Marina Tabassum © Asif Salman

Reconocida por establecer un lenguaje arquitectónico contemporáneo y profundamente conectado con un lugar específico por su clima, contexto, cultura e historia, Marina Tabassum aportará su distintiva visión al Serpentine Pavilion 2025. El diseño planteado evoca un diálogo significativo entre la naturaleza permanente y efímera de esta comisión.

A lo largo del eje norte-sur del Hyde Park, Una Cápsula en el Tiempo tendrá una forma alargada, similar a una cápsula, con un patio central alineado con la torre del campanario de Serpentine South. Inspirada en la experiencia de visitar parques durante el verano y en los doseles arqueados de los jardines que filtran suavemente la luz a través del follaje. La estructura está compuesta por cuatro formas escultóricas de madera con una fachada translúcida que difunde y matiza la luz al entrar en el espacio. Un elemento clave en el diseño de Tabassum es su componente cinético, que permite que una de las cápsulas se desplace, conecte y transforme el pabellón en un nuevo espacio.

Enfatizando las posibilidades sensoriales y espirituales de la arquitectura a través de la escala y el juego de luz y sombra, el diseño de Tabassum se inspira en la historia y la tradición arquitectónica de las tiendas Shamiyana del sur de Asia. Estas estructuras, también cinéticas en su función, están hechas de tela sostenida por postes de bambú y se usan comúnmente para reuniones y celebraciones al aire libre. Este año se celebra su 25 aniversario y el pabellón de Tabassum formará parte de las celebraciones de este aniversario. Además, vale la pena mencionar que el primer pabellón fue diseñado por la arquitecta Zaha Hadid en el año 2000.

Sobre Marina Tabassum Architects (MTA)
Fundado en 2005 con sede en Daca, Bangladés, es un estudio que establece un lenguaje arquitectónico que sea contemporáneo, pero profundamente arraigado en su contexto local. En oposición a la tendencia global de una arquitectura comercial y homogénea, MTA se compromete a diseñar espacios informados por el clima y la geografía. Su trabajo es reconocido por su conciencia ambiental, responsabilidad social y pertinencia histórica y cultural. Cada proyecto es una respuesta sensible y relevante a la singularidad del sitio, el contexto, la cultura y las personas.

En 2016, MTA recibió el Premio Aga Khan de Arquitectura por la Mezquita Bait ur Rouf, un edificio destacado por su ausencia de iconografía tradicional, su énfasis en el espacio y la luz, y su función como lugar de culto y refugio para la comunidad de los barrios periféricos de Daca. Este proyecto fue incluido en la lista de los 25 edificios más importantes de la posguerra según The New York Times.

Hamidur Rahman Memorial Complex / Marina Tabassum Architects.

La apertura del Pabellón diseñado por Tabassum da la bienvenida a la posibilidad de unir a los visitantes a través de conversaciones, conexiones, programas en vivo y encuentros públicos.

El cargo Marina Tabassum, arquitecta y educadora bangladesí, será quien diseñe el Serpentine Pavilion a inaugurarse en junio 2025 apareció primero en Arquine.

Hoy, estoy en un espacio acogedor entre invitados especiales y prensa, compartiendo un momento único alrededor de una larga mesa comunal, ansioso por lo que viene. Mientras esperamos, disfruto del ambiente con un café y unos macarons.  

Foto: Juan Carlos Calanchini González Cos

El pabellón descansa elegante en el jardín, compuesto por nueve segmentos que se repiten en una belleza fractal. Su ligereza crea una experiencia consciente de la microescala que nos rodea, con una cubierta que flota delicadamente, evocando la fragilidad del viento y la impermanencia. Lina Ghotmeh eligió madera como material principal, minimizando el uso de otros materiales. Las columnas de glulam y las vigas expuestas añaden profundidad y calidez. En el centro, una cubierta tensionada permite la entrada de luz cenital.

