Ha muerto, a los 101 años, el arquitecto alemán Gottfried Böhm. Su padre, Dominikus Böhm, fue también arquitecto, especializado en el diseño de iglesias. Sus obras son catalogadas como Expresionismo de ladrillo (o Brick Expressionism). Gottfried trabajó con su padre hasta que éste murió en 1955, aunque el hijo se hizo cargo posteriormente del despacho. En la última mitad de la década de los 50 se sumó a la organización “Sociedad por la Reconstrucción de Colonia”, bajo la dirección Rudolf Schwarz.

El primer edificio relevante de su carrera fue la capilla conocida como Madonna en Ruinas, un proyecto construido sobre los escombros del adoratorio para la virgen Columba de Sens, que era de la época medieval y fue bombardeado por los Aliados en 1943. El diseño de Gottfried Böhm incorporó los pocos elementos que sobrevivieron al ataque, como los muros de la fachada y una estatua del siglo XV de la virgen María. Este proyecto fue integrado a la renovación del Museo Kolumba comandada por Peter Zumthor para la arquidiócesis de la iglesia.

Otra de sus obras relevantes es el centro de peregrinaje María, Reina de la Paz. Después del Segundo Concilio del Vaticano, el cardenal Josef Frings comisionó la ampliación de una iglesia del siglo XVIII que ya no tenía la capacidad para recibir al número de peregrinos que llegaban  en la década de los 60. Frings estaba abierto a escuchar ideas nuevas, y el diseño brutalista de Gottfried fue aprobado por el cardenal.

A.J. Goldman apunta para The New York Times que muchos de sus proyectos establecen un diálogo entre edificios antiguos que a menudo fueron violentamente destruidos y materiales y estrategias de diseño plenamente modernas. En 1986 fue galardonado con el Premio Pritzker. Brendan Gill, crítico de arquitectura y secretario del jurado del premio, comentó cuando fue anunciado el ganador de ese año que “Böhm ha logrado reinterpretar y transformar el pasado arquitectónico y llevarlo a formas contemporáneas”.

El cargo Gottfried Böhm (1920-2021) apareció primero en Arquine.

Capilla de las Capuchinas Sacramentarias, Luis Barragán, dibujo Rodrigo López Sanroman

Es común a los tres arquitectos, en principio, el planteamiento de una vida personal, que implica la aceptación de valores asociados a la cotidianeidad de las formas de vida y relaciones sociales de las comunidades de donde son originarios, entre los que podemos reconocer: orgullo de pertenencia, sencillez, austeridad, mesura y un cierto alejamiento respecto de los reflectores que identifican a una buena parte de los arquitectos que gozan de amplio reconocimiento, pero sin que ello signifique dejar de prestar atención a todo lo que sucede en el mundo en términos culturales, como parte de la condición actual de globalidad. Apoyados en esta idea fundamental, que implica la interrelación inteligente y creativa de lo local y lo universal, de lo particular cotidiano y lo general que puede implicar al conjunto de los otros, es que construyen las ideas conceptuales que le dan sentido a sus propuestas proyectuales de diseño.

Casa Marie Short, Glenn Murcutt, dibujo de Karla G. Ávila Ramírez de Arellano

El conjunto de las obras realizadas por Barragán, Murcutt y Zumthor, fueron y son realizadas en discretos despachos o, mejor dicho, talleres de proyectos, ubicados en sus lugares de origen o residencia, en donde los autores con un número reducido y cercano de colaboradores, en equipo, le dedican personalmente mucho tiempo al desarrollo de los proyectos que les son encomendados, implicando en ello de inicio, una valoración concienzuda del entorno y sitios particulares donde se ubican, otro tiempo largo y pausado al planteamiento de las ideas conceptuales que darán sentido a sus propuestas,  hasta llegar al desarrollo ejecutivo de estos proyectos, poniendo cuidado y atención, desde los planteamientos generales, hasta llegar en especial al desarrollo minucioso de los detalles que están necesariamente implicados. Los autores además, están muy cercanos a la realización construida de las obras, estableciéndose un proceso de retroalimentación, entre generación de ideas y la materialización de las mismas. Complementa lo anterior el viajar a distintos lugares, con ojos atentos, valorando diversas arquitecturas, formas de vida y relacionarse con personajes diferentes de la cultura, entendiendo lo anterior, como  afluentes intelectuales que enriquecen sus procesos creativos, diversificando y consolidando la construcción de sus ideas, así como sus repertorios compositivos y formales.

