Kineki es un método de construcción y al mismo tiempo un estilo de vida que te conecta con la naturaleza. Toma elementos renovables y materiales sustentables de bajo impacto y los utiliza en un diseño con pocas piezas, para conformar un sistema modular – patentado – tipo lego. Ofrece diversas posibilidades, que permiten construir casi cualquier tipo de espacio, en menos tiempo que los sistemas de construcción tradicionales, con costos y tiempos precisos. 

El sistema constructivo está diseñado de forma sencilla y elegante, con módulos preestablecidos de cocinas, baños, recámaras o salas, entre otros, y con una variedad de configuraciones o acomodos que permiten hacer elecciones de acuerdo al presupuesto o necesidades de crecimiento. Cada módulo mide 3.6 metros de ancho, por 3.6 metros de largo, por 3.6 metros de altura, generando módulos interconectables que proporcionan múltiples alternativas para construir una casa, locales comerciales o pabellones, habitaciones de hotel, aulas de escuela, cabañas, muelles o terrazas (llamadas outdoors). 

Ésta es una arquitectura para compartir, ya que está desligada del credo de la exclusividad y procura adecuar modelos a variadas posibilidades. Kineki ha sido creado para conectar a un individuo con una comunidad; es un enlace de unas familias con otras. Aquí se acoplan humanos, animales, rocas, arena y plantas. En este lugar se generan los nexos de la tierra con árboles, agua, tonos verdes, fuego, los azules y negros del cielo que contrastan con las estrellas, el negro infinito y la estética preciosa de la madera al natural. Acá se valora el paso del tiempo como un lujo. Nada es permanente, nada se posterga y se agradece cada que la Tierra da un nuevo giro.

Kineki es un cambio de paradigmas, porque llega para proponer la apertura de ventanas donde hubo muros. Se postula como un movimiento contracultural, que aprovecha una inversión para convertirla en una receta que se adapta a cualquier ambiente, eludiendo lineamientos instituidos. Kineki es un sistema constructivo vivo y dinámico que honra la madera, el único material ecológico, sostenible, reusable y reciclable que almacena carbono en su fabricación y que permite fusionar la arquitectura con la naturaleza, dando lugar a una forma distinta de vivir, conectado a la naturaleza; a nuestros orígenes.

Estar en un hogar de Kineki es como vivir en una receta que evoluciona con quien lo habita. Se transforma para dar gusto, pero con simplicidad y funcionalidad.  

Prototipo Casa Pablo 

Construido en 6 meses, tiene un desplante de 200 m2 y consta de 28 módulos. 10 módulos fueron destinados a terrazas cubiertas, 7 para amenidades interiores, 4 a dormitorios, 3 de baños, 2 más para cocina y 2 módulos de circulaciones. Sumando 450 metros cuadrados de construcción.    

Prototipo Casa Julio

Tiene un desplante de 52 m2 y una selección de 8 módulos en dos niveles. En la panta baja se encuentra un módulo de cocina, uno de sala, uno de baño y uno de recámara. En la planta alta hay dos módulos de recámara, uno de baño y un módulo vacío que conforma la doble altura de la sala. Sumando 150 m2 de construcción.    

Prototipo Casa Japo

Casa de una sola planta con un desplante de 78 m2, con 6 módulos repartidos de la siguiente manera: 1 módulo destinado a recámara, otro a un estudio o recámara de visitas, uno de sala, uno de cocina con tapanco y dos módulos destinados a dos baños, que suman 140 m2 de construcción.

Prototipo Outdoors 

Es el nombre que se le dio a las terrazas que construimos inicialmente en el Restaurante Rosetta y en la Panadería que lleva el mismo nombre. Adecuamos y escalamos nuestra estructura de madera al tamaño de un auto. Dos módulos Kineki Outdoors ocupan de manera provisional un cajón de estacionamiento, para poder extender el área de mesas en tiempos de Covid. Cada terraza es fabricada en 7 días e instalada en unas horas. 

El cargo Kineki apareció primero en Arquine.

