El objetivo es ofrecer conocimientos especializados a personas de todo el continente, laboralmente activas. Es por esto que las clases se imparten cada quince días (vía Zoom), los viernes por la tarde (16:00h a 21:00h) y los sábados en la mañana (9:00h a 15:00h) en horario de la Ciudad de México.

Titulación | El título del posgrado es emitido por la Universidad Politécnica de Cataluña.

Metodología | Semipresencial (14 sesiones en línea y 3 sesiones presenciales)

Duración | 9 meses

Fechas | Del 21 enero al 10 de septiembre de 2022

Costo con beca | $ 45,000.00MXN

Convocatoria

Fechas para solicitar la Media Beca Lutron

Plazo de la convocatoria: del 6 al 12 de enero (ambos incluidos).

Requisitos para inscribirse al programa

(para recibir el título de Posgrado emitido por la Universidad Politécnica de Cataluña)

• Contar con un título de licenciatura
• Los postulantes a la Media Beca Lutron confirman que tienen la capacidad económica de, en caso de ganar, poder cubrir los gastos de la otra mitad del programa.

Pasos a seguir para solicitar la beca

1. Publica una fotografía o video en Instagram, post o historia, que muestre una experiencia que hayas vivido, en la que la arquitectura, la luz y el color sean parte de un todo.
2. Sigue a @lutronlatinoamerica
3. Responde a la siguiente pregunta: ¿Cómo dirías que la luz interfiere en el bienestar de las personas?
4. Etiqueta a: @lutronlatinoamerica y @_arquine
5. Haz una captura de pantalla de tu post o historia y envíala a posgrado@arquine.com. En el correo, comparte esta información:
6. Nombre completo
7. Teléfono celular
8. Ciudad y País de residencia
9. Títulos (de grado, posgrado, etc e institución donde fue obtenido)
10. Fecha de nacimiento
11. Breve semblanza profesional

Modalidad de selección

El comité seleccionador (un miembro de Lutron y uno de Arquine) eligirá a 5 finalistas que pasarán a una última fase de la convocatoria con una entrevista personal con el equipo de Lutron y Arquine.

– Se tendrán en cuenta los siguientes criterios:

1. La exactitud en la respuesta
2. El contenido
3. Buena redacción y la ortografía.
4. La originalidad de las respuestas.

– Sobre las fotografías publicadas:

1. Que no tengan filtros.
2. No pueden contener material que viole o infrinja los derechos de terceras personas, incluyendo, pero no limitado a derechos de privacidad, y/o derechos de propiedad intelectual.
3. No pueden contener logos o nombres de marcas.
4. No pueden contener materiales que sean inmorales o inadecuados.
5. Deberán ser resultado de un trabajo original.

Las consultas relacionadas con la beca se responderán por correo electrónico exclusivamente en posgrado@arquine.com

Sobre el Posgrado Lighting Design

El posgrado Lighting Design, ha sido configurado para atender la demanda del diseño de la iluminación en un proyecto.

• Módulo 1. Conceptual
  • Objeto lumínico para un contexto determinado.
• Módulo 2. Diseño de iluminación en el espacio interior
• Módulo 3. Diseño de iluminación en espacios urbanos

La metodología incluye la combinación de teoría y práctica, con talleres, seminarios y ejercicios. Se fomenta el trabajo individual y en grupo, favoreciendo el networking entre profesores y entre los mismos alumnos.

Profesores o invitados

Promovemos el intercambio de experiencias entre los alumnos y los profesores mediante debates en clase, ejercicios y casos prácticos, conferencias y un programa dirigido a profesionales interesados en desarrollar sus conocimientos en el campo.

