Parallels: Alternative paths in architecture

Alejandro Hernández Gálvez: In previous conversations, we discussed the need for artists, architects, and many other professions to do what they are supposed to and the different impediments that this “obvious” but not common condition in the predominant labor systems. How do you arrive at this idea of a “parallel system” to the existing ones?

Nicolay Boyadjiev: The key word is parallel. I think many arguments in this space are exactly that: arguments, framed as “A versus B”, “good versus bad”, “this over that”’ etc. This is perhaps an inherited intellectual or disciplinary habit, to advocate “against” or “in opposition” to a seemingly given or de facto condition which must be rejected wholesale for something else and “better” to appear… In the world of architecture, speaking from direct personal and professional experience, I could certainly think of situations in which such rhetoric is applicable, not at all because it accurately reflects reality but simply because it “works”… But I don’t believe this to be the right framing for our work. I often use “para” instead of “anti”, “better”, etc. because the Practice Lab experiments with parallel models of commission missing within the industry: alternative funding conduits to enact change and transform the built environment otherwise. We’re interested in alternatives to traditional philanthropy in architecture rather than perpetuating the perception of this work as “charity” or the “rewarding” of past achievements. Simply put, our work is about creating and exploring an alternative space of possibility for architectural production, currently unaddressed. 

Trojan horse: Architectural creativity and resistance

AHG: I can’t avoid thinking about the possible conflicts between philanthropy and the industries that support it. Younger generations of my students, for example, react to the clothing industry by rejecting things that don’t follow their values and questioning them. Would you describe the relationship with the philanthropy industry in architecture as a sort of Aikido to use the strength of large corporations that fund it to do something else?

NB: Perhaps, but not entirely. As a student or working as a young designer within various large corporate architectural firms over 10 years ago, I was definitely inspired by a comparably lateral, strategic approach, well described in an influential book at that time titled “Dark Matter and Trojan Horses” published by the Strelka Institute in Moscow which I would eventually join. Aikido could metaphorically be interpreted as a useful guiding principle for what design could be, especially if you don’t have the upper hand. However I believe it still implies an adversarial relationship, an “opponent” which could unwillingly be “subdued” to our so-called wit or made compliant into a role they weren’t willing to play in the first place. While appealing in theory because it elevates the supposed power of design, unfortunately, in practice I have found this perspective to grossly overestimate the actual leverage and strategic acumen of designers, and grossly underestimate the actual contextual awareness and intelligence of their patrons. 

Through re:arc institute’s Practice Lab, we’ve interpreted the intersection between philanthropy and architecture as a potential opportunity space hiding in plain sight, and rather that slyly attempting to manoeuvre our way through either of these industries at face value, we  hope to clearly articulate an alternative “common sense” for more thoughtful overlaps across both sectors beyond the simple proliferation of award galas, temporary pavilions, or other symbolic or performative gestures. 

AHG: So how did you manage to build a parallel system that works for both worlds?

NB: It’s an interesting question because our stakeholders so to speak are very different from traditional “clients” in architecture, and this in both directions. Both our supporters and advisers at the Inter IKEA Foundation, as well as the professional practitioners and local communities with which we collaborate with on the ground, understand the non-commercial character of the projects that we wish to support, thus liberating the outcomes from the pressures of “ROI” (Return of Investment) in conventional market terms. But interestingly, both also understand the activities that we fund as “work” — quite literally — or labor rather than charity, which is a crucial unifying thread across both worlds. It’s ultimately important to recognise architecture, independent of all of its poetic, mellifluous, self-aggrandising metaphors of “frozen music” or “liquid stone” etc., as fundamentally a type of work as in its literal sense of “force x displacement”: the herculean effort required in the deliberate mobilisation of resources, capital, materials, energy etc. to transform the built environment according to social guidelines that are hopefully meaningful, responsible, and viable in all directions… I think architecture’s non-profit sector ought to possibly interpret its role and impact in similar terms: the search for more inclusive, egalitarian, inventive ways to enable site-specific work that is needed, but for which there are no traditional state or market incentives or traditional “clients” to commission it…

To answer your question perhaps in more direct and pragmatic terms, it becomes interesting to overlap both industries — architecture and philanthropy — and test how they can, cannot, and could transform one another. What alternative funding mechanisms could support the “under-realised” within philanthropy (i.e. “what we should do more of”), but also the “unrealised” and even currently “unrealisable” within architecture (i.e. not only “what we don’t do”, but “what we can’t do” under current existing paradigms)? The Practice Lab is rearc’s space of learning by doing, where we explore these poles, support the realisation of built architectural projects in local contexts, and therefore in the process strive to prototype new contractual relationships and legal pipelines to transparently channel “non-profit” funding to “non-non-profit” architectural studios and professional practitioners realising meaningful work that would otherwise go unrealised because often unrealisable under current structures. 

Botanical Garden for Aquatic Collections. Connatural. El Carmen de Viboral, Colombia. Cortesía: re:arc institute Practice Lab

Leviathan: Designing legal frameworks for philanthropic architecture projects. 

AHG: Thinking about the legal system that you work with. There has been a lot of theory about how norms and laws make buildings and cities possible to be as they are. As architects, how do you work in that field?

NB: Yes — and similarly, I’m struck by the fact that there has also been a lot of theory on “platform design” in architecture, given how various tech platforms have popularised this term over the last decade and made it something that we think about in the context of urban design. There is much to say on this topic which would warrant a much longer conversation, but what I think is useful for design in this context is an understanding and appreciation of the notion of restrictive while generative path dependency; how any change or transformation is enabled and therefore constrained by the many “tracks” that have been laid by a platform in advance. The legal systems we have similarly act as entrenched yet generative platforms, allowing some things to happen while others not. And coming back to architecture, I think the biggest challenge of our century will be the deliberate and effective transformation of such protocols of space-making which give shape to our built environment. 

If you think about both the legal system and to some extent the construction industry as a whole as platforms, the design project ahead of us will require enabling alternative relationships between site, “clients”, communities of users and professional practitioners, formalised by alternative legal pipelines and frameworks for distributing resources and decision-making in accountable ways, resulting in more socially and ecologically responsible built structures. Our part of this project focuses on a specific niche of this problem, at the intersection of philanthropy in architecture, but nevertheless, this is the actual design project that I think 21st century designers and architects ought to focus on well beyond the proliferation of standalone signature buildings or “masterpieces”. Obviously, these are my own personal beliefs at least as much as they are reflective of the lab’s overall agenda, but my general point is that this is a locus of activity that has first to be recognised and identified in order to be taken more seriously as a design discipline, with its own creative or “aesthetic” pleasures. 

Shades of colonialism / The best of both worlds: Nonprofit work in developing countries.

AHG: Currently, I try to think in these terms more often than before, “imperialism”, “colonialism”, and all of that, that we are dealing with, in everything possible. I would like to better understand these legal dialogues between Latin American legal and banking systems for example and the Danish ones. How do you conciliate possible frictions or misunderstandings and how do you avoid possible colonialism shadows in the process? How does the organization value different practices and evaluate the authenticity of projects in different contexts? 

NB: We acknowledge the challenge of setting up a nonprofit in Denmark while working in a range of very diverse geographies. I think being officially based in Copenhagen has enabled us first and foremost to build a stable, robust, responsible contemporary operating model for grant-making, which embodies the flexibility and trust-based values underlying our mission. Copenhagen is also a fantastic context for our creative legal design experiments — in collaboration with our pro-bono legal advisors Kromann Reumert —  where we learn from and adapt the existing philanthropic legal frameworks I was mentioning.  

At the same time, over 75 percent of the lab’s projects are currently in Latin America, working with architecture studios in Mexico, Colombia, Ecuador, Argentina, Peru, etc. Our model is such that we approach practitioners who are embedded within a local context; they are invited and commissioned to work on a proposal within a relevant local context and with a relevant local community over a period of 3-4 months, after which they share their proposal with us and our advisory board to confirm its built realisation on the basis of the concept’s alignment to the institute’s mission, and their secured strategy for the project’s afterlife, maintenance and ongoing operation. We never dictate the proposal’s program, nor community of users, nor location, and are not interested in replicating traditional competition dynamics where we act as a foreign jury evaluating the “architectural merits” of an intervention in a context we don’t understand as well as they would. 

In this sense, this trust-based model enables architectural decision-making about the project to happen on site between the practitioners and their communities, and philanthropic legal design to happen in Denmark where we can more effectively innovate on the funding structures required to make such a model possible. 

La Palomera Bosque Barrio. Enlace Arquitectura. Caracas, Venezuela.
Cortesía: re:arc institute Practice Lab

Designation: Selecting architecture practices for community-based projects. + The task: commissions not awards + Replicability of the model?

AHG:  Another question that comes to my mind is regarding the selection of the practices and the accountability of the whole process. How do you choose and evaluate the different practices? How do you perceive the difference between an award and a grant? 

NB: We work both with locally rooted independent researchers and established cultural organisations across various geographies of focus in order to curate and shortlist practices whose work is representative of the contextual, site-specific and community-led approaches we wish to support. For each annual funding cycle, we select 10-12 practices whose portfolio of existing built work features examples of projects and processes making a positive social and ecological impact on their immediate context, blurring the line between which is which. Additionally, we actively seek out examples of their community engagement and participatory design experience, past collaborations with relevant local organisations and NGOs, and proven ability to share and disseminate knowledge through the production of open-source materials and public advocacy.

To me at least this is very different from an “award”. My own sense is that, paradoxically, when architectural awards are bestowed they often tend to do more for the organisation handing out the award than for the recipient in question: prestige and cultural clout have perhaps been exchanged hopefully in both directions, but honestly the underlying power dynamics remain unchanged. In our case, we try to work with situated practitioners who perhaps haven’t managed to parachute “starchitecture” around the world (and perhaps haven’t yet managed to get “awarded” for it…), but whose continued involvement in their own context has led to a unique understanding of the local conditions and opportunities of a potential project, as well as the trust and lasting relationship with their local extended communities to make it happen. I would even actually qualify this process differently to a traditional “grant” — in which the practice is its own stakeholder working on their “dream project”— as I see it closer to a “commission”, albeit for in very different kind of “client” relationship centered around their local stakeholder rather than the funder.

AHG: Do you think this model could be replicated by other philanthropists? What are your concerns on the evolution of the Practice Lab?

NB: Replicability not only of the projects but also of the funding model in itself has always been a very explicit goal and ambition of ours. We are working on what we call the “blueprinting” of this process, with the hope of demonstrating both the “what” and “how” to other non-profit foundations potentially working at the intersection of architecture and climate action. In particular, we are interested in demonstrating the actual “impact” of such a way of working in the non-profit sector. It’s not a secret that the architecture industry is famously terrible at communicating its long-term impact, partly due to the timescales in which buildings operate and evolve but also due to the barrier of entry we often maintain ourselves, which is why it’s also been easier for the non-profit initiatives in our field to double-down on awards and cultural production which totes its own type of “engagement” impact metrics, typically though social media eyeball fracking. There is surely value in this, but there is also value in exploring different ways of activating resources for the built environment, and prototyping different metrics within broader alliances. 

Patterns: Similarities and differences across practices and outputs. 

AHG: As you are running the first cycles, maybe it’s too soon to be sure but do you see a common way of doing projects between all these firms? Have you discovered some more frequent typologies than others?

NB: Yes, there are at least two patterns. For one, I think there is a methodological pattern in the ways of working and communication in which practitioners have engaged their local communities  — their “actual” clients and interlocutors so to speak. The projects that have resulted from this dialogue have enabled a very different type of “authorship”, highly contextual and communal rather than atomised at the scale of one individual in particular. This was refreshing in itself. Another pattern, which may answer your question, has been the emergence of a distinct typology of projects slowly coming into focus at the contours of all 30+ proposals we are currently realising. Given the sample size, we haven’t nor do we necessarily want or need to coin a name for this typology just yet, but I sometimes refer to it internally as “hybrid infrastructures” given the projects’ dual and nurtured ambiguity between social and ecological impact in their given context.

Water Intelligence Hub. ORU | Oficina de Resiliencia Urbana. Oaxaca, México.
Cortesía: re:arc institute Practice Lab

Impact and scale: Scaling impact through multiple small interventions.

AHG: Going back to the part of the scale of the ideas, the scale for this change in the way we consider the profession has to be huge. How do you plan to face that challenge? Should you increase your team?

NB: The institute itself currently consists of a relatively small team of 12 people or so, whereas our little lab consists of only 4 people collaborating across 3 different time zones: our projects lead Olga, our operations coordinator Anita, our research coordinator Betina, and myself. I’m personally comfortable with the size of the institution and am extremely grateful for the daily dedication and diligence of everyone at re:arc! I don’t necessarily think we need to increase the size of the team. And there are also different ways of thinking about “scale”. The most common way is to think of it in terms of growth, but I prefer to think of it in terms of multiplication. This is very relevant both for us but also for any project with ambitions of “planetary” impact, which is sometimes misunderstood as meaning one really big action across the entire globe or one really big “solution” for everyone in the world. But the word “planetary” doesn’t actually mean large scale; it means across scales, both spatial and temporal. From the atomic to the atmospheric, it means multiple scales working together in recursion. In this sense, we hope to achieve planetary impact through the multiplication of several site-specific interventions working recursively together towards something bigger than the sum of their parts. As such we hope to scale re:arc’s efforts through working in parallel with diverse actors and partners living up to the cultural, geographic and disciplinary diversity we’re aiming towards the same goals. 