1. Una arquitectura multi-especie

Eva, Carlos, las perras malinois Bicho y Bomba, la lechuza Harris, cinco familias de vencejos, seis de cernícalos y veinte gorriones, son especies de compañía. Todas ellas conviven y aprenden juntas en este edificio a 30 kilómetros al oeste de Madrid. Ubicada entre campos de cultivo, en un entorno rural alterado en las últimas décadas por la urbanización y la agricultura intensiva con pesticidas, la escuela Educan ensaya cómo recuperar las condiciones ambientales de este ecosistema.

Su arquitectura es un diseño multiespecie. Mientras parejas de perros y humanos practican agility o IPO en las dos aulas principales, las aves anidan en las fachadas-nido de la planta superior, con las vistas y orientaciones idóneas para ellas. Las pequeñas rapaces se alimentan de roedores, manteniendo el equilibrio con cultivos y otras plantas; las aves menores y los murciélagos de campo, que también habitan en las letras de fachada sur, se alimentan de insectos, incluyendo los mosquitos que portan algunas enfermedades caninas, y forman parte de los ciclos de polinización de flores y plantas en los campos colindantes. A este ecosistema que se autorregula se han sumado de forma no planificada los gorriones, anidando en los agujeros circulares de las aristas de los contenedores.

Los no-humanos son el centro del diseño. Los suelos, habitualmente pensados para personas con zapatos, se adaptan a las almohadillas y articulaciones de las patas caninas —las aulas de entrenamiento se cubren con césped artificial con base elastómera, homologado para entrenamiento canino, en rollos de quita y pon; las aulas teóricas se revisten con hormigón árido visto de cantos rodados de río, semipulido—. La altura media de los ojos desciende de 160 a 50 cm. Los huecos interiores se elevan a alturas superiores a un metro para evitar distracciones perrunas; las persianas de lamas sombrean la fachada sur, dejando espacio suficiente bajo ellas para el tránsito de perros hacia el exterior, donde el agua de lluvia que cae sobre la cubierta se recoge en grandes bebederos para perros y aves. La palabra pasa a ser ladrido, y las superficies interiores se revisten de pirámides aislantes de alta absorción acústica para minimizar el eco, el ruido y la reverberación.

2. Crossovers materiales e innovación constructiva

Materias diversas se encuentran en este edificio, combinando diferentes técnicas constructivas, oficios y sistemas de producción: de la ecología material y la reducción de residuos en la reutilización de contenedores marítimos, a la adaptabilidad e inercia térmica del hormigón in situ —suave y ondulante encofrado con las propias chapas recuperadas de los recortes hechos para las nuevas cerchas— ; de la estandarización y optimización de los paneles industriales de chapa metálica a la precisión de las juntas de madera laminada cortada en CNC; de la estandarización industrial de ingredientes básicos como los contenedores 40’HC al trabajo de cerrajería artesanal que permite customizar encuentros, ensamblajes o nuevos elementos como patas de banco, lámparas o grandes correderas que abren y cierran espacios; de los sistemas de climatización por aire automatizados, a los elementos de control bioclimático manual como las contraventanas perforadas o las persianas enrollables; del peso material de cimentación y muro de hormigón a la ligereza del resto de elementos ensamblados en seco.

Educan es también es un experimento que muestra que las arquitecturas agrícolas, habitualmente consideradas menores por la propia disciplina, pueden ser también lugares de exploración e innovación arquitectónica.

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El premio Lafarge Holcim Awards en la categoría Next Generation reconoce cada tres años conceptos visionarios e ideas audaces creadas por estudiantes y jóvenes profesionales. En la región de Latinoamérica el jurado fue compuesto por Loreta Castro Reguera  directora de diseño y fundadora de Taller Capital (México), Sandra Barclay, Directora de Barclay & Crousse Architecture (Perú); Luis Callejas, cofundador de Luis Callejas y Charlotte Hansson Landscape & Architecture (Colombia); Fernando Diez, profesor de urbanismo, Universidad de Palermo (Argentina); Vanderley John, profesor de ingeniería de la construcción en la Universidad de São Paulo (Brasil); y Cecilia Puga, directora y fundadora de Cecilia Puga Architects (Chile). Adicionalmente el jurado se complementó con miembros del Comité Académico de la Fundación LafargeHolcim Marilyne Andersen, profesora de Tecnologías de Construcción Sostenible, y Harry Gugger, profesor de Arquitectura y Diseño Urbano, ambos Instituto Federal Suizo de Tecnología de Lausana (Suiza), junto con Edelio Bermejo , Jefe de Grupo de Investigación y Desarrollo, Centro de Innovación LafargeHolcim (Francia).