En las ediciones anteriores tuvimos pláticas y clases de los siguientes expertos en el sector:

Maria Güell | Lighting Designer (La Invisible)

Jose Cardona | Lighting Designer (Artec3 Studio México)

Maurici Ginés | Lighting Designer (Artec3 Studio)

Josep Bohigas | Arquitecto (Director de Barcelona Regional)

Luis Juan Barreiro y Diana Solís | Socios fundadores de Iluminet

Esther Torelló | Directora y editora de Lightecture

Miquel Adrià | Arquitecto

Héctor López | Arquitecto

Susana Josa | Vice-presidenta Internacional de ventas de Lutron Electronics

Cecilia Ramos | Arquitecta y Lighting Designer (Lutron)

Carlos Vázquez | Arquitecto y Lighting Designer + Control (Lutron)

David Pagan | Arquitecto

Víctor Palacio | Lighting Designer (Ideas En Luz)

Jesús González | Lighting Designer (e1d Design Light Studio)

Gustavo Avilés  | Arquitecto

Gustavo  Villanueva | Lighting Designer (Italli)

Juan Pablo Ruiz Velasco (Italli)

Rebeca Sánchez Pastor | Lighting Designer (Ledscontrol)

Mariel Fuentes | Lighting Designer

Lara Elbaez | Lighting Designer

Ivan Valero | Arquitecto

Entre otros.

El cargo Media Beca LUTRON para el Posgrado Lighting Design 2022 apareció primero en Arquine.

Arquine convocó a la presentación de solicitudes para la concesión de una beca del 50%, que ofrece Lutron, para realizar el Posgrado Lighting Design que imparte Arquine junto a la Universidad Politécnica de Cataluña.

Se recibieron 28 solicitudes de arquitectos y diseñadores de varios países de América Latina (México, Chile, Colombia, Costa Rica y Venezuela) que siguieron todos los pasos descritos en la convocatoria para la Media Beca Lutron.

De todas las aplicaciones revisadas, el comité seleccionador eligió a cinco finalistas que fueron entrevistados individualmente.

Ana Martínez

Carlos Alberto Navarro

Celina Martínez

Juan Correa

Salvador Hidalgo

La entrevista personal era la última fase de esta convocatoria que permitía conocer mejor a los candidatos. Tras una deliberación reñida, Lutron y Arquine seleccionaron a Juan Correa como el ganador de la Media Beca Lutron para el Posgrado Lighting Design.

El cargo Resultados de la Media Beca LUTRON para el Posgrado Lighting Design apareció primero en Arquine.

La revista de iluminación arquitectónica, Lightecture , otorga por segundo año consecutivo una beca para participar en el workshop Lights in Alingsås, en Suecia.

El ganador de esta beca será el estudiante con mejor promedio de la séptima edición del Posgrado Lighting Design, que empieza el próximo viernes 17 de enero en Arquine.

Normalmente, en los festivales de luz, se contratan a grandes artistas internacionales para usar piezas previamente diseñadas, en cambio en Alingsås, lo único que está previamente establecido es el tema y el recorrido donde se ubicarán las instalaciones. Esto convierte a Lights in Alingsås en un festival diferente es que las piezas lumínicas que ocuparan las calles de la ciudad, se conciben por los lighting designer y estudiantes que participan en el workshop. Durante una semana trabajarán de la mano para proponer las instalaciones que se podrán visitar del 25 de septiembre al 1º de noviembre.

El año pasado, Andrus Marin, ex alumno de nuestro programa académico fue el afortunado en ganar la beca de Lightecture, y estos son sus comentarios sobre la experiencia:

Fue la semana más intensa de mi vida. Sabía que me gustaba la luz, pero no era consciente que me gusta tanto.

La experiencia dura una semana completa, de sábado a sábado. El primer día los participantes se dividieron en siete grupos que seleccionaron según sus intereses y afinidades. Cada equipo lo lideraba un Lighting Designer internacional quien presentaba la idea general que quería desarrollar y el espacio en el que se llevaría a cabo la instalación.

El tema que todos los equipos tenían que desarrollar era Be the light. A cada grupo se les asignaban unas oficinas en las que durante tres días tenían que conceptualizar una propuesta y presentarla al comité organizativo del Festival.

Una vez aprobado el proyecto, tenían otros cuatro días para instalar, montar y programar las luminarias en el espacio que tenían reservado.

Trabajas de día y de noche. Acabas molido, pero estás tan motivado y emocionado por lo que haces, que no te importa el cansancio.

En el caso del equipo de Andrus, tenían una arboleda para hacer su instalación. Era un espacio en el que buscaron primero la oscuridad absoluta y así poder desarrollar su propuesta lumínica, en la que, para ser la luz tenías que sentirte parte de la luz. En este bosque en penumbra, un camino de luz te llamaba para llevarte a un centro iluminado que a cada espectador lo envolvía de una manera subjetiva, convirtiéndolo en un lugar único.

