El objeto arquitectónico insinúa su presencia desde la calle. Se acomoda al sitio, busca el orden natural, como si perteneciera a él. Evita el destaque y busca el silencio.

La arquitectura debe ser un paseo. Para descubrirla, hay que recorrerla. En este recorrido se va develando la casa. El usuario se interesa en conocerla, nada es evidente. Tras un ascenso de aproximadamente 10 m de altura, la casa en planta baja se asienta y encaja en la parte media del terreno.

Los muros de hormigón contienen el corte en la tierra, liberando y abriendo espacios puntuales que se convierten en patios y jardines internos. Estos, además de enriquecer las circulaciones y espacios cotidianos, generan ventilación e iluminación a lo largo del día. En la planta alta, la vivienda se nivela con una cota superior del terreno, generando una conexión y aprovechamiento entre el área de dormitorios y el terreno posterior. El volumen dispuesto en barra y materializado en ladrillo, se esculpe para relacionarse con la cordillera. Esta morfología lograda, genera un juego en cubiertas que jerarquiza, ordena y define los espacios.

En la articulación de los planos inclinados, se generan aperturas que captan y dotan de iluminación natural al corredor con la suave luz de la mañana. La fachada poniente, se cierra al intenso sol de la tarde. Mediante pequeñas perforaciones, se genera una celosía por la que penetran los rayos de sol y se genera una luz tamizada que baña el interior. Logrando también una referencia de tiempo y espacio.

El cargo Casa Cangahua apareció primero en Arquine.

República Rosa es un Hotel Boutique ubicado en el casco colonial de la ciudad de Quito. Proyectado sobre una casa patio de estilo republicano, existe registro de que esta edificación data de 1890 cuando un ciudadano español compró la propiedad del estado ecuatoriano. A partir de entonces, esta casa atravesó un proceso de adaptación y transformación de varios usos, ampliaciones y modificaciones a lo largo de su historia.

El requerimiento del cliente fue crear un hotel de 11 habitaciones que rescate varios de los elementos de la arquitectura republicana del centro de Quito pero que de alguna manera sea “diferente” a los demás hoteles y tenga su propia identidad. Así fue como se proyectó un diseño que por un lado restaurara algunos elementos originales de la casa (Muros de adobe, cubiertas de teja y pisos de madera), también añadía otras piezas nuevas (Recubrimientos y pisos) y reinterpretaba otros, como su distintiva e inusual fachada interna que da al patio central.

A lo largo de su historia y transformaciones las paredes de la casa tenían varias capas de pintura, suciedad y estuco. Al empezar la restauración de la fachada interna, que sin duda es el elemento principal del proyecto, salieron a la luz todos los colores que fueron parte de su diseño interior. Entre ellos un tono salmón, el mismo que fue seleccionado como el color principal de la paleta de materiales.

En torno a la fachada interna está el patio central típico de esta época, el cual fue rescatado y diseñado para ser el espacio principal que acoja todas las actividades sociales del hotel. El mosaico instalado en el piso, le da un toque moderno y fresco. Los muros circundantes al patio fueron recubiertos con placas de yeso para dar cabida a todas las nuevas instalaciones sin afectar los muros de adobe portantes que también fueron restaurados para crear detalles vistos del material original. El resto de paredes y tumbados fueron pintados de color gris oscuro para crear un ambiente opaco que haga contrastar la fachada interna color salmón.

Por otro lado, las habitaciones tenían que responder a la necesitad actual de un hotel de ser flexible y poder transformar sus habitaciones según la demanda. Los espacios reducidos de esta arquitectura existente forzaron a que crear un mobiliario flexible diseñado a medida y fabricado por artesanos locales, que transforma en pocos minutos una habitación simple a una doble. Se rescató los pisos de madera originales, los muros de adobe además de implementar una iluminación que cree una atmosfera acogedora.

El cargo República Rosa apareció primero en Arquine.

La intervención fue realizada en un departamento moderno de los años 70, localizado en el Centro Histórico de Quito. Hace más de dos décadas el Centro Histórico se ha transformado en términos de habitación y lógicas de uso del espacio; inmerso en un proceso de desertificación residencial, que resulta en que varios predios construidos para vivienda se han convertido en bodegas y almacenes de comercio de todo tipo. En el Centro Histórico, con el pasar de los años ha relucido su vocación comercial, en desmérito de ser un lugar para vivienda y convivencia de la población quiteña.