En este espacio, se experimenta una intimidad que trasciende el entorno físico. Como menciona Beatriz Colomina, “cada mesa es una especie de laboratorio donde se fusionan diferentes piezas de distintas formas de vida”. Aquí, las interacciones humanas adquieren un nuevo significado, fortaleciendo los lazos sociales y generando un ambiente propicio para la reflexión y el encuentro con los demás. 

Fotos: Juan Carlos Calanchini González Cos

“Decepcionante y nada espectacular”, escuché decir a algunas personas. Esto me lleva a pensar en la desviación de la visión original de Ghotmeh. Se reemplazaron los paneles de vidrio transparente, que evocarían una presencia frágil y etérea, por paneles de triplay adornados con cortes de router en forma de la estructura de hojas. Esta elección, por razones pragmáticas de reducción de costos y emisiones de carbono, transformó la estructura refinada en paneles ensamblados de último momento. Aunque pueden parecer caprichosos o artificiosos, logran generar intimidad y porosidad, mimetizando con el follaje de los árboles, donde “el interior está en el exterior”, según Lina Bo Bardi.

Fotos: Juan Carlos Calanchini González Cos

Mientras escucho a otras personas expresar su entusiasmo por el resultado, me doy cuenta de que aquí no hay factor sorpresa, no se busca impresionar a nadie. El encanto radica en estar y observar: la belleza de la naturaleza y de las personas. Algo me retiene, no quiero irme. Cada detalle de la experiencia es agradable y cautivador.

Lina Ghotmeh by Harry Richards for Serpentine 2023

Lina Ghotmeh, con labios rojos, tacón alto y un estilo envidiable, irradia una energía fresca y relajada. A pesar del frío día de junio, su contagiosa sonrisa muestra su emoción al saludar a los presentes. Desde el corazón, nos habla de amor, su pasión por la arquitectura y su deseo de que el pabellón aporte algo significativo a quienes lo visiten. “La convivencia es una alegría”, comparte, algo que este pabellón logra muy bien: invitar a las personas a estar juntas. Crea un ambiente neutral que conecta de manera única con cada una. Hay una felicidad tangible. 

Ya viene el verano, pensé: aquí puedo venir a sentarme, escribir, leer y tomar un café. También puedes “comer y enamorarte”, comenta Lina. Observarnos, estar con los demás, estar presentes y amar el instante. Es un espacio para hacer una pausa, reflexionar y experimentar de una forma distinta. Cambio de lugar y el efecto es el mismo. Lo disfruto.

Para Lina, criada durante la guerra civil libanesa, la arquitectura es un medio para reparar y traer belleza al mundo. Su inspiración para este proyecto surge de sus recuerdos de la infancia y la idea de sentarse juntos a la mesa —À table— para disfrutar de la comida, o una taza de té y compartir momentos, ideas y experiencias. “Nuestra cocina nos arraiga en casa”, afirma Lina. La filosofía subyacente se basa en la Tierra como nuestra fuente de sustento. La mesa y las bancas, —diseñadas por Lina y fabricadas por The Conran Shop—, imitan la forma del follaje y permiten que todos se sienten en diferentes configuraciones.

“El futuro es ahora”, me dijo Lina. A medida que avanzamos, es importante reflexionar sobre el destino del Serpentine Pavilion. Quizás en otras ediciones, estas estructuras sean itinerantes y con enfoque social, en lugar de ser adquiridas por millonarios para uso privado. Solo el tiempo dirá qué nuevas historias se escribirán en estos jardínes.

Foto: Juan Carlos Calanchini González Cos

En palabras de Hans Ulrich Obrist, director artístico de Serpentine Galleries, este pabellón es urgente y oportuno. Recordó a Etel Adnan, reconocida artista y escritora libanesa-estadounidense quien expresó que “el mundo necesita unión, no separación. Amor, no sospecha. Un futuro común, no aislamiento”. Compartiendo raíces culturales con Lina, esto resuena con la idea de acercar a las personas. En un mundo plagado de crisis, el Serpentine Pavilion 2023: À table, de Lina Ghotmeh, ha despertado un anhelo por encuentros y conversaciones. Una invitación a estar más juntos.