Los cuatro proyectos ganadores por orden de premiación son provenientes de Brasil, Argentina, México y Colombia.

La propuesta de Pablo Goldin forma parte de la tesis de licenciatura “La Merced: Ilusión, Fracaso y Redención” realizada en el seminario de titulación de la UNAM del Taller Max Cetto dirigida por Ada Avendaño Enciso, Israel Álvarez Matamoros y Hugo Vargas Rosales.

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El diseño del Colegio Reggio parte de la idea de que un adecuado entorno arquitectónico puede instigar en los niños el deseo por explorar y cuestionar la realidad que les rodea. Con esta intención, el proyecto funciona como un ecosistema complejo que hace posible que estudiantes de diferentes edades tomen decisiones sobre cómo quieren experimentar su vida cotidiana en el colegio. La arquitectura es de esta manera un actor fundamental que sigue la pedagogía que Loris Malaguzzi y los padres de la ciudad italiana de Reggionell’Emilia desarrollaron con el objetivo de empoderar la capacidad de niños y adolescentes para manejarse ante cambios y oportunidades inesperados.

Huyendo de los largos pasillos, de la regularidad y de los estándares unificados, la arquitectura del colegio funcionar como un multiverso, en el que las diferentes realidades que conectan al colegio con territorios sociales, culturales y medioambientales extensos ganan legibilidad y puede ser sentidas y experimentadas. Formalmente el proyecto esta constituido como un ensamblaje de diferentes climas, situaciones y regulaciones. En su desarrollo vertical se apilan: una planta baja, en continuidad con el terreno, en la que se sitúan las aulas de los alumnos más pequeños; una segunda planta en la que los estudiantes de los niveles intermedios coexisten con los tanques de agua de lluvia y compostaje de los que depende la vida de un bosque interior, que asciende a los pisos superiores, bajo la cubierta de un invernadero. Las aulas de los estudiantes más mayores se organizan alrededor de este bosque interior, como si se tratase de un pequeño pueblo; un prototipo de un espacio público que instala al colegio en las tradiciones del escenario de la sociedad civil. Esta distribución vertical, pretende promover un proceso de maduración paulatino, que se traduce en un gradiente de oportunidades para que los estudiantes exploren el ecosistema del colegio por si mismos.

La parte central del segundo piso, elevado cuatro metros sobre el nivel del terreno y situado bajo los depósitos de tierra en que crece el bosque interior, actúa como un espacio de encuentro. Un puente en rampa, que da continuidad al camino peatonal de acceso al recinto del colegio, permite acceder directamente a este nivel. Con mas de ocho metros de altura libre y 460 m2 de planta, este espacio está pensado como un ágora cosmopolítica, en el que vegetación, agua, tierra y máquinas albergan un espacio polivalente. Al mismo tiempo gimnasio, taller de arte, teatro, salón de bailes y asamblea.

Elementos tan cargados de contenido político como las instalaciones de agua, energía y residuos o el almacenamiento, toman protagonismo en este ágora, como sistemas integrados en las localizaciones mas visibles del edificio. De esta manera quedan integrados en el discurso espacial y en la estructura estética del edificio, como una oportunidad para que el proceso de aprendizaje se beneficie de la posibilidad de instalar estos elementos en las discusiones cotidianas de alumnos, profesores y tutores o familiares.

Andrés Jaque / Office for Political Innovation (OFFPOLINN) es una oficina internacional de arquitectura con sedes en Nueva York y Madrid; que, desde un paradigma medioambiental, trabaja en la intersección de diseño, investigación y prácticas críticas. La oficina desarrolla proyectos transmediáticos e interescalares con el objetivo de incrementar la inclusividad del entorno construido. Han recibido el Frederick Kiesler Prize, el más importante galardón que premia las trayectorias en los límites entre arquitectura y arte; el León de Plata al Mejor Proyecto de la 14 Bienal de Venecia y el Premio Dionisio Hernández Gil a la intervención sobre el patrimonio histórico.

