A mí me llevó a Guanajuato la historia de una mujer. De una pintora nacida en Alemania y que había vivido más de 50 años, con su marido y sus perros, en una casa cerca de un acueducto del centro guanajuatense. La Pastita, es el nombre de la calle donde está esa casa que hoy es un Museo lleno de memorias y figuras prehispánicas. La pintora alemana se llamaba Olga Costa y yo la estudiaba con devoción para mi maestría sobre pintoras mexicanas, que terminó siendo un estudio únicamente sobre ella y su bellísima forma de mirar. Desde entonces han pasado siete años, y llegué a entenderla y estudiarla tanto —mediante sus pinturas, cartas y fotografías—, que aún percibo su presencia donde sea que vea alguna de sus obras. Yo siento que me hablan directamente. 

Hace un par de semanas, volví a encontrarme con Olga, de casualidad, en una exposición en el Museo de Arte Moderno (MAM): Presencia infinita. Ficciones de la modernidad, que reúne un variadísimo grupo de mujeres artistas, de épocas y con discursos muy variados, y forma parte del grupo de exposiciones que el MAM ha inaugurado como parte de la celebración de su sexagésimo aniversario. Aun cuando la museografía no es particularmente innovadora, pues regresa a la organización por núcleos cronológicos y temáticos —lo que provoca, desde mi punto de vista, que la lectura de esas piezas sea repetitiva y se pierdan matices que podrían ser, a estas alturas, como mínimo interesantes—; agradezco encontrarme en las salas de museos importantes piezas de mujeres artistas que forman parte de unos archivos que de otra manera se mantendrían alejados de la mirada del espectador de a pie, en el silencio de una bodega climatizada. 

En la muestra, además de un paisaje de Costa que casi da la bienvenida, hay dibujos de Frida Kahlo, la que pareciera ser la única pintora mexicana conocida fuera de México; está Remedios Varo, mi favorita, con sus gatos y construcciones imposibles; está Leonora Carrington con sus líneas y su fuerza; está María Izquierdo con ese boceto de lo que habrían sido sus murales en el Antiguo Palacio del Ayuntamiento, pero que Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros decidieron que no era apta para ejecutarlos pues, al parecer, sólo los hombres saben pintar murales; está Nahui Ollin, con sus pinturas que de tan alegres son tristes; y está Lilia Carrillo, la “única mujer” de La Ruptura. También hay artistas de épocas más recientes: está Graciela Iturbide con sus fotografías que dan ganas de llorar (o reír); y Teresa Margolles, con una obra hermosa que habla de las cosas más terribles; o María Teresa Morán, con esa pintura enorme de una mujer secuestrada que no sabemos qué espera (la pieza se llama La espera) si a morir, o a ser salvada, o a todas las cosas (¿peores?) que podrían pasar en ese intermedio. Y está Yani Pecanins con sus palabras, imágenes y sensaciones; con todas las cosas que le importan, como ella misma dijo alguna vez. La lista es satisfactoriamente larga y variada. Hay pintura y dibujos y bocetos y escultura, instalación, video, collage; y si bien extrañé nombres de mujeres más jóvenes (alguna había, pero me faltó diálogo y profundidad respecto a otras piezas) creo que es valioso que un museo de la importancia del MAM dedique en su aniversario uno de sus espacios a la conversación entre obras producidas por una otredad. 

Las muestras de mujeres yo las camino de a poquito, sin prisas, mirando de verdad cada obra: las increpo, las cuestiono, a ellas y al entorno en que fueron producidas. Será deformación profesional, pero intento comprenderlas en el contexto donde nacieron y en el que existen, que no siempre es el mismo. Nos enseñaron que la Historia del Arte se contaba a través de piezas hechas por hombres, y todavía en la actualidad los porcentajes hablan por sí solos. Sin embargo, las artistas existen y resisten, lo han hecho siempre. Y sus maneras de mirar no son del todo ajenas a su época ni a los discursos establecidos, sino que muchas veces se acomodan en ellos de manera natural, tal y como lo hacen los de sus contemporáneos masculinos. Claro que hablan de “otras cosas”, somos esencialmente diferentes, pero esas “otras cosas” también forman parte de la historia. Me atrevo a asegurar que, como hiciera Maria Gimeno en su bellísimo performance llamado Queridas viejas. Editando a Gombrich, en la Historia del Arte sigue faltando precisamente la perspectiva femenina, que es otra manera de mirar.  