Capilla de San Benito, de Peter Zumthor, dibujo de Karla G. Ávila Ramírez de Arellano

Al revisar las obras realizadas por los autores que ahora nos ocupan, es común que la mayoría de las mismas cuenten con una escala discreta, que no sean muy numerosas y que se aprecie en ellas cuidado y dedicación notable en su realización, llegando a resultados que podemos entender y apreciar como la puesta en práctica de una poética  arquitectónica, que se relaciona en varios casos, con las notables obras construidas por las culturas locales donde su ubican, pero como reinterpretación y  compromiso en relación con la actualidad, utilizando materiales y procedimientos constructivos tradicionales, al mismo tiempo de incorporar algunos componentes y detalles, que se pueden asociar a las tecnologías contemporáneas. Hablamos de obras en las que lo artesanal y lo moderno, conceptual y tecnológicamente hablando, se armonizan. Se trata de arquitecturas amables y respetuosas de la naturaleza y los sitios en particular donde se ubican, practicando criterios racionales, en sus variantes minimalistas, procurando además dejar las menores huellas construidas posibles, utilizando para el efecto energías pasivas, limpias, renovables y materiales naturales de las localidades. Los tres autores, cada uno con resultados que identifican su propia personalidad proyectual, manejan formas sencillas, regulares, otorgando particular importancia a generar espacios serenos, placenteros, de atmósferas vivenciales amables, en donde el silencio y la intimidad ocupan un papel fundamental, así como el juego de la luz, las sombras y las texturas visuales y tactiles.

Hablamos de un Barragán, con repertorios formales que tienden a la abstracción neoplasticista, pero con calidades materiales y vivenciales referidas al conjunto de su cultura local jaliciense, con diestros manejos de escala, proporción y colores vivos, relacionados con las culturas populares. De Murcutt empleando formas regulares, reinterpretando expresivamente propuestas miesianas, en donde los componentes estructurales desempeñan un papel sustancial, pero también implicando las perspectivas vitales y constructivas de las culturas locales australianas y Zumthor, experimentando con interpretaciones formales y compositivas un tanto mas diversas, que van desde la abstracción pura, hasta la expresividad de componentes estructurales, en donde  texturas y colores neutros están presentes, relacionando de manera amable, pero contrastada sus proyectos, con respecto al entorno natural donde se ubican. En todos los casos buscando, como ya se ha comentado,  discreción, serenidad, silencio y la presencia de la luz, que califica y dramatiza texturas y volumetrías.

Casa Marika -Alderton, de Glenn Murcutt, dibujo de Karla G. Ávila Ramírez de A.

Los tres autores fueron merecedores  del premio Pritzker: Luis Barragán en 1980, Glenn Murcutt en 2002 y Peter Zumthor en 2009. Sus obras se han convertido en referentes para las generaciones recientes de arquitectos en todo el mundo, pero sobre todo su más importante lección, que hay que tomar en cuenta, tiene que ver con la postura de reconocer orgullo y pertenencia en relación a sus culturas locales, ser conocedores al mismo tiempo de los movimientos arquitectónicos universales y arriesgar alternativas proyectuales que implican mezclas, reinterpretaciones contemporáneas del conjunto de lo anterior, desde visiones y perspectivas personales, en donde lo más trascendente ha sido la decisión de ser ellos mismos, mediante la construcción de ideas propias, que tienen que ver con sus particulares circunstancias vitales. Dedicando con paciencia, tiempo y cuidado a la realización de sus proyectos, poniendo en juego conocimientos, sensibilidades, imaginaciones, capacidades creativas, en obras que no tienen que ver necesariamente con desarrollos de gran escala, sino que lo trascendente lo logran con la originalidad de sus propuestas, que están alejadas de las corrientes del pensamiento que se identifican con los llamados arquitectos estrellas, vinculados al sistema comercial. Lo importante está en el valor de las ideas y no en el costo y volumen de las obras.