Los nueve meses del posgrado te enseñan a diseñar a partir de la luz, y todos los proyectos están muy ligados con la realidad de un Lighting Designer pero, además, culminar con el workshop de Alingsås es como hacer una tesis extra; todo lo aprendido lo pones en práctica.

El cargo Lights in Alingsås | Beca de Lightecture apareció primero en Arquine.

Extracto de la mesa de diálogo entre Víctor Alcérreca, Isabel Martínez Abascal, Alberto Odériz y Paco Pérez Valencia.

VÍCTOR ALCÉRRECA [VA]: Estamos aquí entre gente que se dedica o a producir arquitectura efímera, a enseñar y dialogar con otros sobre ella y yo lo que quería abordar como introducción, saltándonos las presentaciones es cuestionar este título con el que nos invitaron, el límite. Estamos muy dados a ponerle límites a las cosas para tratar de definirlas. Y justo en este tema de la Arquitectura Efímera, estamos en un territorio que es más bien como un híbrido, indeterminado, un límite muy flexible entre arte, arquitectura, Instagram, mercadotecnia, mensaje que, creo que lo hace especialmente rico, especialmente emocionante.

¿Ustedes podrían confirmar que no estamos frente a algo que todavía podamos ponerle un límite y que si en eso encuentran alguna riqueza?

PACO PÉREZ VALENCIA [PPV]: Yo no soy arquitecto. Soy artista, y llevo muchos años de mi carrera profesional trabajando con y para arquitectos. Pero el territorio de lo efímero es algo que se me desdibuja considerablemente, creo que los verdaderos límites nos lo autoimponemos nosotros. Creo que el arquitecto, el creador, cuando crea no piensa en eso límites, esos límites los imponen otros, son criterios que llegan a lo mejor desde fuera.

El creador cuando mira solamente por sus entrañas, por su corazón, por su alma, no está atendiendo al rigor del poder, a lo que se espera de él, al resultado de su trabajo. Hace lo que el placer le demanda. Y creo que muchas veces nos faltan palabras, términos para saber un poco dónde y cómo es el escenario por el cual transitar. Desde mi punto de vista, el placer de crear es mucho más amplio y a veces tenemos un temor tremendo a sentir ese súper poder, de flanquearlo y llegar mucho más lejos. Los límites realmente están en los extremos del mundo, los límites están en tener el miedo a mirar a las estrellas y no tener el ansia y el alma de un moribundo para alcanzarla. Creo que muchas veces se nos escapa ese placer, creo que lo efímero está en nosotros.

ISABEL MARTÍNEZ ABASCAL [IMA]: Voy a retomar el miedo a mirar las estrellas. Estaba leyendo que cuando por fin se consigue fotografiar la Galaxia de Andrómeda a principios de siglo XX se define en la prensa como una masa de gas, no como una galaxia. En esa época, aceptar que había otra galaxia era casi una herejía porque significaba que el universo se extendía más allá del límite de lo que nos rodeaba a nosotros. Así que durante unos seis o siete años esa galaxia quedó menospreciada a nube de polvo y hasta que llegó Hubble, basándose en las observaciones de una astrónoma para decir: sí, realmente hay galaxias afuera de la nuestra y hay muchas. No tenemos certeza de lo que estamos mirando, pero es esa curiosidad de descubrir la que nos mueve.

ALBERTO ODÉRIZ [AO]: Intuía que la conversación podía ir sobre la transdisciplina, la ruptura de los límites. Justo reflexionando sobre el mismo concepto de arquitectura efímera creo que lo efímero define una temporalidad, algo que es un fragmento muy corto en el tiempo. Una de las características de la arquitectura es que la temporalidad no la define, puede existir arquitectura de cinco minutos o arquitectura de dos mil años. Hay arquitecturas que se consideran efímeras, que no son arquitecturas; porque la arquitectura como disciplina, tiene unos límites. ¿Dónde empieza una disciplina y acaba otra? Ninguna de esas variantes la está delimitando el tiempo.