Por eso agradezco también que se intente que el discurso de una exposición como esta sea cuestionador, como dice el texto de sala, respecto a la estructura patriarcal en que el mundo existe. Y aunque no creo que esta muestra tenga una particular crítica, sí es bella y eso ya es mucho viendo lo que vemos cada día, y creo que se va encaminando el discurso hacia el análisis y la confrontación; hacia colocar, incluso a las artistas más antiguas, en un espacio de revisión y salvamento, por decirlo de alguna manera. Y eso me devuelve un poco del optimismo que ya creía desaparecido.  

“La jaula se ha vuelto pájaro”, decía Alejandra Pizarnik en unos de sus poemas más bellos. Y así se llamó mi tesis de maestría, porque Olga Costa me enseñó que no hacen falta grandes gestos para dejar una mirada marcada en un fragmento del tiempo. Su casa de La Pastita es una lección de arte. Una lección propia, porque aun cuando en esa casa convivían dos pintores inmensos, Olga estaba casada con el muralista mexicano José Chávez Morado, todo allí, aún en la actualidad, es pájaro y no jaula. Y Olga sigue allí, aunque yo ya no pueda fotografiarla. 

Presencia infinita. Ficciones de la modernidad se exhibe en la Sala C del Museo de Arte Moderno desde el 5 de septiembre de 2024. 

El cargo En la calle de La Pastita, mi vieja Pentax dejó de funcionar apareció primero en Arquine.

Saskia Juárez, Sol y sombra, 2023, Óleo sobre tela, 120 × 100 cm

A pesar de su carácter industrial, Monterrey guarda un vínculo profundo con la naturaleza que le rodea. Está a unos pasos de la Huasteca, y se encuentra rodeada en varios flancos por escarpadas montañas que el poeta Manuel José Othón describió como “formas terroríficas y extrañas”. Aunque los habitantes de la urbe viven mayormente en el valle, la identidad de la ciudad proviene, en gran medida, de esos montes que le dieron nombre.

Saskia Juárez, Huasteca panorámica, Óleo sobre tela, 110 cm × 120 cm

No es de extrañarse, entonces, que el paisajismo en Monterrey naciera obsesionado por la montaña. Es el caso de la obra de Saskia Juárez (1943), pintora formada en la Academia de San Carlos, que comenzó su carrera en la década de 1960 retratando las diversas figuras del paisaje regiomontano, en particular cerros y montañas. Su trabajo, que demuestra una obsesión por la luz, la textura y las formas, evoca cierta escuela del paisajismo clásico mexicano: uno que congela el territorio en el lienzo y ancla la mirada del espectador en un tiempo geológico más duradero que el humano. Al mismo tiempo, los paisajes de juventud de Saskia Juárez son, ahora lo sabemos, testimonios de montañas a punto de atravesar una veloz transformación.

Rolando Flores, Apuntes para una canción a las montañas de Monterrey, 2024, Collages, 30.5 cm x 22.9 cm c/u

Por su parte, el artista regiomontano Rolando Flores (1975), observa con atención el paisaje a través de su práctica escultórica, centrándose así en los vínculos del territorio con la economía, las prácticas sociales y, por ende, con el extractivismo. Con una mirada menos romántica, Flores nos traslada a una civilización que, en aras de construir, destruye: de ahí la obsesión del artista por los residuos de cemento, los desechos de la industria y el cerro convertido en unidad económica.

Esta exposición da cuenta del proceso que convierte la tierra en paisaje, el paisaje en pintura y la pintura en representaciones de identidad cultural. Surge de un diálogo intergeneracional entre dos artistas que en un principio parecen explorar el mundo desde enfoques diversos. El núcleo físico, simbólico y metafórico desde el que Juárez y Flores dialogan son los cerros, esos componentes del paisaje que sobresalen reclamando ser vistos y adorados.

Exposición Saskia Juárez y Rolando Flores. A propósito del paisaje, Vista parcial, Centro Cultural Los Pinos Casa Miguel Alemán, Agosto-Noviembre de 2024

Si entendemos el paisaje como una materialización de la relación indisoluble de naturaleza y sociedad, el diálogo que sostienen Juárez y Flores pone en duda la atemporalidad de las montañas. En una de sus estrofas, la canción en proceso de composición “Cerro herido” se lamenta de montañas “que se derriten como icebergs”. La canción, que toma el título de una de las primeras pinturas de Juárez dedicadas a la afectación del entorno, ejemplifica la interlocución entre ambos artistas. Flores retoma el leitmotiv de la pintora, señalando que lo devastador no es el calentamiento global, sino la acción directa del hombre.