Education: Alternative institutional models for philanthropy in architecture.

AHG: One of your backgrounds is education, both academic and non-academic. Do you see the Practice Lab as a parallel to normal education? Or it’s needed to go further in that effort and build another way of teaching this system of doing? 

NB: In many ways, I think I was very lucky in my own atypical educational trajectory. Originally interested in organic chemistry of all things, I attended a well-ranked although fairly conservative engineering-centric Canadian architecture school in the late 2000s, which at the time at least was socialising us into the profession through a diet of sanding intricate balsa wood models, freehand sketching on yellow tracing paper (the “yellow” was important), and a weekly dose perhaps of Viollet-le-Duc or Ruskin over anything remotely related to the conversation we’re having now… While this was a noble attempt at preserving a romantic vision for an otherwise fleeting sense of professional identity, dignity and self-importance during the financial crisis, even back then in my early twenties I felt that this wasn’t a viable framework to navigate with the so-called “real” design forces and parameters that actually shape the built environment with any real agency. In my late twenties, after a few years in corporate professional practice, I tried to remedy this by upending my career and moving all the way to Moscow to join the now defunct Strelka Institute for Media Architecture and Design, where Rem Koolhaas and AMO had famously laid the foundations for an alternative pedagogical model predicated on research and the disenchantment with traditional heroic narratives of architecture. Starting from a researcher, then a faculty and eventually co-director, I was very fortunate to have a role in shaping the curriculum that I wish I had attended as a student, and am very grateful to everyone involved in that institute over my years there. 

For me this experience was strangely instrumental to the conception of re:arc institute, where with a larger team of creatives I was invited to contribute to a joint vision for an alternative institution for philanthropy in architecture. As a whole, re:arc institute now both supports and spearheads various pedagogical initiatives indeed parallel to traditional education, and I see the Practice Lab as one more cyclical experiment in “learning by doing” — both meanings of the the word practice, i.e. both making but always making imperfectly  — where practitioners can realise meaningful projects and pass on their learnings to the next generation during future cycles. 

Cycles: Creative process and sustainability in architecture.

AHG: How do you imagine other offices will react when they learn about it? Will they send emails or apply? Or how do you control this possible vertex or information? 

NB: Well we are still a young organisation and haven’t had to deal with an avalanche of solicitations just yet, although a formal “expression of interest” process is something we’re currently working on. To be honest, I find we’ve actually had the opposite problem so far; when reaching out to offices we were interested in collaborating with, many of them were suspicious or skeptical, and some even discarded the invitation as an intricate attempt at spam. “Who calls you out of the blue and asks to give you money for a self-initiated project like that?” Luckily, now in our fourth cycle, we have built a robust community or “cohort” of practitioners that can vouch for the fact that this is real when they get asked… 

My hope is that potential lab collaborators see this invitation for what it is: a vote of confidence in continuing to do the work that they already do. An opportunity to mobilise their professional expertise and existing local knowledge and networks in the service of their immediate social and ecological context. Basically, a commitment to identify unaddressed challenges in their communities and apply their know-how on a meaningful co-created brief. 

AHG: How to find the offices is the main question.

NB: Working together with my close collaborator and former Strelka Institute colleague Olga Tenisheva, we’ve repurposed the design-research approach of that former institution to discover relevant researchers and organisations who help us build up a rolodex of potential grantees in response to tailored geographies and open-briefs. This effort has resulted in a very vibrant community of young people dedicated to applying their thinking in identifying potential partners and following the projects throughout the process, something which I think is of tremendous value in itself.  For each new cycle we also crowdsource suggestions from our former Practice Lab collaborators, who are truly in the best position to recommend future co-conspirators in this collective experiment. 

I should also mention that we have openly shared the outcomes of our ongoing research in a public online directory developed and maintained in collaboration with Non-Extractive Architecture. This has been a great way to share our findings with a broader community, and create a platform where future offices can recognise our mission as analogous to their own, self-identify as a potentially relevant fits, and ask to be included to the ongoing directory. This has been another way of testing potential configurations for two-sided dialogue while avoiding the usually highly laborious, stressful and uncertain “open-call” dynamics which sink countless hours of unpaid labor from practices whose efforts would be better spent otherwise. I’m speaking here again from personal experience.

AHG: Talking about these cycles, how do they work, and what results do you expect from them?

NB: Twice a year, we select 8-10 practices and commission them to work on a project proposal together with a local community partner over 3-4 months, which they present to us and our advisory committee through a short executive summary, presentation and 3-5 minutes context video at the end of the proposal phase. Moving into the realisation phase, practices receive a budget up to 250,000.00 EUR to build the project, which the community will subsequently own and maintain.  We are currently working with over 30 practices in over 20 countries at various stages in this process, with 22 of them currently in construction. 

Proposal cycles are deliberately short, without the expectation to submit a fully resolved architectural project. The objective is to effectively communicate a context, concept, community and afterlife strategy. Something that I have learned during my years in education, and in which I am still a firm believer, is that project concepts are strangely often much better after a six weeks rather than a six months sprint. After a while, you start second-guessing yourself to the point of paralysis given the need for more input, or worse, you assume you’ve resolved every aspect of the “solution” you’re pitching despite the superficially short amount of time allocated. Six weeks is a good amount of time to commit to an opportunity for exploration which, if the proposal gets approved because it truly aligns with re:arc institute’s mission and the actual needs of the community, practitioners will have up to 2 years to develop, resolve and realise in collaboration with them.

Pooling Xoloc, Taller Capital, San Lucas Xoloc, México. Cortesía: re:arc institute Practice Lab

Afterwards: Designing buildings with community partnerships in mind.

AHG: Regarding the ecological but also economic sustainability of the product, how long are you going to be watching the building after its construction, and in what terms? In Mexico for example we have a complete oblivion regarding public buildings but also on the other side, we have the neoliberal ghost of privatization. So how do you conceive the functioning of buildings and their sustainability and for how long?

NB: Frankly speaking, this is one of the main challenges our experiment hopes to address, as in this alternative funding process the “afterlife” of the projects has been the most difficult to outline from a legal perspective: who will own the project? Who will be responsible to maintain it? How? 

Since we are deliberately decentering ourselves as the client, we pay very close attention to the suggested ownership and maintenance strategies of each proposal, because we don’t want to create a burden for the communities in case there was no basis or actual need for the project in the first place. This is partly why it is so important for practices to work closely with a very specific community of users from the start; yes to accurately identify the core purpose and program of the proposal, but also to layer an ongoing sense of caring involvement, responsibility and custodianship for the resulting outcome. I see the practice as contributing to bringing forth not only a built structure, but also an ongoing relationship between a site and its social context, arguably architecture’s actual end product regardless of whether it’s consciously acknowledged or not by the designer. And as this relationship will outlast most architects’ contribution, it is taken into account by us early in the process. Concretely, this means that each project’s realisation is contingent on finding a formal or informal public or institutional body able to contractually take on the responsibility of its afterlife under the terms of the proposal, something which happens in a variety of ways depending on the project. ]

Something that has also been very interesting for us in this atypical process are the alternative institutional constellation of relationships and arrangements that have started to emerge. We see public bodies taking on roles or functions that they wouldn’t have otherwise due to all sorts of political reasons or priorities, or secondary external non-profits stepping in to program and support spaces that they never would have been able to build due to the traditional constraints on philanthropy in architecture that as I’ve mentioned we are working to change. For me this complementarity is an extremely fascinating outcome in itself that will warrant more attention as this experiment continues.

The formula: Architecture, philanthropy, and climate change. 

AHG: It’s interesting because, in a way, you’re using the philanthropy project as a way of dismantling the classical idea of the patronage from the king or the prince who is your owner who wants to build a cathedral, to the corporate corporation that wants to do to build a building, to the nonprofit that wants you to build hybrid infrastructures. Could it be a real change in the way that buildings are built by a diverse group of stakeholders? 

NB: Buildings have perhaps always been built by very diverse group of patrons, but in our current professional imaginary I sometimes feel that we are stuck in a reductive false dichotomy of “public vs. private”, “state vs. market” and so on which has genuinely limited our ability to conceive and actually design viable contemporary alternatives. As mentioned, I strongly reject the idea of philanthropy as charity and therefore of labelling the architecture that we are trying to enable as “humanitarian” or “social” or “sustainable” in any way that conveniently brackets it away from the rest of architecture. For me, it’s architecture full stop, not a lesser form of something else. My point is that architectural design begins well before the design of the building: it’s preceded by the design of relationships that allow buildings to emerge one way or another, which is preceded by the formal or contractual obligations that have been designed to enable these relationships to actually take place, which in turn is preceded by the institutional frameworks that enable and enforce these obligations…  If we start from the other direction, I believe that we can design institutions, which can design formal mechanisms, which can enable and support the actual informal relationships which can give rise to these “hybrid infrastructures” or whatever name we apply for this typology of work that we wish to enable. Another way of saying this: as patronage structures are in themselves design outcomes, it is not enough to keep trying to design alternative “dominos” – we need to design alternative “domino chains” which enable both the dominos we have and the dominos to come to fall in more desirable and viable patterns.

UYRÁ Community Center, Sem Muros. Ubatuba, Brasil. Cortesía: re:arc institute Practice Lab

Expiration date: Climate change and architectural design. 

AHG: Getting a bit pessimistic, John Turner, Oscar Hagerman, and other authors that today are eighty years old or more, told similar things back in the 60s and 70s and we let them go like a marginal thing to other predominant discourses. Now we are interested in those discourses. Do you think that the urgency of climate change will make this time to open our eyes or you might become the Lucien Kroll of the 2060’s? 

NB: Well I’m from Bulgaria, which is famously recognised amongst the most pessimistic countries in the world… but I am not a doomer. I don’t doubt that by hook or by crook we will eventually transition to something else, an alternative social and economic paradigm more suited for the long-term viability of our survival on this planet from the standpoint of our “species”. But what actually matters are the terms of that transition for the many, a category I would extend past our own species as well. 

The terms of that transition are not certain at all. For me, a key lesson from the baby-boomer radicalism of the 60s-70s is the urgent necessity to part ways with its nostalgic impulses for utopia vs. dystopia, good vs. evil, or other binary morally-derived frameworks applied to ecological design. I share your admiration for the work of Lucien Kroll for example, but I truly don’t think that his concept of “incrementalism” is a sufficient framework we can champion or advocate for in good faith given the scope of our contemporary planetary predicament. One “optimistic” hope that I allow myself is that by the 2060s – and this probably more due to necessity than anything else – our society will have finally caught up to or come to terms with the scientific planetary disclosures of the 1960s in terms of our role, impact, and limited albeit extremely real and material design agency on the ecological systems within which we’re contained. This in turn should have finally changed how we think about architecture, site-specificity, social and ecological justice, and all the other important topics we’re touching upon.

Phantoms of the past: The quest and building of normality. 

Pablo Goldin: The Kyoto Protocol was already more than 30 years ago and not much has changed. I see in the work of the institute a constant effort to normalize what today seems strange and translate it into pedagogic and professional pathways to follow. My one and last question would be how you imagine you can continue into this “normalization” of architecture and design to face climate change and become something structural?

NB: I don’t know if I have a satisfying answer for this; in many respects, this process of “normalization” is an uphill battle on all fronts, especially since we seemingly continuously even condition ourselves to overuse and overvalue words like “radical”, “revolutionary”, “rebellious” etc. as part of a default rhetorical strategy, particularly in the design and cultural production fields. You can sense that I am critical of this declarative approach but this is mainly from a pragmatic standpoint, as I think that the project of an alternative “common sense” in architecture is far more difficult and impactful than the short-term dopamine effects of potemkin radicality or any false self-narrative of exceptionalism. With that in mind, one way I can imagine this normalization could take place is through the silent, diligent articulation and reaffirmation of different “norms” within the industry, brought about by different agents and organisations that collide with it from different directions as is our case with the Practice Lab through philanthropy. Architecture, for better or worse, is a risk-averse profession and a discipline based on precedents. Its catch-22 is that for something to exist, it has to have existed, so you can point at it. In our work, we hope to create and display realised case-studies that not only have a direct impact on their immediate surroundings and for their immediate communities, but in aggregate also prove the value of these new norms for spatial production through their very presence which you can point to and which speaks for itself, possibly more effectively than any radical manifesto ever could. 

Eco-Social Oasis 9 de Julho. RUINA. São Paulo, Brasil Cortesía: re:arc institute Practice Lab

El cargo A project of projects: re:arc institute’s Practice Lab, Hybrid infrastructures for the planetary well-being apareció primero en Arquine.