El proyecto se desarrolla a partir de una investigación realizada con la familia (compuesta por una pareja, un hijo de 10 años y una perra de raza pequeña) que adquiere el inmueble. Se aplicó un conjunto de metodologías para comprender las necesidades y formas de habitar el espacio, avocando a la imaginación, la libertad de ocupar el espacio y las aspiraciones de lograr un hábitat amigable y cómodo para toda la familia. Algunos elementos que aparecieron en el proceso, se relacionaban con la importancia de generar espacios menos definidos, con formas de uso múltiples y subjetivos. También surgió la necesidad que el espacio social de la casa sea lo protagónico y que no existan divisiones muy fuertes entre lo social y lo privado. Ellos
buscaban un espacio más dinámico, que permita un constante redescubrimiento y apropiación del lugar. El hijo planteaba que quería sentirse parte de la casa en todo momento. También surgió la necesidad de una presencia fuerte de naturaleza en el interior.

Se identificaron tres elementos estructurantes para el desarrollo del proyecto: Luz: una entrada de aire luz en el interior del departamento. Materialidad y composición: la estructura de hormigón de una altura libre de 3 metros. Localización: un paisaje urbano muy seductor compuesto por una vista de la loma del panecillo, lugar icónico de la ciudad, enmarcado por fachadas republicanas. Estas condiciones, en conjunción con los resultados de la investigación, permitieron definir algunos objetivos que se buscaban
alcanzar con la intervención.

Primero, construir un exterior en el interior que permita introducir con mucha fuerza el elemento de la naturaleza, y generar una gran amplitud en el espacio social, aportando a que esta parte de la vivienda sea un corazón verde, mismo que pueda ser percibido y apreciado desde cualquier parte de la unidad. Para alcanzar esta misión, una de las primeras decisiones
que se tomaron fue demoler todas las paredes existentes, generando una nueva centralidad de luz.

La entrada de luz y aire, de 12 m2, se amplifico al no tener paredes y permitió introducir jardineras, en las que se sembraron enredaderas y plantas con hojas grandes; las paredes fueron reemplazadas por vanos de vidrio con accesos hacia el interior, reconfigurando el espacio y transformando algo que parecía un no-lugar en un patio verde, emisor de naturaleza y luminosidad.

Sin paredes, las columnas de la estructura de hormigón adquirieron una fuerte presencia, y promovieron a trabajar con este elemento como una unidad constitutiva del proyecto. El desafío fue ver como potenciar este elemento prexistente.  La solución se dio a partir de introducir una dimensión más poética a la manera de concebir el proyecto: se dejó de llamar columnas a las columnas para empezar a llamarlas troncos. Este gesto de metaforizar el espacio fue definitorio para todo el diseño y comprensión del proyecto, y así, surgió la idea de pensar que no estábamos en un espacio domesticado, como es un departamento con las características inicialmente descritas, para introducirnos en un mundo más salvaje y silvestre que es “un bosque”

Si las columnas eran árboles y el espacio un bosque, en este escenario solo podía aparecer otros árboles; algunos caídos, sobrepuestos, como suele suceder en la naturaleza. La sección de las columnas existentes de hormigón, era de 30 x 30 centímetros, con estas dimensiones se decidió generar nuevos elementos que las repliquen, y con ellos se generó una suerte de ejercicios lúdicos y experimentales. Se probaron muchas maneras de atravesar el espacio. Con estos nuevos troncos-vigas para jugar, el proceso de diseño se consolidó, se hicieron varias maquetas con diferentes posibilidades hasta encontrar una serie de relaciones que solucionen las necesidades de habitabilidad y por otro lado proponían una multiplicación de espacios en el interior. Al sobreponer “los troncos” se crearon nuevos niveles en el piso, teniendo alturas de 30 y 60 centímetros. Aconteció una topografía interior que se redibujaba constantemente.

