alemania/USA), Gabriel Sierra (Colombia) y Batia Suter (Suiza/Holanda).

La representación como tema de reflexión de esta exhibición es un provocación positiva y busca mirar a obras del pasado de importante influencia, presentar algunas técnicas y métodos relevantes más contemporáneos y, por qué no, también abrir a cuestionamiento y discusión —la revista Metropolis publicó recientemente sobre la representación arquitectónica en la era post-digital—, así como proponer y explorar nuevas formas de combinar lo análogo y lo digital.

La Casa Madlener es un espacio curioso para exhibiciones, con un partido arquitectónico residencial de tres niveles y un carácter íntimo y de secuencia de espacios que beneficia ampliamente a Espacios sin Drama, logrando una navegación y lectura muy estimulante. En ese sentido, Espacios sin Drama se percibe como una obra teatral en tres tiempos, uno por cada espacio-galería en un nivel diferente del edificio. Continuando con esta analogía del teatro, se suman las áreas del vestíbulo y las escaleras a manera de interludio o “viñetas”, utilizando un par de piezas que se distinguen del resto de la exhibición por su medio. Así, cada uno de los tres niveles de la casa organizan una combinación de los diferentes tipos de contenido bi y tridimensional: dibujo, pintura, fotografía, proyección, diorama, maqueta, objeto, instalación. La variedad de enfoques de las nuevas piezas creadas para esta exhibición resulta muy interesante: escenarios miniatura, comentarios sobre referencias históricas y piezas inspiradas en el tiempo para evocar el aspecto narrativo del teatro. La intención de Espacios sin Drama como exhibición se intensifica con el concepto de la doble lectura: la de la escenografía y el escenario.

Entre los protagonistas de referencias e inspiración histórica están los dibujos del Teatro del Mondo (1979) y la Citta Analogo (1973, 1980) de Aldo Rossi y las pinturas tridimensionales de escenografías para La Flauta Mágica (1977) de David Hockney —el contraste en su cromática y técnicas de representación en relación a la percepción de profundidad y secuencia sugiere una pauta para mirar y admirar el resto de las obras—. Como parte de los escenarios miniatura, explorando a través de la maqueta y la representación tridimensional de secuencia, superposición y yuxtaposición, destacan las piezas The False Flat (2017) de Monadnock, Chocolates (2017) de Taller Mauricio Rocha + Gabriela Carrillo, No More No Less (2017) de Pezo von Ellrichshausen y House No. 8, Image no.1 with Layers and Masks (2017) de MOS. Por el lado de representación espacial y de perspectiva sobresalen el libro A stanza (2017) de fala atelier, el objeto Drop-Leaf table in Oblique Elevation (2017) de Norman Kelley —inspirado en un espacio específico en la misma casa Madlener— y la perspectiva New National Center for Contemporary Art NCCA Moscú (2013) de OFFICE KGDVS. Finalmente, las piezas directamente relacionadas con la función o escenario teatral: el video corto Court Ballet (2017) de Pablo Bronstein, proyección del guión At Rise (2017) de Jorge Palinhos, y el conjunto de paneles Stage–after Kurt Schwitters (2017) de Silke Otto-Knapp.

Con la premisa de que “solamente la ficción del teatro nos permite entender la realidad” (Rafael Moneo), Espacios sin Drama ofrece un espacio y montaje que invita a la reflexión y crítica de nuestra actual cultura dominada por las herramientas digitales de representación y comunicación. Pero, sobre todo, es un amplio y generoso estímulo a la imaginación. Espacios sin Drama se encuentra en escena hasta el 1 de julio.

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