Pablo Goldin Marcovich: Ahora que hablábamos de clientes y comisiones, creo que es interesante que, dada la escala de proyectos en los que ha trabajado una oficina como ORU. Creo que es interesante trabajar a tal escala, ¿cómo se desarrolla tu práctica con estas preocupaciones?

Elena Tudela: En cierto modo, rearc nos ha permitido diseñar el proceso con el que queremos trabajar. No siempre empezamos con un punto de partida. Partimos de un planteamiento muy sistémico de los proyectos, del propio diseño e incluso del territorio. Eso significa proporcionar lo necesario en el territorio para que se produzca una conversación en la que el diseño desempeñe un papel. A veces se trata de comprender la realidad y las complejidades del sitio. A veces es necesario que desarrollemos esta comprensión de lo que es la observación y cómo desempeña un papel en el diseño. Así que también es necesario reconocer la incertidumbre. Y esta es la realidad en la que nos encontramos en un momento en el que se están superando seis de los nueve límites planetarios. No hay fórmulas para resolver estos problemas. Así que tenemos que empezar a probar cosas. Por eso estamos muy contentos con este proyecto de rearc, el Water Intelligence Hub, que es el proyecto del Practice Lab que estamos desarrollando en el río San Felipe (Oaxaca). Quería hablar un poco de cómo este proyecto también nos ha permitido pensar en quiénes somos, hacia dónde queremos ir y entender el diseño como algo que, en cierto modo, definimos como diseñadores. No es que la arquitectura esté grabada en piedra y la gente pueda decir: “soy arquitecto porque hago esto”. Más bien se trata de cómo podemos definir la arquitectura a partir de lo que hacemos. Así es como entendemos nuestra práctica. Nos dedicamos sobre todo al espacio público y colectivo. Así que para nosotros resulta muy relevante entender modelos innovadores de financiación, incluido el modelo rearc, y reforzar de manera constante nuestra capacidad administrativa para lograr proyectos con cierto potencial transformador.

Eso es lo que buscamos. ¿Cómo podemos hacer posibles transformaciones mayores de forma positiva, y siendo conscientes de cómo nuestras decisiones de diseño repercuten en el territorio? A veces nos damos cuenta de que no estamos logrando el impacto que queríamos. Eso también forma parte del aprendizaje. Para nosotros, volver al proyecto y diseñar el propio proceso forma parte del diseño, hasta el punto de que definimos nuestra oficina como un equipo de equipos. Eso ha sido todo un reto en muchos sentidos: por razones financieras, pero también por cómo formamos el equipo para un proyecto específico. Así que ahora se han unido a nosotros algunos colaboradores de Brazilian Cities Catalyst. Acabamos de regresar de un proceso participativo en Miravalle (Iztapalapa), muy similar a lo que estamos haciendo en Oaxaca para el proyecto del Practice Lab, y estamos aprendiendo sobre la marcha. Si estoy entendiendo la postura de Taller Capital, estoy de acuerdo con ellos en el sentido de que estos proyectos invitan a replantearte cuáles son las herramientas del arquitecto. Y, para nosotros, según lo que aprendimos en las escuelas a las que asistimos, estas herramientas se convierten en un conjunto que podemos aplicar a cualquier cosa que diseñemos, ya sea una idea, un mapa, un proceso o, como he dicho, una mesa, lo que sea, o incluso una exposición. Así que se convierten en herramientas que se utilizan de diferentes maneras. Y eso se convierte en parte de nuestra práctica en términos de adaptación: de cómo estamos transformando el mundo, pero también de cómo nos estamos transformando a nosotros mismos como profesionales. ¿Qué significa ser un profesional hoy en día? Como decía Isadora, también intentamos integrar las cuestiones urbanas y medioambientales, que son esferas interdependientes que hemos separado y entendido desde un punto de vista binomial, cuando en realidad necesitamos entenderlas de una manera más íntegra. Así es como funciona la realidad. Han sido las prácticas las que han separado estos dos ámbitos. Así que nosotros nos basamos en el marco de los sistemas sociológicos y los procesos de colaboración para conseguirlo. Y una forma de hacerlo es comprender la historia y el papel que desempeña la evolución de un lugar. Pero esa evolución se explica desde un punto de vista muy narrativo. Es un diseño en sí mismo. Y no es un diseño que provenga sólo de los diseñadores, sino también de las comunidades que han entendido sus territorios y su pasado de una manera muy especial. Se trata de recoger eso y luego averiguar cómo eso se convierte en una conversación con el futuro. Y eso también forma parte del diseño.

De izquierda a derecha: Vicente Guallart, Isadora Hastings y Elena Tudela. Foto: by Jasso

Pablo Goldin Marcovich: Muchas gracias, Elena. Vicente, creo que es muy interesante este tema: hablar un poco de la escala, porque has trabajado en Barcelona y Moscú, o distintas ciudades en China y Corea. Entonces hay una práctica que va de la ciudad hasta proyectos minúsculos, como lo que están haciendo en Valldaura, en esta especie de granja tecnológica, donde hay un pequeño invernadero que ahora está volviendo a crecer a edificios y quizá vuelva a crecer a ciudades. Considero que es interesante hablar contigo sobre todos estos cruces de escala, pero también de posición: desde el gobierno, la academia, la práctica personal y profesional.

Vicente Guallart: En primer lugar, es un placer volver a estar aquí en México, y en este lugar fantástico en el que no había estado nunca [Laguna]. También ver cómo ha ido creciendo Arquine. Yo creo que estuve en un Congreso Arquine en 2010, antes de los congresos Mextrópoli, y creo que es fascinante ver toda la cultura alrededor del proyecto, las discusiones y prototipos que se han ido creando. Tuve la suerte de estudiar en una escuela de arquitectura muy mala. Y, por lo tanto, siempre pensé que se podía mejorar. Lo que hacía era viajar. Nací en Valencia y acabé en Barcelona, en la época de los Juegos Olímpicos y, en realidad, también pensé que había una gran contradicción en lo que nos decían. Nos dejaban leer a estos señores, a Mies van der Rohe, Le Corbusier o Walter Gropius, que hacían cosas increíbles; y en aquella época del posmodernismo lo que se construía era algo lamentable. Culturalmente no había ningún tipo de ambición. Por lo tanto, siempre pensé que sería fascinante vivir en una época de cambio, revolución, transformaciones, etc. Afortunadamente esa época llegó: empecé mi carrera como arquitecto en Barcelona y luego tuve mi despacho; tuve una empresa multimedia (hacíamos una cosa que los más jóvenes no conocerán: CD-ROMs de arquitectura); hicimos algunas de las primeras webs de arquitectura del mundo, cuando el world wide web casi no existía, y por ahí empezó mi conexión con el mundo digital. Luego, en 2000, tuve la oportunidad de fundar con un grupo de amigos el Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña (IAAC), porque creíamos en esta idea de que la educación tenía que ser diferente. Ahora mismo tenemos, cada año, alrededor de 300 estudiantes de 70 países. Siempre ha sido un lugar muy internacional y, por lo tanto, lo más fascinante es poder aprender de la gente joven. Yo enseño porque quiero aprender, y cada año es una aventura diferente.

Estando en el IAAC, siempre explicaba que en realidad somos como las fuerzas especiales, una gente que lleva el último rayo láser, el último robot, que tiene el mejor software. Pero un día me propusieron ser arquitecto jefe de la ciudad de Barcelona y de repente pasé de trabajar en un lugar en donde éramos gente muy especial, muy radical, a un lugar en donde lo que tenías que hacer era gestionar las fuerzas regulares. Es como si a un general de las fuerzas especiales lo ponen a dirigir el tráfico de una ciudad. También estuve trabajando en una época de crisis, después de 2008, con todo el colapso de la economía global, junto a un alcalde que confiaba mucho en nosotros. Hicimos un mantra: “Barcelona ha de ser una ciudad autosuficiente, formada por barrios productivos a velocidad humana, dentro de una ciudad hiperconectada y de cero emisiones”. La primera parte de la frase ha venido a ser lo que se llama ahora “ciudad de los 15 minutos”, la ciudad de los barrios de velocidad humana que en Barcelona dibujamos desde hace años y cuyo término más bien acuñaron en París. Hoy en día, la ciudad de las cero emisiones es el mantra oficial de la Unión Europea, y con el reto del cambio climático hablamos de hacer un continente de cero emisiones; en China hablan de 2060; en México no sé si habláis de estos temas. Por primera vez, desde que yo recuerdo, hay una especie de objetivo entre económico y tecnológico que nos tiene que llevar hacia una situación diferente. Esto se puede comparar con lo que ocurrió hace 100 años exactamente, después de la primera guerra mundial, cuando se fundó la Bauhaus, que fue también un momento de transformación total, donde de repente el hormigón pasaba a ser un material nuevo, había una arquitectura, un nuevo hacer con un nuevo material. Y ahora estamos en una situación similar.

Ahora mismo tenemos un despacho en Barcelona llamado Urbanitree, fundado con Daniel Ibáñez —que es arquitecto también educado en Harvard, ex IAAC—, y ahora mismo desarrollamos proyectos radicalmente ecológicos. Ganamos un concurso, hemos construido el edificio más alto de madera en España, que es un edificio de viviendas sociales. Estamos acabando una escuela en Camerún que siempre me lleva a esta reflexión sobre cuál es nuestra relación con la gente. Cuando estaba en el Ayuntamiento de Barcelona, o trabajabas con la gente o si no la gente te mataba. Lo que ocurre, en general, es que si tú le dices a alguien, como un comerciante, “le voy a peatonalizar la calle, no pasarán coches”, te dirán que es imposible. Pero el día en que lo haces, de repente a este señor le cambias la vida, porque es rico, va mucha más gente, vende más cosas. Aquí en Camerún llegamos con la idea de que era un colegio hecho para unas monjas españolas, pero cuando llegamos ahí les dijimos que íbamos a hacer un edificio de madera aquí. Y dijeron que no, que era imposible, que ellos sólo construían con hormigón. El resultado, como siempre, después de un proceso de diálogo, de comprensión mutua, ha sido esta torre de agua: toda la estructura es de madera, el nicho es de ladrillo comprimido. Es increíble que África, que es el continente que tiene uno de los procesos de urbanización más grandes, esté utilizando recursos que le vienen, principalmente, de China. Es un territorio lleno de unos recursos naturales increíbles que son explotados todavía por la gente extranjera, y lo que hacen es vender ahí los coches de tercera mano y el cemento que ya no queremos en Europa. Entonces, hay un reto muy importante también de encontrar la fórmula de los proyectos en estos lugares.

Después de haber fundado y trabajado en el instituto, trabajamos ahora en Valldaura: somos propietarios de un bosque de 130 hectáreas, y cada año lo que hacemos es volver a esta idea de ser guerreros de fuerzas especiales y, por lo tanto, les enseñamos a los estudiantes a cortar árboles, a producir madera industrializada y hacer edificios industrializados. Creemos que el arquitecto no sólo tiene que diseñar, sino que tiene que aprender de muchas profesiones y tiene que ser como la gente en las fuerzas especiales, que habla 7 idiomas, trabaja con 23 softwares, saber utilizar todos los robots, y al final ser capaz con todo esto de hacer contribuciones y acelerar la transformación allá en donde viva. Ese sería mi estado actual de las cosas.

Pablo Goldin Marcovich: Me gustaría resumir muchos de los temas aquí, creo que es interesante el actual momento. No sólo el momento de esta conversación, sino también el momento de estas prácticas. ¿Cómo ves rearc, tu trabajo y otras obras en estos términos de tiempo de lo que está sucediendo ahora y lo que ocurra, tal vez, en 2050?

Nicolay Boyadjiev: Algo como la arquitectura está en constante transformación. No es que ahora esté cambiando, podría decirse que siempre ha estado cambiando, desde que yo era estudiante y probablemente desde mucho antes. Yo también fui a una escuela de arquitectura bastante mala, pero también fui un mal estudiante de arquitectura. Así que allí hay dos cosas negativas para hacer una positiva, creo, porque en realidad había mucha curiosidad acerca de cómo anticipar el cambio en la profesión y lo que sería necesario para que un diseñador del siglo XXI opere de una manera significativa.

Y creo que lo que está cada vez más claro, que ahora es el momento de lo que llamamos hacer consciencia o participar en el discurso. Podría decirse eso de nuestra generación, pero podría decirse que desde la década de 1970 se ha rebasado este punto. Lo que ha cambiado es la urgencia de intentar definir no sólo el qué y el porqué, sino realmente diseñar nuevos cómos. Considero que esta es la inspiración que hay detrás del laboratorio: hacer prototipos a partir no del qué y el porqué, que son dolorosamente obvios para todos los implicados en sus consecuencias, sino pensar en los cómos del diseño, y creo todos los profesionales de este panel han sido realmente creativos a la hora de definir los cómos. En términos de tiempo, creo que este es el impulso que estoy viendo personalmente. Muchos jóvenes profesionales son cada vez más creativos en el cómo y, por tanto, deben surgir nuevas instituciones para dar cabida a esa energía, de modo que puedan desarrollar su potencial como arquitectos en un cómo muy diferente. Esa es mi rápida reflexión al respecto.