La decisión fue lograr que estos elementos puedan dar solución a todas las necesidades del proyecto. Con las maquetas quedó claro el potencial que tenían para (re)definir el espacio y multiplicarlo, pero era necesario que este elemento se potencie en el uso cotidiano. Con estos troncos metálicos se logró desarrollar prácticamente todos los elementos del proyecto; los espacios de intimidad, como cuartos y baños, surgen de la sobre-posición de estos elementos que arman closets, y que funcionan al mismo tiempo como diferenciadores de espacio. No existen puertas, sino cortinas con imanes que cierran visualmente los espacios, invitando a nuevas lógicas del respeto y la intimidad entre los habitantes del bosque.

La brutalidad de los materiales presenta a la intervención en un estado de obra inconclusa o de ruina moderna, en tensión con pureza de las líneas y el acabado de los elementos de metal atravesando el espacio y, en conjunto con las plantas. Esta composición otorgó tanta fuerza a la interioridad del proyecto, que el hermoso paisaje urbano colonial que abraza la fachada, desde los grandes ventanales, se convertía en algo secundario por descubrir, y un nuevo momento en la experiencia de recorrer el departamento.

El proyecto “Un bosque”, es un mundo en constante descubrimiento. Las texturas, los niveles y los elementos, que flotan y atraviesan, invitan a reinventar las formas de uso y apropiación en el espacio. Las plantas no son decorativas, son habitantes de este lugar compartido y atemporal que propone una experiencia sensorial e imaginativa de vivir lo cotidiano.

El cargo Un bosque apareció primero en Arquine.

El movimiento de la fachada genera amplios balcones, que permite extender el espacio interior hacia el exterior. Permitiendo tener estrategias de sustentabilidad pasiva, como ventilación y luz natural. La volumetría del edificio permite diferentes tipologías de departamentos: suites, 2 dormitorios, 3 dormitorios y lofts. La terraza verde genera una relación visual con los árboles existentes del contexto, en el nivel de la calle, los cuales se mantuvieron. Además se crearon espacios de convivencia social en el interior del edificio, como el gimnasio, un salón comunal y áreas verdes en la terraza, para aprovechar las visuales del contexto.

En la planta baja se encuentran locales comerciales, los cuales funcionan con los espacios públicos exteriores, mediante escaleras y rampas, que se adaptan a la topografía y generan zonas de estancia para la ciudad. La acera se funde con los linderos del proyecto, conduciendo al usuario por recorridos verdes en donde la vegetación nueva y existente es parte de la experiencia sensorial.

El cargo Mare Nostrum apareció primero en Arquine.

El diseño de la casa nace de una búsqueda de la esencia de la propietaria, para ello se indago sobre muchos de los temas relacionados a ella. Se identificó en ella un espíritu lúdico e inocente, rasgos exploratorios, una persona sensorial, en busca de la sorpresa, de descubrir, valorando los procesos, interesada en las mutaciones y los cambios en el espacio. En este proceso se absorbieron los rasgos característicos del carácter de la propietaria y se trabajó mediante significados personales. Con motivo de la pasión de la propietaria por las ilustraciones se estableció involucrarnos en sus lógicas y realizar ilustraciones como metodología de diseño.

Después del entendimiento de esta constelación de ideas, de desarrollan espacios que permiten ser entendidos como atemporales, para que ella se sumerja en la lectura. Estos espacios intensifican la relación con la montaña, la vegetación baja, el cielo y con el Guirachuro -una especie de pájaro del lugar-.

Para la ubicación de la casa se realizó un evento con la propietaria en el que nos reunimos para presenciar el amanecer, además que buscamos un sitio en donde los árboles abracen y a su vez contengan la casa. La vivienda se adaptó y quedo emplazada entre múltiples árboles, no se retiró ninguno, de tal forma la casa queda inserta en el lugar como si siempre hubiese estado ahí, resaltando la ubicación de la flora, todos los árboles aledaños son parte de la casa.
La casa se orienta a la vista predominante para la contemplación de la montaña.

La casa se va descubriendo en la medida que se recorre. Desde la llegada hacia la casa, se buscó tener un volumen definido abstracto reconocible armado en estructura metálica de la que cuelgan las tejas recicladas y nuevas, las cuales conforman muros que permiten concentrar la vivencia hacia el interior.