Su trabajo forma parte de las colecciones del MoMA de Nueva York o del Instituto de Arte de Chicago, entre otros.
Andrés Jaque es el Director del Programa de Arquitectura Avanzada de la Universidad de Columbia, Nueva York, y ha sido previamente Profesor Invitado de la Universidad de Princeton y de Cooper Union.

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Juan Herreros: El diálogo al que yo normalmente me refiero cuando utilizo el concepto Dialogalogue Architecture o “arquitectura del diálogo” es entendido como un instrumento de proyecto en el cual el método de trabajo esta basado en la confrontación de tus ideas con las ideas de otras personas que te rodean físicas, en forma de conversación, de libros, textos o informaciones diversas que te llegan. Por supuesto hay otro diálogo que se manifiesta a través de la posición crítica o, digamos, de esa lucha contra la  indiferencia de la cual yo también hablo mucho especialmente a los alumnos, intentando que tengan una conciencia, una opinión fundada sobre las cosas, que intenta participar en una gran conversación alrededor del presente y de qué cosas son realmente las que nos interesan, cuáles nos producen algún tipo de beneficio o cuáles más vale que las apartemos porque no nos crean más que gasto y problemas. Y habría un tercer diálogo que es la forma en la que la propia arquitectura dialoga con la ciudad, con el mundo, que yo creo que es importante cuando proyectamos o cuando diseñamos arquitectura, entender que no son productos aislados terminados, mas o menos autistas, sino que automáticamente se incorporan a un paisaje en el que todo lo que lo constituye dialoga.

En definitiva esto da tres escalas a la obra de arquitectura o a cada proyecto que se realiza. Una es la escala del encargo, es decir hacer lo mejor posible el trabajo que tienes que hacer para alguien; la siguiente es la escala de ese trabajo en tu obra personal, que papel juega eso en tu discurso, que utilización vas a hacer de esa oportunidad para elaborar, rechazar, forzar, cambiar o poner en crisis alguna cosa que creías; y en tercer lugar como es que tú trabajando aunque no seas necesariamente una persona mediática ni tus proyectos se publiquen por ahí digamos, como es que tú te sientes formando parte del mundo que tú tienes información y al que tú de cierto modo emites información.

MB: Has hablado de los museos, que ya no sólo cumplen esa acción de presentar arte, sino que en ellos hay una serie de intercambios que son educativos, económicos, etc. ¿Cómo lo harías esos diálogos ahí?

JH: Mi obsesión por esta cuestión del diálogo viene al comprobar que la práctica de la arquitectura se ha vuelto una actividad tremendamente compleja en la que intervienen muchos agentes, muchas limitaciones, muchas normas, muchas personas, muchos conocimientos que son imposibles de retener por uno mismo. Por eso hay que abrir la mesa de juego a todos estas personas.

Posiblemente los museos hoy en día  sean un territorio para esta conversación extraordinariamente importante por dos razones, la primera por que la propia idea del museo esta en crisis, posiblemente ahora estamos construyendo o estamos asistiendo la construcción de los últimos museos del siglo XX y estamos, yo creo, muchas personas implicadas o interesadas en dar una nueva formulación o un nuevo paradigma a la idea de museo. En segundo lugar porque los museos antes mostraron una tremenda capacidad cohesiva digamos de muy diferentes grupos sociales, de edades, horarios y de diferentes acontecimientos. Y que por lo tanto es como si los museos atesoraran una tremenda energía por desarrollar, un tremendo potencial o capacidad de desarrollo, yo creo que esta cuestión de algo que está en crisis pero que resulta que al mismo tiempo está lleno de potencial es lo que hace que todas estas nuevas aventuras con los museos. Por ejemplo ahora el concurso del Guggenheim de Helsinki que tiene cientos y cientos de inscripciones de personas que han querido responder a la pregunta de ¿cómo tiene que ser el museo del siglo XXI? Convocado por Guggenheim, lo cual significa que alguien que ha levantado y construido uno de los museos mas significativos del siglo XX es precisamente quien esta dispuesto a hacerse la pregunta por el museo del siglo XXI.