Pablo Goldin Marcovich: También considero que, hace 10 años, cuando Vicente vino al Congreso Arquine, era un momento de visualizaciones y renders, como los de Norman Foster de Masdar City; o los de Ciudad Futura de Atlantic College. Así que todos estábamos contentos con este tipo de visiones. Pero ahora creo que es muy importante mostrar, construir cosas, hacer, tender puentes mediante ejemplos, aunque suene religioso. Y en ese sentido, el trabajo de Isidora, o el trabajo de los alumnos de Vicente, es muy claro en mostrar cómo la gente organizada no siempre necesita una solución que sea como un deus ex machina. Isadora, ¿cómo es esta experiencia con personas que no somos constructoras desde el principio, pero nos convertimos en constructoras? ¿Y cómo te conviertes tú también en líder, no sólo reconstruyendo edificios, sino también comunidades rotas?

Isadora Hastings: El trabajo cambia mucho cuando llegamos a una comunidad y la cultura constructiva está viva, porque trabajamos con materiales naturales y locales. La gente sabe en dónde están las tierras, qué funciona para hacer el adobe, o en dónde está la madera que resiste para una estructura y cuál es la que se usa para puertas y ventanas. Cuando la cultura está viva es fácil, porque ellos dan todas las soluciones. El diseño participativo también es muy importante, porque hay distintas técnicas que hay que ir adaptando y adecuando a la cultura, a lo que existe ahí, y lo vamos construyendo en conjunto desde el diseño hasta la planeación, la implementación, el uso y mantenimiento. Me encantaría hablar sobre la pregunta que le hiciste a Nicolay sobre el tiempo, que es muy interesante, porque también estos procesos son de largo aprendizaje requieren más tiempo que sólo llegar y simplemente hacer el qué, el objeto. Eso también implica muchas decisiones que va tomando la comunidad, y lleva tiempo, porque son espacios de diálogo, reflexión y consenso. Cuando metemos a la naturaleza, eso es otro tiempo que necesitamos: trabajar con materiales naturales y locales. Es importantísimo el tiempo de recuperación que le damos a la naturaleza, y todo eso implica un proceso de aprendizaje, distinto de cualquier otra construcción. Ahí regresamos un poco a otra manera de hacer diferente a la inmediatez que vivimos ahora.

Pablo Goldin Marcovich: Y en ese sentido, Elena, ¿cómo articulas estos tiempos entre la visión regional y a gran escala para 50 años? ¿Cómo concilias visiones a largo plazo con la necesidad de actuar inmediatamente en tu práctica?

Elena Tudela: Lo que acaban de mencionar me parece muy relevante, porque hay múltiples escalas de tiempo y espacio que hay que contemplar, y cada proyecto debería preguntarse cuál es la escala correcta de tiempo y espacio para hacer frente a distintos objetivos. Porque un proyecto puede perseguir distintos objetivos simultáneamente. ¿Cuál es el objetivo? Para planificar un proyecto hay que empezar a entender qué es lo que hay, hacia dónde quiere ir lo que está ahí, y hacia dónde sería útil o inteligente ir, de manera colectiva. Para nosotros no es tan problemático abordar la escala territorial o la escala pequeña, porque creemos que al final del día responden a objetivos específicos. Como bien dice Isadora, muchas veces tenemos varios proyectos que pueden tomar siete años nada más en proponer su objetivo. Adelantarse a algo implica un fracaso. Para mí es muy importante que la arquitectura se plantee constantemente cuál es el éxito y el fracaso de un proyecto. Hace rato hablábamos de cómo plantar un árbol era relevante en una escala micro, en la que hicimos cuatro cosas, e incluso en el proyecto de rearc son intervenciones bastante acotadas. Y la relevancia que tienen en el territorio. Hay veces que, sí, las instituciones te piden una planeación regional en tres meses, y tenemos que recoger lo que hay y ver hacia dónde se va. Pero eso siempre cambia. Por otro lado, también hay que admitir que no sólo la arquitectura cambia, lo que está cambiando es absolutamente todo. Y, en ese sentido, hay que pensar en cómo se opera en una condición en la que todo está cambiando todo el tiempo, y se materializan cosas. Hay un componente técnico, pero también un componente de visión, y creo que hay que ser muy abiertos a qué visión le está apostando cada materialización.

Pablo Goldin Marcovich: Y en ese sentido, Jose Pablo, mucho de su trabajo con Sedatu iba hacia lo retroactivo: cuando ya existe el tiempo de planeación, si la tragedia llega antes de la planeación, pues tienes que ir un poco más por la acción. Quisiera entender, en su práctica, cómo es este trabajo para reparar e ir un poco hacia el pasado.

Jose Pablo Ambrosi: Cuando trabajamos con la Sedatu fue en un contexto de comunidades irregulares, o sea, en espacios que se autodiseñaron y autoconstruyeron. Entonces, la infraestructura empezó siendo cero, y poco a poco se fue llenando de infraestructura con estos lazos extraños de beneficio, como invadir tierras a cambio de beneficios electorales o políticos. Estas comunidades, cuando llegamos, usualmente ya tenían agua o luz, muchas veces no tenían calles, y lo último que llega es el espacio público. Nos dimos cuenta de que una de las razones por las cuales no se puede atender al espacio público en zonas de suelo irregulares es precisamente porque el gobierno está imposibilitado de hacerlo: es ilegal meter dinero en un predio que no sea del gobierno, ya sea municipal o estatal. Entonces, hay todo un esfuerzo por hacer con la propia comunidad y una bola de abogados para lograr que esos espacios se puedan intervenir. Ese contexto legislativo hace que el espacio público sea lo último o lo menos importante, cuando en realidad debería ser lo primero. Simplemente con meter iluminación, la inseguridad se reduce, y hace toda la diferencia en el uso por los niños y adultos mayores: se pueden ejercitar, respirar aire limpio. Desde el lado de la arquitectura, lo que es impresionante cuando llegas a estos lugares es que como arquitecto muchas veces ni siquiera tienes que hacer demasiado. Con que conectes, o pongas suficiente iluminación, vegetación, está prácticamente hecho. Gran parte del diseño no está en crear espacios bellos, sino en crear espacios que realmente tengan un propósito de mejora continua. Conocer cuáles son las herramientas que te da el diseño puede mejorar aspectos de los proyectos frente al cambio climático, la inseguridad, el tratamiento de agua o su captación. Eso es lo que nosotros hemos llamado retroactivo, porque son todas estas cosas que ya deberían tener para cuando nosotros llegamos como arquitectos. Es muy satisfactorio lograrlo, por un lado, pero muy transformador para dichas comunidades.

Pablo Goldin Marcovich: Vicente, en estos términos de tiempo, mucho de tu trabajo está relacionado con el futuro. Ahora con tus alumnos estás trabajando casi de una manera prehistórica, en el sentido de que agarran un árbol y lo trabajan con herramientas futuristas. En este “futurismo prehistórico” en el que estás trabajando, ¿cómo concilias tu práctica?, ¿cómo ves posibles respuestas a todo este drama temporal?

Vicente Guallart: Es una pregunta muy buena, Pablo. Cuando vinieron las directoras a ver la escuela, hablaron de una cosa muy rara, y es que el edificio que hemos hecho en Camerún tiene, por un lado, una parte de arquitectura ecológica africana; por otra, un diseño racionalista catalán; y otra parte de ambiente zen japonés. Y la directora lo llamaba “arquitectura ancestral”. No obstante, lo que más me interesa es la historia. Lo que me fascina en el fondo seguramente no es el momento presente, y este momento no presente tiene que ver con la historia y cómo la historia se repite, cómo podemos aprender de las cosas que han ocurrido, de los momentos de progreso y decadencia. Uno de los momentos que más me interesa es el mundo medieval, el momento de construcción de las ciudades, el momento de cómo hacía catedrales una gente cuyo edificio más alto tenía tres plantas. Para abordar el futuro, nosotros en este Instituto tenemos un margen de trabajo que son entre 10 y 15 años. Nunca trabajamos ni a 50 años ni a 2 años. Ahora podemos ver exactamente lo que está pasando, y lo que pasó hace 100 años con la Bauhaus, con el periodo entreguerras, el nacimiento de los fascismos en el mundo. Y todo esto en el fondo nos debería hacer temblar de lo que puede pasar en el futuro; pero, al mismo tiempo, es un momento muy, muy creativo. Por lo tanto, creo que hay una conexión muy directa entre el pasado y el futuro. Y en ello estamos.

Pablo Goldin Marcovich: Para terminar, ha sido interesante escuchar estas cinco voces tan distintas y entender cómo, en la arquitectura como profesión, no podemos simplemente esperar a que llegue una comisión o un cliente para abordar nuestras inquietudes. Creo que ha sido revelador cómo algunas de estas preocupaciones pueden transformarse no sólo en un proyecto, sino también en una práctica y, sin duda, en una forma de vida. Espero que hayamos logrado transmitir este mensaje y que sirva de inspiración para todos ustedes. Muchas gracias a todos y, por supuesto a rearc institute, a Mextrópoli y a todos los participantes de esta mesa.

El cargo Prácticas paralelas (2/2) apareció primero en Arquine.

Pablo Goldin Marcovich: Muchas gracias a todos por estar aquí. Quiero agradecer al equipo de Mextrópoli que apoyó este encuentro, porque no era tan obvio; a Nicolay y a rearc institute, quienes también impulsaron esta mesa; y, por supuesto, a Irina y a Lorena, que nos recibieron. Esta mesa parte de conversaciones que se han tenido a lo largo del tiempo y las geografías —en Moscú, México y Barcelona—, y con oficinas que trabajan con intereses similares, pero desde lugares diversos y siempre paralelos: instituciones, la academia, sistemas económicos. Si bien hay muchas similitudes, también hay muchas diferencias. Cabe señalar primero que necesitamos crear un espacio común para esta conversación, ya que tenemos perfiles muy distintos. Cada uno de los participantes dará una introducción corta a su trabajo, y luego tendremos una discusión sobre aquello en lo que estamos en acuerdo y en lo que no. Primero que nada, todos los participantes son, de cierta manera, productores. No todos los proyectos que se presentan ahora han ocurrido así, pero ellos han construido los proyectos y necesitaron impulsar una idea y transformarla en una comisión. Es importante decir que para todos estos participantes la arquitectura es una herramienta para la interacción, un instrumento. No se trata sólo del edificio en sí, sino también del diálogo y las interacciones que se generan alrededor de él. Y, por supuesto, estas operaciones en paralelo. Cada uno de ustedes ha recorrido un camino que visualizan, impulsan y hacen posible. Y, para hacerlo posible, ¿en qué consiste su práctica?, ¿qué tipo de despachos son ustedes?, ¿cómo financian estas visiones?, ¿cómo se involucran en estas diferentes conversaciones con actores para sus prácticas? También queremos entender cuál es el tipo de instituciones que incluyen en sus prácticas. Por último, de la misma manera en que hablamos de paralelismo, tal vez esto sea lo “paranormal”, algo que es extraño en un principio, pero que debería volverse habitual en el futuro. Me gustaría darle el micrófono primero a Nicolay.

Nicolay Boyadjiev: Hola, muchas gracias a todos por venir. Voy a hablar en inglés porque, créanme, es mejor que mi español y probablemente también mejor que mi búlgaro. Soy arquitecto y trabajé como tal durante una década en la práctica corporativa. Después fui codirector del Strelka Institute for Media, Architecture and Design en Moscú que, como tal vez algunos de ustedes saben, es una escuela experimental con un ambiente muy similar al de Laguna. Así que estoy muy feliz de estar aquí. Ahora soy uno de los cofundadores y codirectores de rearc institute, que es una nueva organización sin fines de lucro en el espacio entre la arquitectura y el clima, con sede en Copenhague. Más en específico, soy el director del Practice Lab [laboratorio de prácticas] de esta institución, que es básicamente la unidad donde tratamos de hacer experimentos paralelos, en la intersección entre la filantropía y la arquitectura. Es el propósito de las unidades experimentales de rearc hacer tantos experimentos como sean posibles en filantropía. Algo que también es interesante en el contexto de la conversación de hoy, es que realmente pensamos en este como un espacio de aprendizaje por medio de la práctica: básicamente, un lugar en el que construimos y aprendemos a través de lo que construimos junto a organizaciones sin fines de lucro. Trabajamos directamente con estudios de arquitectura para crear prototipos de diferentes modelos para la filantropía y la arquitectura. Filantropía típicamente significa que uno trabaja con organizaciones sin fines de lucro. Por fortuna, o por desgracia, también hay un montón de grandes organizaciones sin ánimo de lucro, como despachos de arquitectura que tienen experiencia en contribuir a este problema. De tal manera que nos enfrentamos a que existe la capacidad y la voluntad, pero no necesariamente pueden resolver estos problemas, porque, desde la iniciativa privada, los clientes no están interesados. Y, en el lado del financiamiento público, a veces los gobiernos no tienen esto entre sus prioridades. Así que nuestro laboratorio está tratando de encontrar diferentes modelos para trabajar de manera directa con los arquitectos profesionales.