Capilla votiva San Niklaus Von Flue, de Peter Zumthor, dibujo de Karla G. Ávila

Se trata al final de cuentas de una buena lección,  un camino, una postura común, que se muestra factible e incluso deseable, para la práctica profesional de la mayoría de arquitectos, que forman parte de la diversidad cultural que para nuestra fortuna, se expresa y convive en múltiples regiones del mundo, pudiendo realizar arquitecturas, entendidas como compromiso y servicio, cercanas a las realidades de la  gente, en donde el ser humano, la familia y las necesidades cotidianas de pequeñas comunidades, son lo importante para el planteamiento y realización de los proyectos. Como ejemplos, hablamos de obras como la Capilla para Las Capuchinas Sacramentarias, 1953 y la Fuente de los Amantes 1964, de Luis Barragán, la Casa Marie Short, 1975 y la Casa Marika-Alderton, 1994, de Glenn Murcutt o la Capilla de San Benito, 1988 y la Capilla votiva dedicada a San Niklaus von Flue, 2007,  de Peter Zumthor. Finalmente vale la pena, para conocer un poco mas de cerca el pensamiento de estos arquitectos, leer sus discursos de aceptación de los premios Pritzker, a los cuales fueron acreedores.

El cargo Barragán, Murcutt, Zumthor, semejanzas y lecciones apareció primero en Arquine.

Nicolás Alvarado: Conocía su obra, pero para esta entrevista además he leído sus libros y me di cuenta que algo me hacía falta. Entre otras cosas, soy profesor de semiótica en la Universidad, y empecé a hablar con mis alumnos sobre el significado y, leyendo su libro Pensar la arquitectura , me encontré de pronto ante la belleza, la claridad de la idea de ser frente a la idea de significado. ¿Piensa que le damos demasiada importancia la significado y que pensamos poco en lo que es el ser?

Peter Zumthor: No lo sé, sólo puedo decirle lo que me gusta. Existe de hecho una diferencia en nuestra cultura y nuestro pensamiento occidentales, pues tendemos a pensar en términos abstractos sobre las cosas, en algo un tanto distinto a las cosas mismas: su apariencia, su brillo. Y claro que siempre he estado interesado en ambas cosas, pero como arquitecto me interesa más hablar de la cosa misma: estar ahí en la experiencia de algo. Así que hay una experiencia intelectual de algo y una experiencia física, emocional de la cosa. Estoy más de este lado, pero no busco deshacerme de la primera; veo que de pronto se convierte en ideas sobre papel sobre ideas sobre papel sobre ideas sobre papel… ¿Dónde quedó la cosa?

NA: Sin embargo, no se puede escapar al pensamiento. Usted dice que se tienen estas reacciones absolutamente físicas a los espacios, a las cosas, y luego se intelectualiza —usted incluso ha escrito libros al respecto. Así que, de algún modo, el pensamiento tiene su función en relación con las cosas, ¿no es así?

PZ: Claro. Necesitamos el cerebro y es bueno que podamos pensar. No estoy en contra de ello. Pero cuando dice que yo intelectualizo, dudo en aceptarlo. Sé lo que quiere decir, pero déjeme pensarlo un momento. Intelectualizo mi experiencia, estoy tratando de entender mi experiencia. Pero la experiencia provoca una reacción en algún lugar en mi cuerpo —no tengo idea dónde, algunos dicen que en el corazón— y entonces trato de entender. Y, por supuesto, es en ese momento que todo lo que tengo, cada escena, cada pensamiento, entra en juego para ayudarme a entender lo que debo hacer. Pero, para mí, lo importante es que se empieza por la emoción.

NA: La reacción física. A veces veo un edificio y tengo esta sensación de ser rebasado, de quedar abrumado por la belleza y por la perfección de la obra. ¿Se trata de una sensación inefable, que está más allá del pensamiento? ¿Diría usted que la belleza va más allá del significado?

PZ: Sí, pero es una inmersión en algo, llamémosle una emoción, de lo que hablamos sin alcanzar. Jamás podremos explicarlo, aunque siempre debamos intentarlo. Y sabemos que la experiencia de lo bello es algo increíblemente humano de cierta manera: nos pertenece. Experimentamos la belleza.

NA: Usted habla mucho de la idea hacer cosas. Usted hace muchas cosas con sus manos. ¿Es esa una manera de intentar capturar la belleza, hacerse uno con la belleza? ¿Por qué es bello hacer cosas?

PZ: La experiencia de la belleza me llega por sorpresa. Al llegar a esta casa, sé que es bella, la conozco, pero sigue siendo una sorpresa. Es como ver una buena obra de arte: siempre te dice otra cosa. Provoca algo en la química de nuestros cuerpos que es distinto a la vez anterior. Así es como experimentamos la belleza. Una buena obra de arte, literaria, musical o de arquitectura, tiene esta capacidad, esta profundidad insondable, que no se puede agotar.