Entonces claro, esos museos son realmente un lugar de encuentro, de descubrimiento, descubrimiento del uno y del otro, donde el arte es el gran pretexto, el gran argumento, el gran eje, pero que todos sabemos que esas componentes pedagógicas, económicas, sociales, culturales, sociales que atesoran los museos hoy en día, es lo que realmente no sólo lo hace útil para la ciudad sino que le da también al arte una nueva carta de naturaleza, porque en cierto modo el arte también estaba agotado hace apenas un rato. Y quizá añadido a esas nuevas ecuaciones ha adquirido un nuevo estatus en nuestra sociedad.

MB: Sabemos que vas a realizar una exposición en el Franz Meyer. Quisiéramos que nos contaras sobre qué estás desarrollando.

JH: Lo del Franz Meyer es una instalación de tres temas de trabajo que nosotros hemos elaborado durante muchos años, que son un poco los tres pilares sobre los que se asienta nuestra práctica. Primero está la idea de la colaboración y del equipo; el segundo es la idea de programa o la separación entre el concepto de tipología y programa; y por último es el discurso técnico sobre la construcción como medio de anclar lo que hacemos al tiempo presente.

Vamos a presentar unos proyectos de los cuales sólo se enseñan estas tres cosas: una forma y un programa, el equipo de trabajo y un gran detalle constructivo. El mensaje que lanza esta exposición es que estas formas en realidad son ideas de arquitectura, tú puedes tener una idea de arquitectura, si la quieres desarrollar tienes que llamar a muchas gente para formar a un equipo de expertos y luego con todo eso se producirá un proyecto de arquitectura. Los dibujos de los detalles constructivos son reconocidos como lo más arquitectónico, como el producto más refinado del arquitecto son sus detalles constructivos, cuando en realidad es la acumulación de los conocimientos que el arquitecto no tiene. Es decir el detalle constructivo lo hacemos en nuestros estudio,s pero lo hacemos con el calculista de estructuras, el técnico de aire acondicionado, el abogado que nos ha dicho que no nos pasemos de esta línea, el economista que nos ha contado que nos hemos pasado de precio, etc. Luego todos esos conocimientos han sido recodificados convertidos en construcción.

Esa es un poco mi definición de proyecto, es decir “proyecto” es el proceso de síntesis que entre una cantidad enorme de información y una cantidad enorme de personas consiguen transformar toda aquella complejidad en algo lo suficientemente simple y elemental como para ser leído con facilidad. Todo el mundo tiene la misma información, todo el mundo puede trabajar con los mismos expertos, todo mundo puede llamar al mismo Ove Arup para que le resuelva sus problemas, pero claramente la utilización o la selección que cada arquitecto hace de toda esa información es diferente. Por eso a unos nos gustan y otros parece que no han acertado.

MB: ¿Así tendría que ser el arquitecto del siglo XXI?

JH: Yo creo que sí, creo que la práctica de la arquitectura que viene es una práctica muy diversa o muy especializada lo cual no es muy divertido. Entonces tendría que ser diversa, abierta, muy mestiza, capaz de incorporar informaciones de muy distintas procedencias y muchas veces incidirá el arquitecto de manera puntual o pasajera, digamos tangencial.  Diríamos que, por fin, el arquitecto se relacionará con su trabajo y con sus obras de una forma menos heroica, menos enérgica, en el sentido de luchar contra un fantasma enorme que aun no sabemos cuál es, y un poco más relajada y más dispuesta a cambiar de opinión.

El cargo La práctica arquitectónica. Conversación con Juan Herreros apareció primero en Arquine.

El proyecto es una pirámide invertida que excava a través de los estratos de las ciudades antecesoras. El Rascasuelos es la antítesis del rascacielos con un vacío central que a la vez permite luz natural y ventilación de los espacios enterrados.

De esta forma, las pirámide está formada por distintas capas de periodos históricos y un desarrollo programático de espacios que se despliega de forma vertical, hacia abajo. Los primeros diez niveles están destinados a un museo de sitio con vestigios arqueológicos; los siguientes diez son para comercio; diez más para vivienda; y 35 más para oficinas al fondo.

La intención de este proyecto de investigación es generar un diálogo y un ejercicio de reflexión más allá de buscar su realización; una contradicción de términos que genera una nueva solución a una problemática antigua.

El cargo Rascasuelos de la ciudad apareció primero en Arquine.