Nos dimos cuenta de que estas dos industrias tan importantes, la filantropía y la arquitectura, tenían mucho que aportar, pero no tenían ninguna relación. Después de investigar, vimos que la arquitectura es una industria muy destructiva en términos climáticos. Es responsable de alrededor de 37 o 40% de las pseudoemisiones de carbono, y eso es sólo usando una métrica muy estúpida como el dióxido de carbono (CO₂). Yo estaba muy sorprendido de ver que sólo 2% de la filantropía se dirige a la mitigación del cambio climático. En realidad, no es 2%, sólo 8 de ese 2%. Básicamente sólo 1% de la filantropía va a la arquitectura. Del mismo modo, más o menos sólo 1% de la filantropía se dirige al medioambiente, en comparación con lo que la industria de la construcción construye cada año. Así que nuestro equipo estaba muy interesado en encontrar una forma paralela de trabajar con la industria de la construcción tradicional, que tal vez puede venir del sector sin fines de lucro. En esencia, había que encontrar relaciones más significativas entre la filantropía y la arquitectura.

Ese es nuestro laboratorio, es lo que tenemos tatuado (no les voy a enseñar en dónde). Así que, básicamente, lo que hacemos en el laboratorio es comisionar, investigar y asociarnos con organizaciones muy interesantes, e invitar a despachos profesionales a que propongan y lleven a cabo proyectos específicos, de iniciativa propia y dirigidos a lo que las comunidades necesitan, pero que actualmente no tienen clientes a quienes encargarlos y, por lo tanto, no se realizan. En otras palabras, que no haya un cliente público o privado no significa que algunos de estos proyectos no deban llevarse a cabo. Así que intentamos transferir dinero, lo cual parece fácil de decir, pero en realidad a veces es bastante difícil de hacer por la legislación con organizaciones sin ánimo de lucro.

Así que la forma en que normalmente trabajamos es curando la selección de despachos. De hecho, dos de ellos (Taller Capital y ORU) están hoy en el escenario con nosotros y hablarán más en concreto. Pero, en esencia, las contactamos, les llamamos por teléfono y les convencemos de que no somos spam. Y luego identificamos un desafío, una oportunidad o un proyecto interesante que cada comunidad necesita. Los despachos trabajan durante tres meses, y les pagamos 20mil euros para trabajar durante otros tres o cuatro meses con comunidades locales. No es caridad, les encargamos este trabajo y luego reciben un presupuesto de construcción que ronda el cuarto de millón de euros para los proyectos. Así que los despachos son totalmente responsables de decidir qué construir con sus comunidades. Nosotros no dictamos lo que construyen, intentamos mantenernos al margen porque ellos saben mejor que nosotros lo que se necesita.

Lo que hacemos es documentar este proceso y crear diferentes tipos de contratos para poder hacerlo más a menudo en el sector no lucrativo, y compartimos estos contratos con otras organizaciones para construir más proyectos que la sociedad necesita, aunque no haya clientes. Hoy en día trabajamos con 24 despachos de todo el mundo, y muchos de ellos están en América Latina. Considero que todos ellos son ejemplos de este tipo de prácticas paralelas para trabajar en arquitectura. Los llamamos proyectos híbridos de infraestructura, que mezclan programas sociales y ecológicos para producir proyectos en beneficio tanto para el bioma como para la comunidad que está allí. Así que, cuanto más miras estos proyectos, menos sabes si son sociales o ecológicos. Confunden al espectador por su hibridez. Mi perspectiva sobre esta cuestión de las prácticas paralelas es que, como diseñadores y arquitectos, no sólo tenemos que construir, sino pensar en los medios para lograrlo, en los mecanismos, relaciones e instituciones.

En otras palabras, el laboratorio trata de operar en esta especie paralelismos —donde se piensa en los mercados y la filantropía, lo financiado y no financiado—. En verdad tratamos de encontrar un nicho particular, un tipo particular de proyecto que no se parezca a los concursos interminables que producen una cultura de ganadores y perdedores, sino que encuentre una forma paralela de hacer arquitectura. Así que el laboratorio de prácticas es el diseño de una institución que hace este trabajo.

Isadora Hastings. Foto: by Jasso

Pablo Goldin Marcovich: Ahora le toca a Isadora Hastings. Justo en esto que mencionaba Nicolay al final, la mesa va a ser un poco mixta, como la frontera entre México y Estados Unidos. Isadora, ¿podrías hablar sobre esto último de diseñar las instituciones y la propia oficina para logra el tipo de proyectos que realizan ustedes en Cooperación Comunitaria?

Isadora Hastings: Cooperación Comunitaria es una organización sin fines de lucro, la cual lleva 12 años trabajando con comunidades rurales e indígenas en México, justamente las que están más marginadas, las más vulnerables a todas las amenazas naturales. Y, de un tiempo para acá, también son las más vulnerables ante los efectos de la crisis climática. Desde hace 12 años empezamos a trabajar con algunas de estas comunidades indígenas en Guerrero, Oaxaca, Chiapas, Hidalgo o Yucatán. Trabajamos para reducir la vulnerabilidad, aumentar la habitabilidad de estas comunidades, a través de un modelo integral y sistémico que no sólo trabaja recuperando y revalorizando la arquitectura tradicional de estas comunidades que, de por sí, ya está muy adaptada al contexto cultural y climático, sino que también lo ve como un sistema y un modelo integral en relación a lo productivo, ambiental, territorial y sociocultural. Trabajamos con un diálogo de saberes, considerando y valorando el conocimiento que tienen las comunidades y aportando nuestro conocimiento académico, que pueda mejorar o reforzar estas estructuras para reducir esa vulnerabilidad.

Trabajamos con una metodología que lleva la producción y gestión social del hábitat, en donde lo interesante es el proceso, no tanto el objeto, el resultado final, sino todo este camino en donde la participación de las comunidades es muy importante. Hay una participación colectiva, no sólo individualizada, en donde hay interaprendizajes también. En todo este proceso nosotros nos asesoramos técnicamente y también acompañamos estos procesos de manera integral para reducir el riesgo. Es muy importante para nosotros hacer diagnósticos, no sólo de las arquitecturas o construcciones —porque también trabajamos en procesos de reconstrucción integral en estas comunidades después de un desastre socionatural—. Entonces, el diagnóstico es de suma importancia para entender el contexto y el ecosistema, para entender la cultura, las vulnerabilidades y las amenazas a las que están expuestas las comunidades. De ahí pasamos a una etapa de diseño participativo, planeación y organización colectiva con las comunidades para implementar los procesos. También estamos muy enfocados en el uso y el mantenimiento, porque hemos perdido este hábito por mantener las estructuras constructivas. También el cuidado de la naturaleza, ha hecho que las comunidades se vuelvan más vulnerables.

Entonces trabajamos también mucho en recuperar estas prácticas del mantenimiento y analizar el uso. Ahora que la crisis climática afecta cada vez más a estas comunidades, hemos implementado estrategias como la gestión integral del riesgo para que, trabajando con las comunidades, no sólo se refuercen las estructuras constructivas, sino las productivas y ambientales.

Jose Pablo Ambrosi. Foto: by Jasso.

Pablo Goldin Marcovich: Algo interesante, ahora que Nicolay mencionaba las infraestructuras (y hablando del trabajo de Taller Capital y Jose Pablo Ambrosi), es que en todas partes se habla de ellas: queremos diseñar nuevas infraestructuras, que los edificios hagan más cosas que sólo servir como vivienda. Esto genera muchos problemas para crear los puentes entre las dos acciones. En el caso de Taller Capital es interesante ver cómo lograron combinar infraestructuras de agua y espacio público, porque eso implica un diálogo con instituciones y secretarías de agua. ¿Cómo puedes profundizar en esto?

Jose Pablo Ambrosi: Nuestra práctica viene de que la arquitectura se enseñó de una forma, cuando nosotros estábamos en la escuela, que probablemente continúa en cierto grado, enfocada a hacer objetos de arte y responder al programa que te da un cliente. De hecho, todos los ejercicios son “este es tu cliente, el terreno y el programa, tú dedícate a hacer el objeto más bonito que se pueda”. Y si lo haces, sacas un diez. En la práctica nos hemos dado cuenta de que la arquitectura se concentra últimamente en sofisticar ese objeto de arte. Tanto, que deja de lado el poder que tiene la arquitectura, y lo ha tenido siempre —desde que empezó la idea de arquitectura o incluso más atrás—, para suturar la ciudad rota. Y el discurso arquitectónico se ha elevado a tal grado que es un discurso hoy en día excluyente: no todo el mundo lo entiende; y además muchos de los temas en los que discutimos en las bienales son irrelevantes para el grueso de la sociedad. A raíz de todo este entendimiento, lo que nos gusta a nosotros, o a lo que hemos tratado de dirigir nuestra práctica, es a estos lugares que se “autodiseñan” y están, de alguna manera, olvidados por la práctica arquitectónica. Ahí es donde hay un campo enorme, como decía Pablo. A lo mejor ahorita somos pocos, pero hay un campo inmenso ahí en esos sitios olvidados, en esas partes de la ciudad rota, para detonar una mejor calidad de vida.

Esta la idea de que van a venir y te van a encargar un proyecto porque eres muy bueno o muy famoso. Nosotros pensamos que eso es poco interesante y, aparte, es difícil de acceder a trabajos porque todo el mundo está compitiendo por lo mismo. Lo que creemos es que el arquitecto se puede convertir en un generador del propio trabajo. De alguna manera creemos que este proyecto, Albercas de Xoloc, representa muy bien eso de lo que estamos hablando hoy. Este proyecto surgió después de intervenir en este pueblo que está a tres minutos del Aeropuerto Internacional Felipe Ángeles (Estado de México). La Secretaría de Desarrollo Agrario, Territorial y Urbano (Sedatu) nos pidió un proyecto para regenerar el centro histórico y mitigar ciertas inundaciones. Después de ese via crucis, que no fue fácil, tuvimos la oportunidad de conocer a la comunidad. De hecho, muy al principio no nos querían en la comunidad, porque llegó este ente arquitecto-gobierno que les quería imponer un proyecto. Al final, se logró negociar y adaptar el proyecto a las necesidades del pueblo, y eso provocó que tuviéramos una buena relación con la comunidad y el ejido. A partir de entonces nos pidieron una serie de intervenciones para mitigar las inundaciones y captar agua de lluvia. Porque en ese lugar se inundan las calles, pero además se sufre desabasto de agua. Si ellos, en lugar de pagar para sacar esa agua, la pudieran captar y reutilizar, sería mejor. Teníamos esta necesidad, por parte de la comunidad, y encontramos el fondeo por parte del Practice Lab de rearc. Y se logró este proyecto que está en proceso, en donde se trata de captar toda el agua potable y fluvial de una de las calles, llevarla a unas piscinas, y que luego se convierte en un centro comunitario, de cultura gastronómica y albercas. Y esa agua se pueda reutilizar para el riego de la agricultura.

Hablando del tema de las prácticas paralelas, pensaba en qué tantas prácticas se requieren para que un proyecto se lleve a cabo. La academia es muy importante en este sentido. Loreta Castro, mi socia, ha sido maestra desde tiempo atrás y ha sido fundamental para tener capacidad de investigación, además de todos estos contactos o conexiones con otras prácticas que nos facilitan nuestra labor. El gobierno, en este caso el federal, y la Sedatu nos encargaron este primer proyecto que eventualmente se convirtió en otro, que fue un pedido de la comunidad: el sistema de aguas local al que teníamos que darle una solución, y que plantea esa relación entre el arquitecto y la institución, y no estar esperando hasta que te busquen a ti. Hicimos match con el enfoque filantrópico de rearc, porque este es el tipo de proyectos que nadie financia. El gobierno federal está buscando proyectos grandes, masivos, que den impacto. Hay muchas instituciones, secretarías y tales (como Educación, Seguridad, Salud), y cada una tiene su propia tipología; pero para esta tipología —que es una pequeña tipología de espacio público, con infraestructuras suaves de agua— no existe un canal para el fondeo y es claro que los municipios no tienen dinero para ello. Estar abiertos a este tipo de colaboraciones ha sido muy rico para lograr este tipo de proyectos que son diferentes a la mayoría.

Y luego, además de esta relación con las comunidades, hay que tener o participar en una forma de colectivo, porque al final todos estos proyectos requieren de una serie de personas con distintas profesiones, si no, no se pueden hacer. Nos ha funcionado mucho trabajar con personas especializadas en el manejo de diseño participativo, como Cecilia Barraza, Juan Carlos Cárdenas, Alberto Cruz y el ejido de Xoloc con el que, a lo largo del tiempo, ya tenemos una relación muy cercana. Todos los proyectos que hemos hecho han sido con el doctor Juan Ansberto Cruz, y sin la pieza vital de un hidrólogo es muy difícil que un arquitecto se aviente un proyecto así. Hay muchísimos otros aspectos por mitigar o resolver, y el diseño no tendría que ser un objetivo, sino una herramienta que nos ayude a no evaluar los proyectos por si son bonitos o feos, sino juzgarlos a partir de en qué medida mitigan problemas de la ciudad.