NA: ¿Por qué decidió convertirse en arquitecto? Leyéndolo pienso que pudo haber sido un buen escritor —hay un lado proustiano en la manera que cuenta algunos espacios. ¿Por qué crear atmósferas mediante la arquitectura y no la música, por ejemplo?

PZ: Es pura casualidad, porque me crié en una familia de artesanos y eso fue lo primero que aprendí. Soy el hijo mayor y mi padre quería que yo me quedara con su taller. Era la tradición familiar. Así empecé. Aprendí mucho. Cuando yo tenía veinte años mis amigos terminaban la preparatoria, pero yo podía construir muebles. Tal vez me sentía un poco mal entonces, en comparación a ellos, por no tener un grado y no le daba importancia al hecho de poder construir muebles, pero viéndolo en retrospectiva, fue muy bueno lo que hice. Me gustaría ser un filósofo. Me gustaría ser músico.

NA: ¿No es usted un filósofo, un filósofo de la arquitectura y del espacio?

PZ: No soy yo quien lo debe decir. Me gusta ser arquitecto.

NA: La arquitectura le da también la oportunidad de tener una relación directa con las cosas. En la literatura siempre hay mediación de las palabras. Cuando se escribe un ensayo o un poema, no te abruma sólo por estar frente a él, hay que leerlo. Con la arquitectura la sensación es inmediata, no hay que esperar a leerla o no se puede evitar leerla.

PZ: Estamos expuestos a la arquitectura. Podemos comprar un libro de poemas de Emily Dickinson y dejarlo sin abrir sobre la mesa. La arquitectura está ahí. Pero ese es el caso también de la música.

NA: Usted dice estar de acuerdo en que la música es la madre de todas las artes.

PZ: Para mí lo es. Ayer que llegué a esta casa había música de fondo, toda la tarde. Hoy me alegra que estemos en silencio, porque la música nos llega sin mediación. El mundo hoy está lleno de música de fondo. Nos llega inconscientemente.

NA: Usted ha escrito también sobre el ruido, pero no sólo entendido como sonidos sino de ruido visual, emocional, intelectual. ¿No es parte de su trabajo un esfuerzo por combatir ese ruido?

PZ: Cuando hago una casa empiezo por pensar en cómo suena. Un recuerdo que me gusta mucho de mi juventud es el sonido de mi madre en la cocina. Por eso me gusta el sonido de fondo ahora, que viene de la cocina pero también un poco de la ciudad: me permite saber dónde estoy. Como arquitecto creo que es bueno controlar también el sonido de los espacios, porque amplifican, transportan y le dan carácter al sonido. Primero quise reducir el ruido y luego abrir el campo a otros sonidos.

NA: Por lo que me dice entiendo que le gusta que los sonidos —o incluso el ruido— sea orgánico: el sonido de la ciudad, del jardín de la casa. ¿Lo que le molesta son los ruidos que no pertenecen a la experiencia que vivimos?

PZ: Empezaría diciendo que las cosas deben sonar como se ven. Eso me gusta. También me gusta cuando en un club de jazz el sonido sale directo y te golpea, sin espacio. Lo que no me gusta es el sonido como basura, que ensucia todo.

NA: Los seres humanos no suenan, necesariamente, como se ven. ¿La arquitectura es una manera de buscar darle al mundo el orden que los humanos no encontramos?

PZ: La arquitectura es parte de la humanidad así que el 99% de la arquitectura no es tan ordenada.

NA: Me gustaría pensar que la arquitectura está hecha por la humanidad pero que de algún modo nos trasciende…

PZ: ¿Qué entiende por humanidad?

NA: Lo imperfecto. Lo ruidoso. Lo contradictorio. Lo vivo que es incapaz de generar una atmósfera para alguien más. ¿No es la arquitectura una de las maneras en las que intentamos ordenar lo que no podemos ordenar en nosotros mismos?

PZ: Entiendo. Pero no usaría la palabra orden. Diría, más bien, que los humanos podemos ser brutales, hacer guerras, matarnos unos a otros, pero podemos también producir obras de arte. Algo que trasciende nuestra vida. Usted lo llama orden, lo podríamos llamar belleza. Eso, estoy de acuerdo en que es profundamente humano.