VA ¿Intentar de definir la arquitectura? Parece que siempre tenemos esta ansiedad o casi neurosis de tratar de poner límite a lo que hacemos y de repente tenemos estas otras nebulosas mucho más definidas, mucho más emocionantes porque ni siquiera nos tenemos que preguntar exactamente dónde acaba, ¿No? y abre posibilidades mucho más emocionantes que a veces acaban alimentando a la galaxia que si conocemos, en este caso la galaxia de la arquitectura.

¿Cómo le ponemos rigor desde la crítica, desde la academia? Estamos frente a gente que trata de convocar a otros a que aprendan esto y supongo que en ese trabajo de convocar a otros debe haber un ejercicio de rigor, ¿Dónde está ese rigor, o dónde se encuentra ese rigor en algo que es todavía una galaxia tan joven y tan nebulosa? ¿Dónde lo ponen ustedes cuando lo diseñan, cuándo lo transmiten?, y también a los que les toca hacer crítica sobre esto. ¿Dónde podrían poner ese acento para decirse algo? ¿Está haciendo crecer o no el estado del arte en este tema?

PPV Llevo muchos años como profesional trabajando en el ámbito de la arquitectura no siendo arquitecto y como artista no he sentido nunca ese temor a las lindes, a los límites desconocidos, no he tenido la tentación de llegar a responder a esas preguntas de dónde acaba la arquitectura para nacer el arte o dónde nace una disciplina para que acabe la otra. Es un mundo más volátil y más congraciado, desde la misma disciplina de la vida. Si es cierto que el estudiante que nace desde una vocación, tiene que ir recibiendo: material, instrumental, tiene que saber cuáles son sus referentes, se tiene que dar a nuevos campos tecnológicos y de nuevo conocimiento, pero la gran pregunta que me hago es ¿Para qué sirve todo eso? Como persona vinculada al mundo de la comunicación llego a plantearme que el talento está muy bien si tienes sentido y vocación de vida. ¿Para qué sirve todo lo que estamos aprendiendo?

El hombre construye porque necesita crear un marco esencial para vivir, para hacerlo todo mucho más sereno, bello y posible. Para eso necesita muchas disciplinas, necesita abrir el campo a todos los territorios. La arquitectura debe mirar hacia adentro y mucho más lejos de lo que ha estado mirando hacia fuera. Tiene que mirar hacia lo humano, tiene que ser una disciplina absoluta y rigurosamente humanista, tiene que mirar hacia las personas, tiene que mirar hacia el talento expresivo, tiene que saber dibujar el mundo. Las piedras que ha colocado el hombre son efímeras, pero las piedras que ha colocado el mundo y la naturaleza siguen esculpiéndose por el viento. Creo que hay que ser humilde para mirar esa naturaleza y estar en sintonía con lo que está sucediendo. Debemos aprender a mirar con la transversalidad a muchos territorios, muchas disciplinas.

IMA Bien, justo creo que los que estamos hoy aquí de este lado, ninguno de nosotros estudio arquitectura efímera, quizá por eso no nos hemos preguntado tanto ¿qué es? Ahí viene la pregunta del rigor, ¿no? ¿Cómo hacer con rigor algo que no sabe lo que es? Bueno lo efímero obviamente es algo inalienable a la humanidad, pero todos somos conscientes de cómo nuestro tiempo se acelera en esta era cada vez más líquida, diría Zygmunt Bauman. Y lo efímero se vuelve una constante para bien y para mal, desde la idea de una ansiedad, una necesidad por estar siempre cambiando y consumiendo. Hablando desde un punto de vista más concreto, para los arquitectos jóvenes, lo efímero es una posibilidad de experimentar y ensayar sin, justamente, una mala interpretación del rigor de la arquitectura, sin que los otros sientan que estás haciendo algo tan riguroso, que no puede haber espacio para la equivocación. Efímero es toda la arquitectura porque toda es temporal y ya sea que dure cien, mil, cien mil años, esta evocada a deshacerse.

Pienso que en Europa y en Occidente por extensión, tenemos un entendimiento de la arquitectura como algo que debe permanecer original, la piedra que se puso en este templo romano, en tal fecha es la que tiene que estar ahí y si se va a reconstruir con otra piedra, la piedra debe notarse y saberse que es nueva. En Oriente es diferente, cada cinco o seis años repintan la Ciudad Prohibida en Beijín y les parece muy bien, les parece que tiene miles de años, solo que la pintan, porque se despinta. En realidad, lo que estamos discutiendo es un tema nominal.