Aquí puedes leer la segunda parte de “Prácticas Paralelas”.

El cargo Prácticas paralelas (1/2) apareció primero en Arquine.

[Versión en español]

The 100th anniversary from the Bauhaus and the 99th anniversary from the Vkhutemas are good excuses to analyze contemporary educational practices of design and architecture. On the one hand, a historical comparative can be suggested to understand the challenges that educational institutions faced in the beginning of the Twentieth century and the challenges these are facing nowadays. On the other hand, this occasion invites us to focus on the concept of its pedagogical models and components, the ambition of the schools, their impact, and their relation with the space and the context where they occur, as much as the similarities or differences in the definition of role of the architect and the discipline. 

Whereas similarities can be found between this two moments in the history of architectural and design education could this be described as an influential relation or simple circumstantial mirages? What lessons or speculations could be produced? 

Pablo Goldin: The interview occurs in the 100th anniversary of the Bauhaus, the 99th anniversary from Vkhutemas and 10 years from Strelka, all similar but different stories about new institutions in the beginning of new centuries. I would like to focus in the origin of Strelka, what was the trigger for this phenomenon, what what the mission or the statement and how that has evolved? 

Nicolay Boyadjiev: The stated mission of Strelka Institute is to “change the physical and cultural landscape of Russian cities”, but this could also apply to the city more broadly, with a focus on research interests that may exceed what we would normally define as the built, “urban”condition. That being the statement, there are always local, international, global ambitions, and sometimes they work together and other times they may branch out. In the local context, I believe there was a lack of conversation on what is the role, value, potential of the city as an institution for its citizens. Before helping to shape the city, it’s important to help shape the conversation about the city; this was part of the Strelka DNA from the very beginning. In order to have an impact on the physical landscape of the city, it’s important to nurture and support an ongoing dialogue and conversation about the city. This is partly why Strelka isn’t necessarily an architecture school but rather an institute for Media, Architecture and Design – all three of which being explored laterally and in parallel, without hierarchy. The Media project, the communication project of this “cultural landscape” of the city is as fundamental as the more traditional architectural and urban component. 

P: We could say that the Institute had a double mission: having an educational role and being able to generate conversations with the students as much as with the general public…

Olga Tenisheva:  I think from the beginning, in the founder’s perspective, a way to achieve a significant social or economic progress is to focus on the people who are going to drive this progress, so Strelka has always been about the human capital first of all, before the research and the projects that come out of the Institute. If you want to do things differently, you need to educate new types of professionals and we are thinking of  Strelka as an institute where you learn to step outside of the boundaries of your profession and respond to the complexity of the contemporary environment and work in fields that have not yet been formalized. Basically, being able to navigate in them and come up with new types of solutions.  We aim at creating a platform for education and a space for new types of discourses. I think another ambition was to also put Moscow on the radar as a place where these types of conversations about issues of contemporary urbanism take place. 

N: Another important aspect of the educational mission is the fact that it involves both internal and external audiences. It’s not only about “educating” professionals but also about creating a space for the public and professionals to brush against one another and exchange ideas, partly also about identifying Moscow as a place on the map where this can happen. Professionals invited here are very conscious of the fact that in order to implement and enact positive change, they need to communicate these ideas to other audiences who aren’t fully immersed in the profession. If you compare the institute to other more traditional academic environments, at Strelka you could say that we are interested in blurring the threshold between the forum and the academy to the point where even the layout of the space is one which attempts to exemplify and embody these values. So starting such a platform from scratch was an exciting project both in terms of the curriculum and the approach to the institutional design itself. Part of it is also about treating the space as an ongoing prototype, since part of the institute’s mission was to continuously reinvent itself even through its physical infrastructure, at the heart of Moscow. This is something that I think was very important from the beginning. And also, as a former graduate from the education programme of the Institute, I think you want to come here because of this friction with the real world that comes mediated through the container of this courtyard getting filled with different content through events, activities and audiences.

O:  Today it feels like Strelka has always been here but back in the day it was a very unique project for the City, not similar to anything else that  was happening. So part of the ambition was to formulate new standards for different types of educational activities and programs. 

N: One of the interesting facts about the ten years evolution is the fact that the institute was almost designed as a platform or ongoing “protocol layer” for education. This implies a flexible methodology and structure to run an interesting programme that can actually continuously adapt to newly relevant content which is itself self changing. So as you have probably experience, at Strelka we don’t necessarily have a full time faculty pushing an agenda over long periods of time; it’s more about the balance of creating something that is rigid enough to be structured, but also fluid enough to to let things flow through. And following this logic, the institute has reinvented itself several times over the relatively short time which is ten years. Perhaps even Strelka’s logo looks somewhat like a skeleton framework, perhaps partly paying homage to the constructivist heritage, but also in terms of referring to the structuring properties of analog and digital platforms. The point being that as an institution you are able to evolve; changing in relation to how the surrounding city around you is also changing. 

P: So maybe this flexibility has allowed Strelka to stay in shape, to avoid the danger of losing the moment?

N: Yes, to keep the momentum and institutionally adapt and respond to the changes that inevitably come. Which is not always a luxury that more formal education institutions may have. 

P: Talking specifically about architecture, how this word or discipline reflects on the school? The classic idea of an architectural education that is related to the smell of cardboard, models and ink and half-zombie students rushing to a plotter is not something you observe here. But still the institute uses the word architecture, it hasn’t dropped that term.

N: I think currently in architecture schools there is a lot of ongoing introspection about the profession. It’s a profession that seems to be in permanent crisis about its own role and identity. I think at Strelka we are interested in a different type of discourse, as we’re not necessarily trying to save or salvage our (or any) specific profession. It’s definitely not therapy for architects. If you talk about Cities or Urbanism, that involves by default many different types and breeds of professions, so if we are interested in the built environment we are not interested in being exclusively centred on the “architect”. Of course architects have a role to play and may sometimes be a critical variable in that equation, but we don’t always place architects at the main control variable. In that sense we focus on multidisciplinary research because urbanism is already multidisciplinary. This is not something we are trying to claim as being somehow “new”; it’s just something that practitioners have always done and we are continuing to advocate, as it’s not always reflected in existing pedagogical structures. 

P: Architecture is quite a cannibal profession which tends to blame or deny itself contributing to this permanent crisis that you mention. I don’t see so much of that position in your institute for transforming the city without changing the architecture but neither the ambition to reclaim a central space in the discussion. There is still a balance.

N: Yes, again I don’t think the Institute’s role is to take a singular position on the role of “architecture”, either as a critique or as some sort of grandmaster discourse on loop where we claim that our profession has lost agency and are trying to claim it back and so on. Perhaps this enforcing disciplinary agency was never as fortified or “real” as some expected. On the other hand, we are obviously not saying that architects aren’t needed, because there is a long lineage of professional expertise which is incredibly valuable and needs to be taken into account. The balance is about finding a methodology as a “design school” in order to productively integrate critical thinking without generating “critique” as the only possible output. It’s about design as “designation”, it’s about a projective and propositional mode of investigation rather than a purely contrarian or oppositional one, in my view. Critical thinking is embedded in the work, but I think critiquing the status of the architect or lamenting ad nauseam the loss of agency of an idealised profession supposedly frozen in time is perhaps not that interesting for the future practitioners.

P: What then would make Strelka institute special in the global context? 

O: I think because Strelka it’s quite unique not only in Russia but also internationally, it’s hard to apply certain assessment criteria that could put it in some very  specific place among architecture schools because we simply don’t have the same educational systems. The way we are operating, the way we are designing the programs is intentionally very different and I think it’s still experimental in that sense of the word. We never position ourselves in opposition to more traditional institutions, we understand ourselves to be a part of a broader educational landscape, and we are interested in the initiatives that other schools are doing, but  there is never a sense of rivalry or competition or whatsoever. Strelka was never meant to be a substitute for more traditional architecture and design schools, it was always meant to have its own, unique approach. 

N: Experimentation, including experimenting with the educational model itself. To Olga’s point, which is really important: the goal is not to replace architectural education, but rather to find ways to complement it and share our work publicly through a network of mutual exploration. I think there is a very important role for academia, for institutions and people thinking deeply for longer periods of time, but Strelka’s model is purposefully looser and requires the freedom to connect with academic and non-academic experts for specific purposes and duration, without arguing for the overhaul of one education model on behalf of another. 

O: Especially in the postgraduate program where  people are already coming in with higher education and professional expertise plus a few years of actual working experience. So when they come in we are purposefully engaging with them in a different format. 

N: And we work in a way that if it doesn’t work, we change it again.

P: There is not that rigidity… 

O: No. Strelka itself over the last ten years, which is a significant period of time, has been undergoing its internal evolution and going through phases. Five years ago, seven years ago, it was running different programs. So I think that if you look back to ten years ago, it had this very “start up” feel because everything was starting completely from zero, and with every step Strelka was defining its own framework. We are lucky to be able to  reinvent ourselves constantly. But even while there’s no formal rigidity, there is a pedagogical model and teaching and learning principles and curriculum structure that we have designed. 

P: During this time you had a broad range of educational approaches including online programs and a two years master program with the Higher School of Economics among others programs…  

O: Yes. Myself and Nicolay are speaking mostly from the postgraduate program point of view, where we are most involved, but Strelka is a big ecosystem composed by very different programs. Last year we started Architects.rf – a professional development programme for 100 participants from across the country and it focuses on the current state of architectural and urban planning practice in Russia, newest initiatives and standards.

P: Because of this wide offer, the word promiscuity, comes constantly to my mind when talking about Strelka educative programs but also when talking about the composition of the institution it self. There is a bar, a magazine and a consultancy company, all together. I would like to know how that promiscuity of the components reflects on the functioning of the institution?

N: Yes we have a lot of metaphors to describe these last ten years. I think that from the very beginning, the educational program, public programme, and bar were perhaps almost the very pillars of the foundation. The courtyard being this kind of “heart” or “voice” of the institution, involving exterior audiences along with the bar which acts as a separate institution but it’s still very much part of this orbit. Some of the best project ideas were born at the bar, after hours, because this is where we go to hang out, recap, synthesise or just vent. 

O: Yes, I think the idea was never to simply grow in scale and go from 30 students to 300, but rather find appropriate avenues to work with different audiences and provide new learning opportunities both for professionals and the general public. We have programs that complement each other and try to also create synergies between them – The New Normal, Strelka Summer public programme, Strelka Press publishing, our regional programme, StrelkaMag, Architects.rf are still all part of the same orbit. 

N: As new ideas emerge, we try to support them as new independent projects with their own pop-up team. There is no master plan, it’s more like something which moves and grows organically.

P: Looks like a very agricultural environment where you really consume the products you create. The different parts of the institute seem to

complement each other. 

O: The description we use sometimes is inter independence, and it’s quite an interesting way to look at things because it’s how we see it internally as well.

P: The inter independent organization model that you mention, the esthetics of the school, the ideas that the institute produce are being replicated  or having an impact in other places? 

N: One of the outputs is different people thinking differently about cities and about themselves as urban actors. We have a long list of alumni doing different things after “graduating” from the institute – both inside and outside of conventional professional or institutional frameworks. If the ideas born in the context of our programme travel and have an impact, it’s because Strelka’s identity and methodology are based on the “people” emerging from its framework rather than the projects only.

O: Seeing architecture not as a product but as a language, as a means of communication.

P: The same way that Bauhaus reshaped the position of the architect and design in society, is Strelka reshaping the profession?

N: Yes, perhaps similar to the Bauhaus in the sense that it’s about exploring the urban potential of new design tools, technologies and “languages” at the cross-roads of various disciplines (architecture, software, policy, etc.) still perhaps artificially siloed in the beginning of the 21st century. But also dissimilar to the Bauhaus, as it is less about the “moulding of young minds” and more about putting already very smart people in the same room and giving them a space and setting to interact and work together towards new normal urban design projects. 

O: It’s like a laboratory to test and prototype new types of practices.

P: Reading about the Bauhaus and Vkhutemas, there was an ambition to be able to interact with the environment and allow projects to reach their next phase. To go from drawings to buildings and overcome the tragedy of not materializing projects. Leonidov for example never managed to build his projects even though they where published. The school is facing that same completion crisis?

N: Well we don’t think of the projects coming out of the institute as “final student projects”; rather we see them as “first public presentation” of an idea that goes on living in the world in various ways, whether as an ongoing project or simply as a thought that’s understood or misunderstood by an audience in different, sometimes productive and sometimes unproductive ways, both often out of your control as an author. The sharing and extending of an idea is also a form of completion. Just because something isn’t “built” doesn’t mean it hasn’t been materialised.