NA: Me da la idea de que usted es alguien a quien le gusta darle placer a otros: cuando describe las atmósferas de los edificios que le han impresionado, parece que se convierte en lo mejor de sí mismo y que a todo ahí le sucede lo mismo: se vuelve agradable, placentero. ¿Como arquitecto es lo que intenta darle a la gente?

PZ: Sí.

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Recuerda la participación de Peter Zumthor en MEXTRÓPOLI 2017

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Una carpa por demás sofisticada, cerrada por altos paneles de marcos de aluminio y vidrio y techo a dos aguas, sirvió de escenario para la conversación entre el famoso arquitecto suizo Peter Zumthor y su protegida, la paraguaya Gloria Cabral. El espacio podría haber sido el apropiado para la presentación del más nuevo producto de alguna marca global, pero tal vez no para una plática de un arquitecto que habla tanto de la materia y la atmósfera. Y Zumthor lo dijo. Señaló el ruido, de hecho no tan molesto, de las máquinas inyectoras de aire —hay que poner atención al sonido de la arquitectura, dijo, y algunos no pudimos evitar pensar en Julie Andrews cantando en un prado tirolés las montañas viven con el sonido de la música. Y señaló también que lo único que le daba cierta atmósfera al espacio eran los cientos de sillas de madera y bejuco que parecían salidas de improbables bistrós parisinos a la redonda. A Zumthor, ya sabemos, le interesan las atmósferas, como demuestra lo dicho en una de sus conferencias recogida en un libro del mismo título.

La conversación entre Zumthor y Cabral se dio como parte de la presentación que hizo la compañía suiza de relojes Rolex de su programa de Mentores y Discípulos. Iniciado en el 2002, busca jóvenes artistas talentosos del mundo entero para que, durante un año, colaboren en algún proyecto con un artista reconocido. Hay mentores y discípulos en literatura, danza, teatro, cine, música, artes visuales y, desde hace dos años, arquitectura —aunque en la primera edición, entre el 2002 y el 2003, Álvaro Siza y Sahel Al-Hiyari formaron la primera dupla. Entre el 2012 y el 2013, Kazuyo Sejima fue la tutora del chino Yang Zaho y, del 2013 al 2014, Zumthor trabajó con Cabral. La paraguaya, de 32 años, empezó a trabajar hace diez en el despacho de Solano Benitez, del que hoy es socia. Se dice que Zumthor y Cabral comparten el interés por una arquitectura que responda a las condiciones locales, construida casi de manera artesanal y prestando atención a la calidad de los materiales y, de nuevo, a las atmósferas que generan. Juntos trabajaron en el diseño de una capilla católica en Namyang, Corea del Sur, inspirada en la tradición de las Casas del Te más que en la de los templos cristianos.

Dado el trabajo de ambos, su conversación pública en la ciudad de México generó obvio interés. Hablarían, según lo anunciaron desde el principio, de la vieja casa de los abuelos de Zumthor, de la que éste ya ha dicho que le dejó marcadas en la memoria las atmósferas que busca repetir cuando diseña una casa. Hablarían también del papel de la arquitectura y del arquitecto. Zumthor dijo que de joven pensó, como muchos de su generación, que podía y debía cambiar el mundo y que hoy aceptaba un papel más bien menor. De su forma de trabajar, Zumthor insistió en que partía de imágenes y de atmósferas y que la forma era lo último que buscaba: “las formas son fáciles de hacer”, dijo sonriente, como si supiera que nadie se lo creía. En una ocasión Zumthor le pidió a Gloria Cabral su opinión sobre el museo que el suizo proyecta en Los Angeles. Más que una opinión obtuvo una descripción. Al final, ella debía hablar sobre el proyecto en Corea, pero, de nuevo, la explicación de la discípula no tuvo la consistencia de las del maestro.

Algo habrá estorbado, tal vez, la libertad creativa, por llamarle así, de la traductora, quien nos ofreció un discurso paralelo al de Zumthor. También, seguramente, se podrá argumentar que, a diferencia de las duplas en música, danza, teatro, cine o literatura, que pueden mostrar directamente el resultado de su colaboración, al menos parcialmente, en el caso de la arquitectura debemos conformarnos con una experiencia sucedánea: fotografías y palabras. Es un argumento que se repite casi siempre que una conferencia de algún arquitecto resulta menos interesante que su obra y que, a mi parecer, es, si no falso, sí reductivo. Por supuesto que la arquitectura se experimenta y se vive, pero también se imagina y se cuenta; pero ese es otro tema. Por ahora digamos que el esfuerzo de Rolex por unir maestros consumados y jóvenes aprendices es, sin duda, loable.