Al entrar a la vivienda aparecen volúmenes y planos que intensifican la vivencia natural, estos volúmenes permiten conectarse en distintas alturas.
El cuerpo mayor cubre toda la casa, se configura como un impluvium con un pozo de luz en su lado inferior -en los equinoccios entrará la luz de manera vertical-. Al exterior se configura una terraza inclinada contenida por las tejas colgadas y el cielo, este espacio está destinado para lectura.

El segundo volumen es el que configura el dormitorio y en la parte superior un espacio de contemplación de la montaña.

El tercer volumen se conforma por planos que abrazan un árbol, todo su follaje está presente en el baño.

El cargo Casa de las Tejas Voladoras apareció primero en Arquine.

Habitar la hacienda donde creció, es lo que determina esta intervención. El cliente heredó un establo y escogió este espacio para convertirlo en su última vivienda. En la arquitectura para animales, no hay decoración. Las vacas no tienen caprichos estéticos. Sumado al abandono, el establo cumple con lo mínimo: no caerse. El bajo presupuesto y la urgencia de habitarlo son parte vital del proyecto. Utilizamos la vieja y conocida fórmula del que no tiene más remedio: trabajar con lo que hay a la mano.

El sentido común, no es tan común.

Las limitaciones obligan a ser rigurosos. Donde hay un problema aplicamos una solución: parchar. Si desarmar la estructura de cubierta, retocar las piezas que aún sirven, reemplazar lo que no está en buen estado y volver a armar, nos toma mucho tiempo, no lo hacemos. Añadimos a lo existente parches. Picar la pared para pasar las instalaciones eléctricas y de agua, colocar tuberías y sellar la pared, imposible: todo queda visto. La cubierta mal-cubre e impermeabilizar todo y volver a entejar, no. Donde hubo teja ahora hay una lámina asfáltica que se apoya en la subestructura original.

La cercanía de la tierra y la lluvia hacen que el espacio sea húmedo. Alejamos el agua de la casa con un ducto perimetral y prolongamos los aleros. La teja en mal estado se utiliza como grava en el ducto perimetral y la teja en buen estado se utiliza para los aleros.
El interior es obscuro. Hacer ventanas más grandes significa rehacer dinteles y desechar marcos y vidrios originales. Además el clima es frio, la casa está ubicada a 3300 metros sobre el nivel del mar. Si la cubierta resuelve calor y luz, matamos dos pájaros de un tiro: tragaluces.

Se necesita completar los límites de las habitaciones y los vanos principales. No podemos cargar más peso a las paredes originales: necesitamos un material ligero. Además debe ser lo más rápido y barata posible: duelas de madera. El cliente tiene embodegado piezas sanitarias y puertas, las re-utilizamos.

Listo, que bonito Frankenstein.

Mentir de verdad.

Los materiales necesitan protegerse del uso y del tiempo. En un inicio, nos vimos envueltos en la figura del buen arquitecto contemporáneo; cada material es lo que es, pero no teníamos tiempo, ni dinero. El esfuerzo que representa adecuar cada material con el único objetivo de deleitar la vista y así salvar un discurso estético, convierte al proyecto más en una escenografía que en una intervención elemental de reciclaje y rehabilitación. Crisis. De pronto mentir es la actitud más honesta: pintar todo.

Elegimos el color pensando en que estamos en el campo. Hicimos pruebas pisando las paredes para encontrar el color que camufle mejor el uso, hicimos un estudio de la cromática del polvo y de las manchas inevitables de humedad en zonas lluviosas. El resultado: color sucio.

La pintura funciona en todo menos en el piso. En el piso debía tener otras características: a más de sellar el material, debe resistir el uso que demanda su función. En conclusión: si era pintura, debía ser una mucho más cara; no aplica. La mejor opción, baldosas de cemento. Buen precio y resuelve todos los espacios de la casa: se ve bien cuando está limpio y se ve bien cuando está sucio.

El Fin.

Todo lo que nos preocupa en el interior, no es un problema en el exterior. Porque el polvo que se desprende de los materiales por el paso del tiempo o por el uso, afuera es irrelevante. Afuera el establo siempre fue habitable: afuera no hicimos nada.

El cargo Ladrillos, bloques y otros elementos abandonados y parches apareció primero en Arquine.