El cargo Una invitación a estar más juntos apareció primero en Arquine.

En la biografía de Ghotmeh publicada en su sitio web, escrita por Christine Blanchet, se dice que, “si bien deseaba convertirse en arqueóloga, sus estudios en el departamento de arquitectura de la Universidad Americana de Beirut, la condujeron a interrogarse de manera distinta sobre las huellas, la memoria, el espacio y el paisaje, desarrollando sus proyectos con un acercamiento profundamente duradero y cercano, según sus propios términos, a una arqueología del futuro.” Ghotmeh estudio también en la prestigiosa École Spéciale d’Architecture, de París, y después colaboró en las oficinas de Jean Nouvel y Norman Foster. En el 2005 ganó el concurso internacional para el Museo Nacional Estonio y abrió su propia oficina.

Museo Nacional Estonio. Foto Takuji Shimmura.

En el sitio web de la revista Domus, se dice que en su concepto para el pabellón, llamado À table, a la mesa, ella plantea “repensar qué y cuánto comemos, cómo ‘consumimos’ y cómo tejemos nuestras relaciones unos con otros y con el mundo vivo, llevándonos a una comunión ecosistémica con la Tierra más sostenible.” En el periódico The Guardian, Oliver Wainwright escribe que Ghotmeh explica su propuesta diciendo:

Es un poco como Mary Poppins. Quise crear un refugio abierto que invitara, un lugar para sentarse y comer y hablar juntos en medio de la naturaleza y repensar nuestras relaciones entre nosotros y con el mundo vivo.

Interior de la propuesta para el pabellón. Lina Ghotmeh Architecture/Serpentine.

Otro proyecto reciente de Ghotmeh es Stone Garden, un edificio situado en la zona portuaria de Beirut que materializa la percepción de la arquitecta sobre su lugar de nacimiento. El proyecto surge con una nueva forma arquitectónica que traduce una lectura espacial sensible de la ciudad. Tomando sus raíces del contexto, retrata la capacidad de la arquitectura para actuar como una herramienta de curación y un actor activo en la construcción de la resistencia en tiempos de crisis.

El cargo Lina Ghotmeh es designada arquitecta del Pabellón Serpentine 2023 apareció primero en Arquine.

La apertura de Black Chapel dará inicio a una temporada completa de eventos creativos y participativos que incluyen conciertos de música experimental, intervenciones sonoras, talleres de arcilla, un panel de discusión y una ceremonia del té. Concebida como un espacio de encuentro, meditación y participación, con un énfasis en la música sacra, Black Chapel se convertirá en una plataforma para el programa de actividades para el verano de la Galería Serpentine ofreciendo reflexión, conexión y alegría al público. Asimismo, tomando como influencia la Capilla Rothko de Houston, Texas, Gates produjo una serie de obras visuales especialmente para el pabellón.

Siete paneles pictóricos cuelgan en la estructura interior. En estas obras, Gates buscó honrar el

oficio de su padre como instalador, utilizando estrategias de techado y soplete que requieren de una llama abierta para calentar el material y, así, fijarlo a la superficie.

El pabellón se compone predominantemente de madera estructural revestida de madera contrachapada tensada, además de tableros de piel y/o madera que fueron teñidos y tratados para uso externo. Otros materiales utilizados son el concreto prefabricado para los cimientos de la plataforma, los cuales fueron diseñados para ser removibles y reutilizables. Al interior, la estructura es aparente, pero se encuentra protegida de los elementos externos por una membrana impermeable. Black Chapel presenta tres grandes vanos: uno en el techo y dos en los muros exteriores, así como una medianera interior. Finalmente, el proyecto cuenta con dos salidas, una en el lado oeste del pabellón y otra en el este. Todas las salidas están graduadas a un máximo de 1:21 para que los ocupantes con movilidad reducida puedan salir del pabellón sin ayuda. La distancia máxima en el viaje de ida y vuelta a una salida es de 17,5 metros.