AO Es la dificultad de acotar algo como la arquitectura efímera. Yo suelo usar, hablando del rigor, una especie de tabla comparativa de disciplinas que tienen que ver con la responsabilidad social que tienen esas disciplinas. Mi tiempo lo dedico casi a partes iguales al urbanismo y por otro lado al arte. Comparo la responsabilidad social que tienen una u otra con respecto a lo que hacen. En el urbanismo, la responsabilidad social es enorme. Cuando uno está diseñando una normativa urbana, una planeación, un sistema de movilidad, si lo hace mal, tendrá un impacto directo en la sociedad. En el otro extremo de lo que yo hago está el arte, que es absolutamente irresponsable: agarro una piedra, la tiro contra el muro, la firmo; y eso puede gustar o no, aceptarse como arte o no, pero no tiene un impacto sobre las cosas necesarias de la sociedad.

Hay otras disciplinas; entre ellas está la arquitectura que creo que está más cerca del urbanismo que del arte, pero tiene ciertas patitas. Cualquier arquitecto se permite trabajar con las formas y hay mucha creatividad y juego, en que las fronteras a veces hacen que se diluya la responsabilidad que tenemos. En el caso de la arquitectura efímera es más notorio porque normalmente esta no trabaja con un programa ni con una función social, y es ahí cuando a veces es arquitectura y otras veces es arte.

Cuando le encargas un proyecto de arquitectura efímera a un arquitecto, en seguida busca tener una cierta responsabilidad social: hacer una sombra, conectar dos espacios, solucionar una mala entrada…siempre tiende a resolver un problema. En cambio, cuando un artista hace una arquitectura efímera quiere transformar el espacio sin modificar las condiciones de la sociedad. Aquí podía verse el rigor o la manera de poder juzgar si estamos ante una arquitectura o una instalación artística, que juega con el significado de las cosas.

PPV El arte, cuando no se siente obligado, se convierte en un caballo salvaje. No debe deudas a nadie ni a nada, pero es maravilloso cuando ese caballo salvaje se puede unir a un grupo de otros caballos que saben transitar por la pradera. Creo que cuando el criterio salvaje del creador se puede juntar con la disciplina rigurosa surgen combinaciones extraordinarias. Combinaciones que todavía no tenemos ni la idea del alcance porque todavía no lo hemos puesto en calidad de experimentación. Es el miedo el que nos frena. Miedo a escuchar ese corazón salvaje. ¿Hasta dónde puede llegar este talento? El campo de la arquitectura efímera está todavía por amplificarse, por decir aquí estoy. Está todavía por hacerse. Las grandes preguntas de la arquitectura todavía no se han formulado. Es muy posible que estas preguntas surjan, no desde la arquitectura, sino desde la vida, precisamente por su carácter efímero.

Debo confesar que ver Notre Dame incendiado fue el más potente evento de arquitectura efímera. Ver a los arquitectos, urgentemente cuestionando cómo tenía que reconstruirse, me deja claro que tenemos una ansiedad de rehacerlo. Quizás Notre Dame se tendría que conservar un tiempo en ese estado de ruinas y dejar que sea un templo otra vez, por lo conmovedor y duro que es verlo así. Recordemos que Notre Dame es un templo y no un sitio turístico.Mi siguiente pregunta parte de ahí: ¿Tendríamos que movernos más en el mensaje, en el acontecimiento, en la experiencia? ¿Tenemos que estar interpretando piezas de arquitectura efímera, o simplemente debemos vivirlas como acontecimiento y experimentarlas?

VA Yo estoy aquí por una razón distinta, llevo quince años enseñando arquitectura y hace un año y medio me di cuenta que estaba agotado porque en los talleres de arquitectura nunca construíamos cosas. Le pedí a mi directora de carrera que me dejara proponer una sola materia, la de arquitectura efímera, donde los estudiantes tenían la tarea de terminar un proyecto construido 1 a 1, experimentarlo y registrar. Es un ejercicio que creo que todos los estudiantes de arquitectura deberían hacer ya que les permite experimentar el espacio.