El Centro Cultural Teopanzolco, diseñado por Isaac Broid y PRODUCTORA, ha sido galardonado con el primer premio internacional de la categoría de Diseño Arquitectónico en la Bienal Panamericana de Arquitectura de Quito 2018.

El proyecto para el nuevo Centro Cultural está localizado en un predio frente a la zona arqueológica de Teopanzolco, situación que plantea dos estrategias fundamentales: por un lado potenciar la relación con el sitio arqueológico y por el otro generar espacio público significativo.

La premiación se realizó el día viernes 23 de noviembre en el Teatro Nacional de la Casa de la Cultura de Quito.

Arquine publicó recientemente un libro que narra el proyecto, no solo edificio, sino como proceso: explica las intenciones del concurso en el que resultó seleccionada la propuesta del equipo de Isaac Broid y PRODUCTORA.

Puedes adquirirlo aquí.

El cargo Centro Cultural Teopanzolco, primer premio internacional en Diseño Arquitectónico de la Bienal de Arquitectura de Quito 2018. apareció primero en Arquine.

Esta falta de resolución entre los diversos sistemas que configuran la forma urbis generó un paisaje de extensas superficies residuales, zonas urbanas fragmentadas y una extensa cantidad de tierra baldía. Como respuesta al paisaje de infraestructuras de post-guerra, la primera década del siglo 21 se ha destacado por tener una nueva actitud hacia la relación entre ciudad y movilidad. El enfoque ha sido hacia proyectos urbanísticos que al actualizar y re-escalar las infraestructuras de movilidad del siglo veinte han recuperado grandes zonas residuales al transformarlas en espacios de calidad para la ciudad. Proyectos como Madrid Río y el soterramiento de la autopista M30 en España o el Seattle Olympic Sculpture Park que conecta el frente de agua con un museo tejiendo un parque entre autopista y líneas de ferrocarril en Estados Unidos, han logrado sintetizar la relación entre infraestructura pesada y ciudad con proyectos urbanísticos que van mas allá del uso utilitario de estas infraestructuras.

En la primera década del siglo 21 la ciudad latinoamericana ha visto una nueva generación de proyectos asociados con la movilidad en ciudades como Curitiba y Medellín. Si bien estos ejemplos son importantes avances en los últimos años será de suma importancia ver cómo es que estas lecciones son implementadas en futuros proyectos urbanísticos. Un primer caso es el metro subterráneo para la ciudad de Quito, la capital de Ecuador cuenta con aproximadamente tres millones de habitantes y está asentada en un valle alto a lo largo de la cordillera de Los Andes. La introducción de una línea única de metro con 22 kilómetros de largo y 15 estaciones es una oportunidad de transformación para la ciudad, que servirá como el axis principal de transporte al conectarse con el sistema actual de autobús rápido y a las diversas líneas independientes de transporte. A la vez, tiene el potencial de convertirse en una espina dorsal que facilite una restructuración espacial de la ciudad por medio de una serie de intervenciones urbanísticas que hagan de esta nueva infraestructura un proyecto más complejo con equipamientos sociales, culturales y recreativos. Harvard Graduate School of Design realizó Quito: A Line in the Andes, un taller de investigación con el apoyo del metro de Quito llamado para develar posibles sinergias entre esta obra de ingeniería y nuevos proyectos urbanísticos que re articulan la ciudad para el siglo 21. El taller se enfocó en dos tipos de estrategias principales: una de carácter mas sistemático que incorpora una estrategia de espacio público; y otra enfocada a proyectos de intermodalidad. La primera enmarca la línea de metro con relación a espacios públicos existentes y áreas residuales dentro de la ciudad al introducir una serie de anillos peatonales con espacios colectivos que acomodan diversos servicios y equipamientos. La segunda propone centralidades que unen nuevos programas urbanos con desarrollo privado que permiten la creación de nuevos distritos integrados al sistema de transporte. Si la misión mas básica del metro es la de solucionar un gran déficit de transporte, el objetivo más importante del proyecto debe funcionar como punto de referencia subsecuente para los demás países latinoamericanos.

*Texto publicado en Arquine No. 61 | Espacio público, espacio activado | “Ciudad y movilidad en Latinoamérica”

El cargo Movilidad en Latinoamérica apareció primero en Arquine.