Theaster Gates ha declarado para el departamento de prensa de la Galería Serpentine que su pabellón pareciera albergar maneras de trabajo artesanal y formas de reunirse. “A través del espacio, la vasija produce modos de estar juntos y modos de entendernos. Black Chapel es un recipiente para aquellos que deciden reunirse”. Añade: “Es mi esperanza que Black Chapel logre ser un espacio para honrar la espiritualidad al tiempo que interrogue lo sagrado y fomente lo social”.

El cargo Nuevo pabellón de Theaster Gates en la Galería Serpentine apareció primero en Arquine.

Ubicada en los terrenos de Serpentine en Kensington Gardens, Black Chapel adquiere cualidades escultóricas al reflejar la experimentación continua de Gates con la creación de objetos de arcilla en su práctica de estudio, además de reflejar el interés del artista en la creación de espacios a través de varios proyectos de revitalización urbana. La circularidad y el volumen de la estructura hacen eco de la forma de un espacio sagrado o una capilla que protege y reúne. Una sola fuente de luz que proviene de un óculo crea un entorno similar a un santuario para la reflexión y la convivencia, ya que el Pabellón se convierte una vez más en una plataforma para actuaciones en vivo y reuniones públicas a lo largo del dinámico programa de verano de Serpentine.

El Serpentine Pavilion 2022 de Gates es parte de The Question of Clay , un proyecto de múltiples instituciones del artista que tendrá lugar en 2021 y 2022 en Whitechapel Gallery, White Cube, Serpentine y el V&A. El proyecto busca investigar la elaboración, el trabajo y la producción del barro, así como su historia de coleccionismo, a través de exposiciones, performances e intervenciones en vivo. La Cuestión del Barro pretende generar nuevos conocimientos, significados y conexiones sobre este material.

Theaster Gates (n. 1973) crea obras que se relacionan con la teoría del espacio, el desarrollo del suelo, la escultura y la interpretación. A partir de su interés y formación en urbanismo y conservación, el artista rescata espacios abandonados. Su trabajo se enfrenta a la noción del espacio negro como un ejercicio formal, definido por el deseo colectivo, la agencia artística y las tácticas de un pragmático.

En 2010, Gates creó Rebuild Foundation, una plataforma sin fines de lucro para el arte, el desarrollo cultural y la transformación de vecindarios que apoya a los artistas y fortalece a las comunidades a través de programas artísticos gratuitos y servicios culturales innovadores en el lado sur de Chicago.

Gates ha exhibido y actuado en Tate Liverpool, Reino Unido (2020); Haus der Kunst, Múnich (2020); Centro de Arte Walker, Minneapolis (2019); Palais de Tokyo París, Francia (2019); Museo Sprengel Hannover, Alemania (2018); Kunstmuseum Basilea, Suiza (2018); Galería Nacional de Arte, Washington DC, EE. UU. (2017); Galería de Arte de Ontario, Canadá (2016); Fondazione Prada, Milán, Italia (2016); Whitechapel Gallery, Londres, Reino Unido (2013); Punta della Dogana, Venecia, Italia (2013) y dOCUMENTA (13), Kassel, Alemania (2012).

Gates es el duodécimo ganador del Premio Frederick Kiesler de Arquitectura y Artes (2021). En 2020, Gates recibió el Premio Crystal por su liderazgo en la creación de comunidades sostenibles. Fue ganador del premio Artes Mundi 6 y recibió la Légion d’Honneur en 2017. Recibió el Premio Nasher de Escultura 2018, así como el Premio JC Nichols para Visionarios en Desarrollo Urbano del Urban Land Institute. Gates es profesor en la Universidad de Chicago en el Departamento de Artes Visuales y se desempeña como Asesor Principal de Innovación Cultural y Asesor del Decano en la Escuela de Políticas Públicas de Harris.

El cargo Black Chapel será la propuesta de Theaster Gates para el Pabellón Serpentine 2022 apareció primero en Arquine.