Saskia Juárez y Rolando Flores, Escenografía para una ciudad/Paisaje fragmentado, 2023
Carboncillo y pastel sobre tela y cartón/Bloques de hormigón, Medidas variables

En “Escenografía para una ciudad”, los majestuosos montes de Juárez se tensionan sobre un gran lienzo con la pieza “Paisaje fragmentado”, a partir de los bloques de cemento recolectados por Flores. La obra marca el inicio de la colaboración entre los artistas y recuerda la etapa de Juárez como escenógrafa al tiempo que revela cómo, a modo de ensayos o pruebas, la meditación de los artistas apunta hacia un espacio que se vacía, que avanza hacia los cerros desgajados. Si el ejercicio de la paisajista sugiere la contemplación del entorno, los tanteos e intervenciones de Flores tensan cualquier práctica de contemplación romántica.

En México, como en otras partes del mundo, el arte paisajístico acompaña un proceso de formación nacional. La palabra paisaje proviene del latín pagus, que alude a un cantón rural o terruño. Los paisajes construyen imaginarios en torno a los estados nacionales, que convierten espacios vastos en microcosmos de sentido. El siglo XIX mexicano vio el auge de una escuela en la que pintores como Eugenio Landesio, José María Velasco, Félix Parra, entre otros, retrataron un país que construía tanto sus imaginarios naturales como su infraestructura. 

Rolando Flores, Still video Cerro herido, 2024

Así, el paisaje moderno se transforma en algo más parecido al Landschaft, concepto alemán que se ha entendido a partir de la suma los conceptos Land (tierra) y schaffen (crear): un territorio cuya morfología la determinan tanto fuerzas naturales como humanas. Saskia Juárez y Rolando Flores. A propósito del paisaje nos muestra un territorio representado por dos artistas en dos generaciones distintas. Una diferencia temporal que en tiempos geológicos es insignificante, pero que dada la velocidad a la que cambia el paisaje en tiempos de extracción capitalista nos permite observar la voracidad de una sociedad que entiende las montañas como un repositorio de sentido y cultura, pero también de cemento, cal y otros materiales explotables. De un sistema económico que, al tiempo que avanza, destruye todo rasgo de identidad posible.

La exhibición A propósito del paisaje, con Saskia Juárez y Rolando Flores, se exhibe en el Complejo Cultural Los Pinos de la Ciudad de México hasta noviembre de 2024. La exposición es parte de las celebraciones de los 200 años del Estado de Nuevo León, en el Festival Nuevo León en Los Pinos, organizado por la Secretaría de Cultura de Nuevo León; también ha sido realizada en colaboración con CONARTE.

El cargo Saskia Juárez y Rolando Flores. A propósito del paisaje apareció primero en Arquine.

Recuerdo perfectamente la primera obra de arte hecha por una mujer que yo vi en la sala de un Museo. Era el Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana, la ciudad donde nací; la autora era María Josefa Lamarque y el cuadro se llamaba Paisaje de Puentes Grandes (1923). Mostraba un árbol y un río. Era pura luz ese cuadro. Yo tendría unos catorce años. Justo en esa época me apasioné por el arte y por mucho que busqué a esta pintora en libros, documentales, periódicos, nunca la encontré. Regresé varias veces al Museo, pero la pared donde había estado ese árbol, ese río y esa luz, estaba siempre ocupada por un paisaje marítimo del gran maestro Leopoldo Romañach. Pasaría mucho tiempo hasta que yo escuchara hablar de la necesidad de contar una Historia del Arte alejada de la visión heteropatriarcal devenida hegemónica. Y sería lejos de Cuba, y de ese Museo, donde mi encuentro con Lamarque alcanzaría verdadero sentido y donde yo terminaría de comprender el por qué de su ausencia en mis búsquedas bibliográficas.