P: Is there any accreditation or accountability system? How do you structure your programs?

O: There’s no formal system or criteria, but nonetheless there is a direction and a framework and a set of values and priorities that we have defined for ourselves. Having a plan or a path for us just doesn’t mean that we can not calibrate and we have to define exactly what we are going to do in the next 5 years – we allow the space for some things to evolve organically.  

And when we talk about our current educational programme, a three year initiative The New Normal,  the students are still responding to a brief, which is formulated by Benjamin Bratton, the program director. The brief is quite open ended, it defines the conceptual space but does not give a problem that they need to solve. So our goal is to create a  space where new  ideas can emerge and take place. For final projects  the students have a really limited amount of time, only six weeks and we give them a lot of flexibility to choose the outcome and the medium they want to use to communicate their projects. Some develop prototypes of software, or video game, a cinematic essay, a research paper or a strategic report.  And when they leave the Institute some of these ideas are developed further and presented in different formats or transition into different projects and take on a life of their own. 

P: There is not this idea of “products” that should be produced…

N: There aren’t any specifics products that are expected ; we think of the project as an idea or concept which may require a range of audience-specific outcomes, all of which collectively constituting the project but not necessarily any one in particular being representative of it in its entirety. This is also something to emphasise in relation to Bauhaus: the school is not like a “factory” but rather like a platform.

P: Yes, some of the conflicts from the Bauhaus model arose from the moment it was also performing as a factory. The Breuer chair, for example, the school wanted to commercialize it to fund the institution, but the moment they were trying to do that, they found out that the student had already done it for his own purposes. In this sense, if the Institute is becoming more than the initial mission supposed it was, what would be the future and the meaning of Strelka? The New Normal project is reaching its end, are you looking for continuity or change?

O: The New Normal which we started in 2016 is not going to continue in the form of an offline educational program that takes place in Moscow, but it is going to continue as a think tank, as a platform, which can still contribute ideas and New Normal kind of projects. We are looking to create new avenues for it which might have stronger digital presence where  you won’t  need to be in the same seminar room to participate. As to the postgraduate educational program, we are now in the process of redesigning it and will be announcing the new research direction at the end of the summer. The offline program will still take place, it is the heart of Strelka. It will just have a different thematic focus and a set of questions it explores and The New Normal will continue to live in a different shape, with the graduates and more people joining in.

P: This flexibility in the shapes of the school that could be even called as a liquidity, makes me think about the term “abstract” and the many appearances it has in talks related to your institution. Would you consider an “abstract” institution or how that ambiguity plays in the Institute?

N: Obviously Strelka is a physical space at the heart of Moscow, but it is also a vehicle for ideas reflected outside of Strelka through publications, word-of-mouth and so on. In this sense, it’s always nice to come across another project created outside the institution being referred to as a “kind of new normal” project, which is the name of our education programme. A bit like Bauhaus, perhaps the legacy exceeds its own immediate physical container and becomes a short-hand for something outside itself. Maybe this is what you mean by “liquidity” – the ambiguity of knowing or not knowing if this is something has emerged within the institution or not is its own kind of success. 

P: Some ideas are also coming to Strelka from the outside

N: Of course. As a platform Strelka is less of a filter and more like a sponge, through the very active summer programme and other events. 

P: By searching the definition of the name I found the story of the dog that was launched into the space and survived the mission, Strelka, as an arrow that points something but also as a weapon. As I see it now it is maybe more related to the first two definitions… 

O: Yes, the word actually has several meanings in Russian… 

N: When I first came here as a student I thought Strelka was meant to stand in for “Arrow”, pointing forward towards the future or something. But it turns out it was the name of an art cluster here I think…

O: Yes, I think it used to be the name of the art cluster that was here.

P: I thought of it more about the dog and his heroic but uncertain experience. 

O: Originally the Institute  was meant to be named MAD school, Media, Architecture and Design school, which we like to joke describes us quite well.   

P: But compared to MAD school or something more obvious, “Strelka” gives a sort of futuristic almost prophetic or heroic approach to the school. These impressions make me think about the book The Bauhaus idea and Bauhaus politics, where the author Éva Forgács explains that Russian architects from the Vkhutemas were seen more as prophets providing a path and ideas to the society, while Bauhaus architects had a more practical perception. How the fact of being in Russia, in the broad cultural, historical and physical aspect, reflects on the school and the perception of it?

N: Yes, but almost accidentally, and that’s also the interesting part. We can’t ignore the fact that Strelka is in Moscow, in Russia, embedded in a context with a very strong culture and historical strand of futurism. But we are not interested in replicating this utopian nostalgic version of the future and how it will or should be. I would say it’s not about prophetic or prescriptive models of the future but much more about projective and open-ended ones. Not about forcing an ideal but more like creating the conditions for something desirable to grow, and I think that Moscow is a perfect city to do that.

Olga Tenisheva is the Executive Director for Education at the Strelka Institute for Media, Architecture and Design. She is in charge of strategic planning and coordination of educational activities and postgraduate programme since 2016.

Nicolay Boyadjiev is an architect and design strategist based between Montreal and Moscow. He is currently the Design tutor of The New Normal programme at the Strelka Institute for Media, Architecture and Design in Moscow.

www.strelka.com

El cargo Between method and sensitivity. Conversation with Olga Tenisheva and Nicolay Boyadjiev apareció primero en Arquine.

[English version]

El centenario de la Bauhaus y el 99º aniversario de la Vkhutemas son una buena excusa para analizar las prácticas educativas contemporáneas en diseño y arquitectura. Por un lado, se puede sugerir una comparativa histórica para comprender los desafíos que enfrentaron las instituciones educativas a principios del siglo XX y los que enfrentan hoy en día. Por otro lado, esta ocasión nos invita a centrar nuestra atención en la concepción de estos modelos pedagógicos, sus ambiciones, su impacto, sus componentes y su relación con el espacio y el contexto en el que ocurren, tanto como las similitudes o contrastes en la definición de rol del arquitecto y la disciplina. Si bien se pueden encontrar semejanzas en estos dos momentos de la historia de la educación en arquitectura y diseño, ¿podría esto describirse como una relación de influencias o simples espejismos circunstanciales? ¿Qué lecciones o especulaciones se podrían generar? Me gustaría centrarme en el origen de Strelka, ¿cuál fue el desencadenante de este fenómeno, cuál fue la misión inicial y cómo ha evolucionado esa primera iniciativa?

Pablo Goldin: La entrevista ocurre en el centenario de la Bauhaus, el 99º aniversario de Vkhutemas y los 10 años de Strelka, todas historias similares pero diferentes sobre nuevas instituciones en el comienzo de nuevos siglos. Me gustaría centrarme en el origen de Strelka, ¿cuál fue el desencadenante de este fenómeno, cuál fue la misión o la declaración y cómo ha evolucionado?

Nicolay Boyadjiev: La misión oficial de Strelka desde el origen es la de “cambiar el panorama físico y cultural de las ciudades rusas”, pero esa búsqueda también puede aplicarse también las ciudades desde un punto de vista más amplio, abarcando temas de investigación que puedan sobrepasar los que normalmente definiríamos como “el entorno urbano construido”.  De modo que siempre hay ambiciones locales e internacionales o globales, y a veces trabajan juntas y otras se ramifican. En el contexto local, creo que había una falta una conversación sobre cuál es el rol de las ciudades, su valor y potencial como una institución para los ciudadanos. Antes de cambiar la ciudad, era importante cambiar la conversación sobre la ciudad y creo que esa inquietud estuvo presente en el ADN del Strelka desde el orígen. Para tener un impacto en el paisaje físico de la ciudad, es importante nutrir y conducir un diálogo continuo sobre la ciudad.  Esta es una de las razones por las que Strelka no es sólo una escuela de arquitectura, sino un Instituto enfocado en medios, arquitectura y diseño, explorando y trabajando los tres aspectos sin jerarquías entre ellos. Los proyectos de medios y comunicación en este “entorno urbano”, son tan fundamentales como cualquier componente urbano o arquitectónico. 

PG:Podríamos decir que el instituto tenía una doble misión: cumplir un papel educativo y ser capaz de generar conversaciones tanto con los estudiantes como con el público en general…

Olga Tenisheva: Creo que desde el principio, desde la perspectiva de los fundadores, una forma de lograr un progreso social o económico significativo es centrarse en las personas que van a impulsar este progreso, por lo que en Strelka siempre se ha tratado de concentrarse en el capital humano más allá de los proyectos o las investigaciones que generamos dentro del instituto. Si quieres hacer las cosas de manera diferente, necesitas educar a nuevos tipos de profesionales, estamos pensando en Strelka como un instituto donde aprendes a pensar fuera de los límites de la profesión para responder a las complejidades que implica el panorama urbano contemporáneo y trabajar en campos que aún no están formalizados. Buscamos crear una plataforma educativa y un espacio que permitan nuevos tipos de discursos. A la vez, creo que otra ambición era poner a Moscú en el radar como un lugar donde este tipo de conversaciones tienen lugar. 

NB: Otro componente importante del aspecto educativo de Strelka es el hecho de que  involucra audiencias internas y externas. No se trata solamente de “educar”  profesionales, sino que también se está creando un espacio para que el público y estos profesionales puedan vincularse y conectar e intercambiar ideas. Creo que es parte de poner a Moscú en el mapa como un lugar en donde esto puede suceder. Los espacios donde tienes diferentes tipos de audiencias cooperando. Los profesionales que invitamos aquí son muy conscientes del hecho de que para implementar e impulsar ideas positivas, necesitan poder comunicarlas a otras audiencias que no están totalmente inmersas en la profesión. Si comparas el instituto con otros entornos más académicos, en Strelka podrías decir que estamos interesados en diluir los límites entre el foro y la academia al punto en el que incluso el espacio donde se desarrolla nuestro programa busca materializar esos valores. Por lo tanto, comenzar una plataforma desde la nada resulta muy emocionante desde el aspecto del contenido educativo pero también desde el diseño de la propia institución.  Parte de ello también tiene que ver con tratar el espacio del instituto como un prototipo a través del cual este puede reinventarse continuamente en el corazón de Moscú. Por otro lado, como ex-alumno del programa educativo del instituto, creo que otra de las razones por las que quieres venir es esta fricción con el mundo real que sucede a través del contenedor que es este patio que se llena con diferentes tipos de personas, actividades y audiencias.

OT: Creo que es importante entender que hoy en día se siente que Strelka siempre ha estado aquí, pero en el pasado era un proyecto único para la ciudad, no había otro proyecto similar a lo que estaba sucediendo. Así que parte del proyecto fue formular nuevos estándares para diferentes tipos de educación y diferentes tipos de programas.

NB: Uno de los hechos interesantes sobre los diez años de evolución es el hecho de que el instituto, tal como fue diseñado como una plataforma, fue casi un protocolo para la educación. Esto implica una metodología flexible y una estructura para ejecutar un programa interesante que realmente puede adaptar el contenido que a su vez se modifica a sí mismo. Entonces, como probablemente hayas visto, en Strelka no tenemos necesariamente profesores de tiempo completo o una startup de tiempo completo que tenga que impulsar una agenda, sino que se trata más de crear algo lo suficientemente rígido como para ser estructurado pero también lo suficientemente fluido como para poder dejar que las cosas fluyan a través. En ese caso, el instituto se ha reinventado a veces a lo largo de los años. Incluso el logotipo de Strelka parece un esqueleto, como un marco, obviamente tomándolo de la tradición rusa del constructivismo y el estructuralismo, pero también en términos de pensamiento de las plataformas digitales. La idea de que como instituto eres capaz de evolucionar, de cambiar de acuerdo a la manera en que tu entorno va también transformándose. 

PG: Entonces, ¿tal vez esta flexibilidad le ha permitido a Strelka mantenerse en forma, para evitar el peligro de perder el impulso?

NB: Sí, para mantener la relevancia, mantener el impulso y adaptarse y responder a los cambios que puedan producirse. Lo que no siempre es un lujo que tienen otras instituciones de educación formal.

PG: Hablando específicamente sobre arquitectura, ¿cómo esta palabra o disciplina se refleja en la escuela? La idea clásica de una educación en arquitectura que puedes percibir en otras universidades relacionada con el olor del cartón, las maquetas y la tinta y los estudiantes mitad zombis que se apresuran hacia un plotter no es algo que percibas aquí. Pero aún así el instituto usa la palabra arquitectura, no ha eliminado ese término.

NB:Creo que actualmente en las escuelas de arquitectura hay mucha introspección sobre la profesión. Es una profesión que parece estar  en crisis permanente sobre su propio rol e identidad, y creo que en Strelka estamos interesados en generar un discurso ligeramente diferente, ya que no necesariamente está tratando de salvar o proteger nuestra (o ninguna) profesión. Definitivamente no es terapia para arquitectos. Si hablas de urbanismo, si hablas de la ciudad, por defecto involucra muchas profesiones distintas, por lo que no nos centramos especialmente en el arquitecto. Ciertamente, los arquitectos tienen un papel que desempeñar en esa ecuación y pueden llegar a tener un papel crítico pero no los ponemos siempre en el centro de esa ecuación. En ese sentido, nos enfocamos más en los aspectos multidisciplinarios de las investigaciones  puesto que el urbanismo en sí mismo ya es un campo multidisciplinario.