La Galería Serpentine designó a Theaster Gates para diseñar su pabellón en su edición 2022, cuya inauguración es uno de los eventos de arquitectura más relevantes a nivel global. El estudio Counterspace, Junya Ishigami y Frida Escobedo han sido los autores encargados de los pabellones presentados en las tres últimas ediciones, pero la historia del pabellón cuenta con otros nombres como Zaha Hadid y Frank Gehry, ambos galardonados con el Premio Pritzker, así como Bjarke Ingels, quien publicó un tutorial para que cualquiera pudiera construir, con simples hojas de papel, su propio pabellón de la Galería Serpentine con el diseño de su despacho. El registro visual de las piezas siempre documenta las propuestas formales de las construcciones, así como su paisaje: un sereno jardín británico. 

Ante la trayectoria del pabellón y de los arquitectos que la han formado, Theaster Gates representa un contrapunto: profesionalmente, está certificado como ceramista y planificador urbano. Su práctica escultórica forma parte del circuito de las ferias internacionales de arte, y lo que hace como desarrollador podría describirse en términos por demás tradicionales: adquiere propiedades para remodelarlas y activarlas, esperando imprimir una plusvalía en los vecindarios donde interviene. Pero, en una segunda lectura, es posible afirmar que Gates trabaja más bien con instancias de legitimación: la economía del arte y las herramientas mediáticas lo han llevado a rehabilitar no sólo vecindarios marginales, sino también a proponer discusiones sobre raza y clase. En una mesa de diálogo realizada en The New School en Nueva York (2015), que contó con la participación de la compositora y artista Laurie Anderson y la pensadora feminista bell hooks, Gates declaró que formarse a nivel universitario en una disciplina se concentraba solamente en “profesionalizar la posibilidad de hacer”. En cambio, para él “se trata de entender al arte como un conjunto de tácticas que deben incidir en el mundo”. Este espíritu utopista se compensa con pragmatismo. En la práctica de Gates, las solicitudes para becas y subsidios, así como la venta (por demás cotizada) de su obra proponen un discurso al que sólo algunos arquitectos, y para el caso, muy pocos artistas, se han aproximado de manera tan directa. “Nunca haría un mural para resolver un problema social”, declaró en una ocasión. “Se requiere dinero para resolver problemas sociales; se requiere tener conversaciones fuertes y poder político, y los artistas deberían apropiarse de estas cosas”.

En el lado sur de Chicago, Gates comenzó a adquirir casas abandonadas en uno de los barrios más pobres de la ciudad, donde la población es principalmente negra. Aliándose con Rebuild Foundation, institución sin fines de lucro, Gates remodeló una serie de infraestructuras que ya representaban un problema para la ciudad (el abandono de viviendas bajaba la plusvalía de los vecindarios), o bien, tenían un pasado violento: algunas de las casas que adquirió a muy bajo costo eran crack houses, sitios donde adictos adquieren e ingieren sustancias ilegales. Este conjunto de remodelaciones ha sido nombrado como los Proyectos Dorchester, conformado por la Casa del Archivo, la Casa de la Escucha, el Cine Negro [Black Cinema House], el Banco de las Artes Stoney Island y el Centro de Exhibiciones y Vivienda Dorchester. Aquí es donde las estrategias de Gates expresan una política que las meras acciones de gentrificación no alcanzan. Gates construye recintos culturales y viviendas al tiempo que forma archivos y programa actividades culturales donde una comunidad negra puede pensar los efectos del racismo sobre su propia vida. El Banco de las Artes Stoney Island, por ejemplo, alberga un archivo con artículos donados por la comunidad, pero también uno que fue hecho por el mismo Gates, conformado casi en su totalidad por objetos racistas. La representación que la comunidad tiene de sí misma convive con aquella dada por la historia de Estados Unidos. Por otro lado, el Cine Negro programa películas hechas por ciudadanía racializada pero también sobre la vida de la población negra, las cuales no siempre representan de manera positiva, pero que, según Gates, tienen que ser vistas e interpretadas por quienes son representados por el cine.