En el 2016, varios años después de aquella visita al Museo, en un salón de clases chiquitito, conocí a Karen Cordero, una de mis mentoras en los años de Maestría. Karen fue la primera persona que me habló de feminismos en el arte, así en plural, y me impulsó a estudiar a las mujeres artistas que tanto me interesaban. Al finalizar su clase, yo había aprendido, entre infinitas cosas, que hay una forma otra de contar la Historia del Arte donde las mujeres artistas cuentan; donde las mujeres artistas son más que musas u objetos de deseo; donde las mujeres artistas son sujeto accionador.

Escribo esto al salir del Museo Kaluz en el Centro de la Ciudad de México donde he pasado las últimas dos horas observándome a través de una exposición que reúne obras producidas únicamente por mujeres. Una exposición curada por esa profesora que hace años me enseñó a ver el arte desde una mirada crítica y cuestionadora.

(RE) GENERANDO… Narrativas e imaginarios. Mujeres en diálogo está conformada por 109 artistas (también hay colectivas), todas mujeres, de diferentes épocas y manifestaciones. La curaduría no responde a un orden cronológico o temático, sino más bien a un lenguaje poético, como dice la propia curadora. Aún cuando la muestra está dividida por núcleos, Cuerpxs, Entornos e Imaginarios, estos no funcionan como una caja que encierra las obras y obliga al espectador a leerlas desde una única perspectiva, sino que sirven más bien como puente para conseguir que el acercamiento de quien mira sea más certero, asumiendo que en el arte exista alguna certeza.

La exposición se arma con un grupo de piezas pertenecientes a la Colección del Museo Kaluz, la mayoría anteriores a la segunda mitad del siglo XX, y que dialogan in situ con un grupo de otras producidas por mujeres en la contemporaneidad. Este tipo de estrategias discursivas funciona en este caso como catalizador para que el espectador se plantee unas cuantas preguntas con la temática de la mujer creadora como eje estructural. Siendo la más importante a mi parecer: ¿dónde están los discursos de las mujeres artistas en la Historia del Arte? Pero poniendo el punto de mira en otras interrogantes tan esenciales como aquella. ¿Por qué la producción hecha por mujeres no forma parte del Arte como un todo, historiográficamente hablando? ¿Es acaso inferior? ¿Menos válida? ¿Cuál es la justificación de la notable ausencia de nombres femeninos en las salas de los museos más importantes del mundo?

Con estos cuestionamientos en la cabeza se entiende lo certero de la selección de obras que conviven en el espacio. La piezas ‘se hablan’ unas a otras y colocarlas juntas provoca que su discurso se resemantice y se
reconstruya desde una visión absolutamente diferente a la que originalmente pudieran haber tenido. Un cuadro de Josefa Sanroman adquiere otro sentido, quizás más cuestionador, por decir lo menos, si lo pensamos como parte de una línea invisible en la que también aparecen las intervenciones digitales de Carol Espíndola. Un paisaje de Olga Costa, de los cerros de Guanajuato, se convierte en la cara A de una intervención-acción como la de Perla Krauze, o viceversa, teniendo ambas obras un eje temático relacionado con la tierra, la naturaleza y en definitiva, la vida.

Tampoco puede decirse que las obras que conforman (RE) GENERANDO… hablen de temáticas de interés exclusivo del género femenino, que también, sino que las temáticas son casi universales, solo que al ser construidas por mujeres, el enfoque necesariamente cambia. Pero es que en el arte las temáticas, aún las más universales, devienen individuales porque cada obra es fruto del imaginario de quien las crea. Por tanto, estas obras, ilustran una visión de la Historia del Arte mucho más diversa e inclusiva, como debería ser cualquiera de sus lecturas.

Esta muestra insta a revisar con sentido más crítico la forma en que nos acercamos al Arte y sobre todo esas verdades que damos por absolutas simplemente porque así aparecen en un libro de texto. Las mujeres artistas han existido y han formado parte del devenir artístico desde la Antigüedad, pero sus nombres y obras han sido eliminados conscientemente por un sistema patriarcal que invisibiliza lo que no conoce, lo que le es ajeno. A las mujeres artistas les ha tocado vivir en un mundo pensado para otros y a pesar de ello, han permanecido. Es tiempo de darles su espacio y su lugar. No uno regalado, sino el que merecen, el que les es propio, como la habitación de Virginia Woolf.

Hace muchos años que no voy al Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana, la ciudad donde nací. Pero confío que esa pintura de María Josefa Lamarque, la del árbol, el río y la luz, haya encontrado espacio en alguna de sus paredes. Quizás a la derecha o a la izquierda del gran maestro Leopoldo Romañach.