IMA Los que hemos sido entrenados como arquitectos, disfrutamos pensando en una solución para un problema que todavía no ha llegado. Yo nunca me he sentido artista y es algo muy personal. Yo estoy muy cómoda sabiéndome arquitecta y desenvolviéndome a partir de ahí. Si algo dura más o menos en el tiempo, no es tan importante. Nunca nos enfrentamos a un proyecto pensando en cuanto durará.

En el proyecto que hicimos TO, Alberto y Lanza, tenía que durar dos días, y acabó durando dos semanas. Pero para nosotros, en concreto este pabellón (en Parque Lincoln), es una fuente atemporal inagotable de experiencia, de referencia, de reflexión… Estoy de acuerdo con Víctor en que es muy importante que las cosas pasen del plano de la ficción, del académico, del dibujo y la maqueta a cierta escala, al hecho construido. Es muy importante porque uno debe enfrentarse a cierto número de cosas fascinantes, pero también desafiantes como la materialidad, el peso de la estructura, los comentarios…eso sí es real, pero cuando algo ya ha sido, no importa cuánto tiempo ha sido.

Seguimos anclados en la idea del tiempo del siglo XX y no hemos dado el paso a entender que hoy en esta sociedad tan rápida y mediática de la hipercomunicación e hiperconexión, los viejos términos de tiempo ya no son válidos. Son obsoletos.

AO La temporalidad se repiensa, no sólo la arquitectura construye una función o un uso, sino que los usuarios, las circunstancias históricas, políticas…retomando el incendio de Notre Dame, la caída es un acto efímero y probablemente arquitectónico.

Las imágenes son algunos instantes de la presentación final del Posgrado Espacio efímero.

El cargo Sesión efímera | El límite de lo efímero apareció primero en Arquine.

Hay muchas formas de iniciar una colección. Rara vez es un evento planificando, simplemente se da por el afecto y gusto particular del coleccionista, quien define el orden, los límites y a(r)ma su colección.

Uno de los ejercicios del Posgrado Espacio Efímero 2016 consiste en diseñar una exposición a partir de una colección existente y un espacio real. En esta 2ª Edición, se eligió la colección de objetos ARCHIVO Diseño y Arquitectura, que debía exponerse en la sala que tiene dicha institución en el primer piso.

Esta micro-exposición sirve de prueba piloto para un espacio destinado a la reflexión sobre la colección permanente. El encargo era claro: diseñar una instalación con los 1,500 objetos de la colección sobre una tarima de cuatro metros cuadrados, ya existente. Los alumnos decidieron romper los límites establecidos para abarcar la totalidad de la sala.

¿Cómo mostrar una colección de objetos de diseño cotidiano? De todos los elementos del acervo, algunos son impresionantes ejemplares de diseño, otros son objetos que uno puede encontrar en su casa.

¿Cómo diseñar una instalación sin presupuesto y en muy poco tiempo? Recordemos que se trata de uno de los ejercicios de este programa académico, para el que los alumnos se encargan de todo: concepción, diseño, producción y montaje. La exposición estaría abierta al público sólo una semana, así que la propuesta debía de ser fácil y rápida de instalar.

Ni orden, ni afecto aprovecha la vocación de análisis y reflexión de este espacio para  exponer una aproximación a la colección como un universo con un potencial de la lectura y exhibición libre. Se seleccionaron una serie de elementos, se tomaron fotos que muestran su relación con el cuerpo humano: dándole un uso lógico o, por el contrario, proponiendo una nueva forma de utilización.  

Estas imágenes se fueron capturando al mismo tiempo que se preparaba toda la estructura para exponer las fotos. Se aprovechó la infraestructura existente y con 20 tubos de PVC blanco se trazó una retícula de la que se colgaron las fotografías. La finalidad del ejercicio era dar a ARCHIVO una nueva forma de mostrar y catalogar su acervo. 

El resultado fue una nube de 208 imágenes colgadas a la altura del ojo humano. Estas fotografías, al igual que la colección de ARCHIVO, se pueden tocar, pasear entre ellas, permitiendo variar el punto de vista según lo que quiera o se atreva a hacer el visitante.

El cargo Ni orden ni afecto apareció primero en Arquine.