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Eminent Architects. Seen by Ingrid von Kruse no es un catálogo al uso ni un libro de artista sino un fotolibro que recopila alrededor de una treintena de retratos de los arquitectos más destacados desde la segunda mitad del siglo 20 hasta ahora; profesionales de un mismo sector pero con bagajes muy distintos y gran variedad de tendencias. Recientemente, Eminent Architects fue presentado en la galería Ivorypress de Madrid (España) a la vez que inauguraban la pequeña muestra fotográfica con la presencia de la artista. Una selección de nueve fotografías en formato pequeño –no superior a 31:27 cm; edición 2/3– se expone por tiempo indefinido desde el 21 de febrero en la rampa del Ivorypress Space, sección de la sala que dirige Cristina Giménez dentro de la iniciativa Ivorypress Art + Books fundada por Elena Ochoa a raíz de su editorial homónima. El espacio, diseñado por el arquitecto Norman Foster en lo que fuera una antigua imprenta, acoge exposiciones, conferencias y eventos culturales.

¿Por qué fotografiar a un arquitecto y en qué condiciones hacerlo? El trabajo de von Kruse es una intervención en el debate promovido por Paul Virilio sobre la relevancia que ha ido tomando la figura del arquitecto en cuanto a agente sensible al desarrollo de las nuevas formas de representación cultural y la realidad socio-política del momento. En este sentido podríamos decir que el retrato traslada una actitud y ayuda a contextualizar en su época, sus condiciones y su discurso a cada uno, por ejemplo: Zaha Hadid, prominente arquitecta angloiraquí de la corriente del deconstructivismo, posa con seguridad dando media vuelta y sonriendo a cámara; el suizo Peter Zumthor no mira al objetivo directamente sino que observa un horizonte fuera de encuadre; el portugués Álvaro Siza transmite experiencia y serenidad fotografiado desde una perspectiva que remarca los pliegues de su cara; el holandés Rem Koolhaas presiona el dedo índice derecho sobre su labio inferior entre pensativo y desafiante.

Lejos de plantear el retrato como una elaboración del recuerdo, von Kruse propone una imagen compuesta fundamentalmente de un gesto, aquel característico de la persona que posa frente a la cámara, más allá de sus cualidades físicas o a través de ellas. Sin pretensión de objetividad el ojo fotográfico de la alemana realiza la valoración profunda y personal que marca la diferencia de su punto de vista y que a priori puede parecer anodina por excesivamente sobria. Jugando con los grises y los contrastes, siempre bajo luz natural, logra una intimidad y proximidad difícil de conseguir cuando se apuesta por el crudo blanco y negro. Tal vez ese sea el reflejo que vemos tras la mirada de cada arquitecto, un espacio interior lleno de luces y sombras.

© Ingrid von Kruse

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The Shingle House, la segunda opción para hospedarse, está en el sureste de la capital inglesa, en Dungeness. La vivienda fue erigida por el despacho escocés NORD y figura como un granero de madera con grandes ventanas. Su interiorismo destaca por incluir obras de artistas famosos. Inaugurada el año pasado, The Dune House es la tercera casa construida por los arquitectos noruegos Jarmund/Vigsnæs en la Villa de Thorpeness, también en Suffolk. Con una base acristalada y recubierta de madera, este lugar presume amplias terrazas y techos a doble agua. Una de las más recientes es The Long House del despacho inglés Hopkins Architects, en North Norfolk, apenas inaugurado en diciembre. Por último, A Room for London, diseñado por David Kohn Architects, se trata de un bote suspendido por encima de la ciudad, sobre el techo del Queen Elizabeth Hall. Aún en construcción, The Secular Retreat del arquitecto suizo Peter Zumthor, en la ciudad de Devon. En promedio, el precio por cuatro noches en cada una de estas casas oscila entre 10 mil y 15,500 pesos por cuatro días.

The Balancing Barn

The Shingle House

The Dune House

The Long House

A Room for London

The Secular Retreat

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