El cargo El árbol, el río y la luz. apareció primero en Arquine.

Fecha: 17 de Marzo 2022

Hora: 19 hrs

Modalidad: Presencial

Registro gratis disponible aquí

Ubicación.

#LaHoraArquine | Conversación con Dinorah Martinez Schulte

Fecha: Lunes 14 de Marzo del 2022

Hora: 17 hrs.

Para ver La Hora Arquine visita el siguiente enlace:

Anuncio del Premio Pritzker 2022 | The Pritzker Architekture Prize

Cómo cada año se entrega un premio a nivel global, a un arquitecto cuyo trabajo demuestre una combinación de talento, visión así como compromiso y que haya producido contribuciones consistentes y significativas dentro del entorno construido a tráves de la Arquitectura.

Fecha: 15 de Marzo

Hora: 9 hrs  México (10 hrs EST).

Página web de publicación: https://www.pritzkerprize.com/

#Simposio | SITAC XV: El fin | The End | Museo de Antropología e Historia

Se viene la XV edición del Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo (SITAC), que coincide con su 20 aniversario de éste encuentro. El título de ésta edición (El fin | The End), alude a las constantes declaraciones de que los medios de producción de imagen y representación como la pintura, fotografía y el cine han muerto.  También una interesante reflexión sobre las tecnologías y las diferentes formas de violencia actual en los medios de comunicación tanto digital como impreso, sin olvidar las formas de representación del contexto de la pandemia por COVID 19, entre otros temas. Se tendrán participantes como Lorena Mostajo | Rubén Ortíz Torres | Ximena Cuevas | Craig Baldwin | Lourdes Portillo, entre otros.

Fecha: Del 17 al 19 de Marzo del 2022

Previo registro en: https://bit.ly/registrositac

Más información en: sitac.org

Exposición: Presentación por inauguración: Quizá quiso decir “Sonoridad” | Laguna Mx

“Es una exposición curada y hecha por mujeres, que desde sus propias dolencias no sólo han explorado en la colectividad una manera de manifestarse desde lo íntimo, sino de encontrar puentes para compartirlo”

Exposición: Azul de Metileno | Daniela Huerta | Fabiana Comas | María José Romero | María Muñoz | Mariana Dussel | Maya Karina | Sofía Ortiz

Curaduría: Maria Muñoz | Irina Calderón

Fecha: 12 de Marzo del 2022

Hora: 12:00 hrs

Ubicación.

#Exposición: Inaguración del Afán de encontrarse a uno mismo. | Hilda Palafox | Proyectos Monclova

Proyectos Manclova anuncia la representación de la artista Mexicana Hilda Palafox a partir de este 12 de Marzo al 16 de Abril del 2022.

La galería Proyectos Monclova se enfoca en representar artístas contemporáneos nacionales e internacionales cuyas propuestas enriquecen el discurso artístico local e internacional. La exposición “El afán de encontrarse a uno mismo” presenta pinturas y dibujos en las que Hilda Palafox explora de manera alegórica la incertidumbre de la vida humana y el constante deseo de encontrarse a uno mismo sin ser excluidos de una sociedad, una ideología o una familia.

En este conjunto de piezas, Palafox transita del uso de una paleta de color saturada hasta la experimentación con el monócromo (negro) con una sutil advertencia de color. Al mismo tiempo, la artista pinta figuras femeninas llevando a cabo ciertas actividades que les permiten encontrarse consigo mismas en escenarios ambiguos en donde el tiempo se detiene y el horizonte limita o expande el espacio físico y mental. Las piezas que conforman la exhibición permiten reconocer en el trazo de la artista una parte de la producción pictórica latinoamericana del siglo pasado, en la cual destacó la exploración material y la búsqueda formal a partir de un elogio al cuerpo humano como figura central y un énfasis al volumen en la pintura y en la escultura.

Fecha: 12 de Marzo del 2022 (Hasta el 16 de Abril).

Hora: 11 am – 4 pm (Fines de semana). 10 hrs – 18 hrs de Lunes a Viernes.

Ubicación.

El cargo Agenda de la semana apareció primero en Arquine.

El cargo Lucio Muniain: Pintura, Música y Arquitectura apareció primero en Arquine.