A decir del crítico Chris Dingwall, “mientras que los antropólogos coleccionan arte africano antiguo para formar museos con un cariz etnográfico, y mientras que los coleccionistas blancos del modernismo les quitaron su contexto a esos objetos para colocarlos en museos de arte moderno, Gates excavó los sistemas de poder que definieron los valores de estos objetos antiguos, fetichizando en abstracto las expresiones negras al tiempo que devaluando la vida de la ciudadanía negra”. Los recintos entregados por Gates son sitios donde se reflexiona sobre las ficciones y las realidades que han marcado la vida cotidiana de una población todavía minoritaria y todavía maltratada, sin mediaciones institucionales que, incluso, podrían edulcorar esta clase de programación cultural bajo términos mucho más amables para las audiencias blancas. Lejos de defender al museo o al cine como sitios donde la política tendría que ser separada del arte (y, por ende, de utilizar sus presupuestos para mantener un statu quo en cómo las instituciones artísticas hablan sobre racismo y pobreza), Gates interviene en sitios donde cualquier otro desarrollador retiraría su capital, uniendo ética y arte, como alguna vez hiciera Francisco Toledo con el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca o la recuperación de la antigua fábrica de hilados y textiles La Soledad que, actualmente, alberga el Centro de las Artes San Agustín.

Una de las críticas que ha recibido Gates es que construyó centros artísticos antes que donar infraestructura básica. En una Ted Talk dada en 2015, Gates responde que para él la belleza es un servicio básico ya que,las comunidades pueden apropiarse de sus vecindarios, sí, a través de infraestructura más digna pero también de lo que él llama “una demanda poética”. Recorrer la ciudad que se habita tendría también que nutrir la subjetividad, sobre todo de aquellos que han sido marginalizados sistemáticamente, como puede leerse en los paseos del personaje principal de Ciudad abierta, novela del autor nigeriano Teju Cole, en la que un hombre racializado, que vive en un cuarto pequeño en Nueva York, piensa sobre el racismo, la violencia económica y la filosofía en sus largas caminatas por la ciudad. La caminata y la ciudad provocan sus reflexiones políticas y poéticas. 

El diseño de Theaster Gates para la Galería Serpentine aún no ha sido revelado. Pero su inclusión en la historia de tan célebre pabellón tendría que pensarse contraria a la mera cuota racial y como una propuesta de la galería para pensar la arquitectura y sus consecuencias sociales.

El cargo El pabellón de la Serpentine y Theaster Gates apareció primero en Arquine.

La apertura del Pabellón Serpentine programada para este año se pospuso hasta 2021 debido a la pandemia del coronavirus.

El edificio de Counterspace debía abrirse el 11 de junio de 2020, sin embargo hoy la Serpentine Gallery anunció que su apertura se realizará en 2021, aunque sin anunciar nuevas fechas. David Adjaye, asesor de la Serpentine Gallery, dijo que el aplazamiento era necesario ya que se necesita más tiempo para producir el pabellón tras el cierre de actividades en el Reino Unido y gran parte del mundo.

En febrero de este año fue anunciado que el estudio sudafricano Counterspace construirá el Pabellón Serpentine 2020 utilizando corchos y ladrillos reciclados, y se centrará en las experiencias de las comunidades de inmigrantes de Londres.

«El pabellón se concibe como un evento: la unión de una variedad de formas de todo Londres en el transcurso de la estadía del pabellón», dijo la arquitecta principal Sumayya Vally.

Counterspace esta formado por Sumayya Vally, Sarah de Villiers y Amina Kaskar, que fundaron el estudio en Johannesburgo en 2015, serán las arquitectas más jóvenes en diseñar el pabellón de verano de la Serpentine Gallery . El año pasado, el estudio utilizó espejos para reflejar la contaminación que se cierne sobre Johannesburgo por los desechos mineros.

El cargo La Serpentine Gallery anuncia que el Pabellón Serpentine abrirá en 2021. apareció primero en Arquine.