PG: La arquitectura es una profesión bastante caníbal que tiende a culparse o negarse a sí misma. No veo mucho de esa posición en su instituto para transformar la ciudad sin cambiar la arquitectura, pero tampoco la ambición de reclamar un espacio central en la discusión. Todavía hay un equilibrio.

NB: Sí, desde luego, no creo que el rol que intentamos desempeñar sea tomar posición sobre el papel de “la arquitectura”. Ni como una crítica ni como el tipo de arquitectos pensados como grandes maestros que afirman de manera repetitiva que nuestra profesión ha perdido poder y están tratando de recuperarlo. Entonces tal vez ese poder nunca fue tan fuerte ni real como algunos pensaron. Por otro lado, no estamos diciendo que los arquitectos no sean necesarios, porque obviamente hay un largo linaje de experiencia profesional que es muy importante y debe ser tomado en cuenta. El balance se halla en encontrar una metodología como “escuela de diseño” para integrar de manera productiva “pensamiento crítico” sin solamente generar “crítica” como posible resultado. Se trata de entender el concepto de diseño como un medio para “designar” y generar investigaciones de una manera proyectiva y propositiva en vez de un modelo puramente opositivo o contrario desde mi punto de vista. El pensamiento crítico está sumergido en el trabajo, pero creo que criticar el estatus del arquitecto o lamentar ad nauseam la pérdida de poder de una profesión idealizada supuestamente congelada en el tiempo es quizá no tan interesante para futuros profesionales.

PG: ¿En un contexto global entonces, qué es lo que hace al Strelka especial? 

OT: Creo que debido a que Strelka es bastante único no solo en Rusia sino también a nivel internacional, es difícil aplicar un cierto criterio que podría encajar en un determinado radar de escuelas de arquitectura. La forma en que operamos, la forma en que diseñamos el programa intencionalmente es muy diferente y creo que es experimental en ese sentido de la palabra. Nunca nos posicionamos en contra de instituciones más tradicionales, nos entendemos como una parte dentro  de un espectro educativo más amplio y estamos interesados en las iniciativas que otras escuelas están desarrollando. Sin embargo, aquí nunca hay un sentido de rivalidad o competencia o lo que sea. Strelka nunca tuvo la intención de ser un sustituto de las escuelas de arquitectura más tradicionales, siempre tuvo la intención de tener su propio enfoque.

NG: Básicamente  creo que es la experimentación, incluida la experimentación con el propio modelo educativo. Lo que dijo Olga es algo realmente importante: el objetivo no es reemplazar la educación arquitectónica, es poder complementar y encontrar formas de compartir las lecciones a través de una red amplia de exploración básicamente mutua. Creo que hay un papel para la academia y para las instituciones y las personas que realizan estudios durante largos períodos de tiempo, pero el modelo que Strelka está tratando de impulsar es uno que sea más flexible, uno que requiera esta libertad para conectarnos con circuitos académicos y no académicos para propósitos específicos sin entrar en una discusión sobre un tipo de educación comparado con otro. 

OT: Especialmente en el programa de posgrado donde se  supone que las personas que ya provienen de la educación superior ya tienen educación y experiencia fundamentales, más años de experiencia laboral real. Entonces, cuando entran estamos buscando intencionalmente interactuar con ellos en un formato diferente. 

NB: Lo intentamos de esa manera y si no funciona, lo cambiamos nuevamente. 

PG: No hay esa rigidez…

OT: No. Strelka en los últimos diez años, que son un período de tiempo significativo, ha pasado por distintas fases llevando a cabo su propio proceso evolutivo interno.  Hace cinco años, hace siete años, también se trabajaba a través de diferentes programas. Así que creo que si comparas cuando comenzó hace diez años, tenía esta sensación de “start up”, porque todo comenzaba desde cero, y cada paso trataba de encontrar su propio marco. Tenemos suerte de poder reinventarnos constantemente. Pero incluso, aunque esa rigidez formal no exista, tenemos un modelo pedagógico que conlleva  principios de enseñanza y aprendizaje y un programa de estudios diseñado por nosotros. 

PG: Durante este tiempo, tuvo una amplia gama de enfoques educativos con programas en línea, un programa de maestría de dos años con la Escuela Superior de Economía …

OT: Si, Nicolay y yo estamos hablando más desde el punto de vista del programa de postgrado en el cual estamos más involucrados, pero Strelka es un gran ecosistema compuesto por programas muy diferentes. El año pasado comenzó Architects RF, un nuevo programa  de desarrollo profesional  para cien participantes de todo el país que se enfoca más en el estado actual de la práctica urbano arquitectónica en Rusia, en nuevas iniciativas y estándares. 

PG: Debido a su amplia oferta en distintos aspectos, la palabra promiscuidad me  viene a la mente constantemente cuando se habla de los programas educativos de Strelka pero también al hablar de su composición y la institución en sí misma. Hay un bar, una revista, una empresa de consultoría todo junto. Me gustaría saber cómo se refleja esa promiscuidad de los componentes sobre el funcionamiento de la institución.

NB: Tenemos una gran cantidad de metáforas para describir esto en los últimos diez años. Creo que desde el comienzo, el programa educativo, el programa público y el bar fungieron como los pilares de la cimentación. El patio siendo esta especie de “corazón” o “voz” de la institución, involucrando audiencias externas junto con el bar que funciona como una institución por separado pero no deja de formar parte de esta órbita. Muchos de los mejores proyectos han surgido en el bar, entrada la noche, porque ahí es donde vamos a pasar el tiempo, a sintetizar o simplemente ventilarse.

OT: Si, la idea nunca fue crecer en términos de escala: ir de 30 estudiantes a 300, sino crear los medios apropiados para trabajar con distintas audiencias y proveer nuevas oportunidades de aprendizaje para profesionales y para el público en general. Tenemos programas que se complementan entre ellos y tratamos de generar sinergias entre ellos, The New Normal, el programa de verano, Strelka Press, nuestro programa regional, la revista StrelkaMag, Architects.rf, todos ellos son parte de una misma órbita. 

NB: A medida que surgen nuevas ideas, estamos tratando de convertirlas en proyectos independientes, con un nuevo equipo. No hay un plan maestro, es más como imaginar qué funciona y crecer de manera orgánica.

PG: Parece un ambiente muy agrícola donde realmente consumes los productos que creas. Las diferentes partes del instituto parecen complementarse una a otra.

OT: La descripción que usamos a veces es inter independencia, es una forma bastante interesante de ver las cosas porque así es como lo entendemos internamente.

PG: ¿El modelo de organización interdependiente que mencionas, la estética de la escuela, las ideas que produce el instituto han alcanzado o se replican o tienen algún impacto en otros lugares?

NB: Uno de los resultados es un grupo de gente distinta entre ellos que piensan sobre las ciudades y sobre ellos mismos como actores urbanos de maneras diferentes.Tenemos una larga lista de alumnos haciendo cosas diversas luego de haberse “graduado” del instituto tanto adentro como afuera de marcos profesionales o académicos más convencionales.

OT: Viendo la arquitectura no como un producto sino como un lenguaje, como un medio de comunicación.

PG: De la misma manera en que Bauhaus reformó la posición del arquitecto y el diseño en la sociedad, ¿Strelka está reformando la profesión?

NB: Sí, quizá de manera similar a la Bauhaus estamos explorando el potencial urbano que tienen las nuevas herramientas de diseño, tecnologías y “lenguajes” en el cruce de distintas disciplinas (arquitectura, software, normativas…) quizá aislados de manera artificial en el comienzo del siglo XXI. Pero también de manera distinta a la Bauhaus, nos enfocamos menos en “moldear mentes jóvenes” y más bien en juntar gente que ya es muy inteligente en un mismo cuarto dándoles el espacio y el entorno para que interactuen y trabajen en proyectos con el enfoque del New Normal. 

OT: Es como un laboratorio para probar y crear prototipos de nuevos tipos de prácticas.

PG: Al leer acerca de la Bauhaus y Vkhutemas, existía la ambición de poder interactuar con el entorno y permitir que los proyectos llegaran a su siguiente fase. Pasar de dibujos a edificios y superar la tragedia de no materializar los proyectos. Leonidov, por ejemplo, nunca logró construir sus proyectos a pesar de que fueron publicados. ¿La escuela está enfrentando esa misma crisis de realización?

NB: No contemplamos los proyectos que se generan en el Instituto como “proyectos finales”, más bien los vemos como la “primera presentación pública” de una idea que continúa su camino por el mundo de muchas maneras, ya sea como un proyecto o simplemente como una pensamiento que puede ser comprendido o no comprendido por una audiencia distinta de manera a veces más o menos productiva pero en ambos casos, es algo que está fuera de tu control como autor. Generar y compartir una idea es en sí mismo una manera de realización. El hecho de que algo no esté construido no significa que no esté materializado.

PG: ¿Tienen algún sistema de acreditación o medición?, ¿Cómo estructuran sus programas?

OT: No hay un sistema o criterio formal sin embargo hay una dirección y un marco de referencia y una serie de valores y prioridades que hemos definido nosotros mismos. Tener un plan o un camino no significa que no podamos calibrar y definir exactamente lo que vamos a hacer en los siguientes 5 años, permitimos que algunas cosas evolucionen de manera orgánica. 

Estamos hablando de los últimos tres años de New Normal, donde los estudiantes responden básicamente a un programa formulado por Benjamin Bratton, el director. El programa es bastante abierto, se ofrece en términos generales, no tiene un alcance concreto ni plantea un problema que necesitan resolver. Por lo tanto, nuestra agenda y nuestra meta es crear el espacio donde estas ideas puedan surgir y tener lugar.  Para los proyectos finales, los alumnos tienen una cantidad de tiempo bastante corta de seis semanas y les damos mucha flexibilidad para definir el medio y el producto a través de los cuales van a comunicar sus proyectos. Algunos desarrollan prototipos o softwares, o videojuegos, ensayos cinemáticos, una investigación formal o un reporte estratégico. Entonces, cuando salen del instituto, algunas de esas ideas son desarrolladas con mayor profundidad y presentadas en distintos formatos o logran convertirse en proyectos distintos y cobrar vida por sí mismos. 

PG: No existe esta idea de “productos” que deban producirse …

NB: No hay productos específicos que esperamos como tales, pensamos más bien los proyectos como una idea o concepto que puede necesitar distintos resultados de acuerdo a audiencias específicas, todo eso en conjunto constituye el proyecto sin que necesariamente uno de los resultados lo represente en su totalidad. Esto es algo que me gustaría enfatizar en relación con la Bauhaus, la escuela no es una “fábrica” sino más bien una plataforma. 

PG: Sí, algunos de los conflictos del modelo Bauhaus surgieron desde el momento en que también se desempeñaba como una fábrica. La silla Breuer, por ejemplo, la escuela quería comercializarla para financiar la institución, pero en el momento en que intentaban hacerlo descubrieron que el estudiante ya lo había hecho para sus propios fines. En este sentido, si el Instituto se está convirtiendo en algo más de lo que la misión inicial supuso, ¿cuál sería el futuro y el significado de Strelka? El proyecto New Normal está llegando a su fin, ¿está buscando continuidad o cambio?

OT: New Normal, el programa que comenzamos en 2016 no va a continuar de manera presencial en Moscú pero seguirá como un think tank, como una plataforma, como un entorno, que todavía puede aportar ideas y proyectos. Estamos buscando nuevos caminos que puedan tener una fuerte presencia digital en la que la presencia física en un salón de clases no sea necesaria para poder participar en ellos. En cuanto al programa de posgrado lo estamos rediseñando y la nueva versión será anunciada en el verano. El programa presencial seguirá llevandose a cabo en Strelka, es el corazón del instituto, solo tendrá una temática distinta y una serie distinta de preguntas a responder mientras que The New Normal continuará existiendo en una forma distinta con los graduados y más gente uniéndose a él.  

PG: Esta “flexibilidad” en las formas de la escuela que podría llamarse incluso como “liquidez”, me hace pensar en el término “abstracto” y las muchas apariciones que tiene en las conversaciones relacionadas con su institución. ¿Se consideran una institución “abstracta” o cómo juega esa ambigüedad en el Instituto?

NB: Obviamente, Strelka es una cosa física en el corazón de Moscú, pero también es un vehículo para ideas que provienen del exterior a través de publicaciones, pláticas de boca a boca u otros medios.  En ese sentido, siempre es bueno encontrar en una conferencia o seminario en otro lugar que no esté relacionado con nuestra institución algún proyecto que no se produjo dentro de New Normal, pero se reconoce como el “tipo” del trabajo que se hace ahí o en Strelka. Un poco como en la Bauhaus, el legado excede su propio contenido físico y se convierte en el portador de un mensaje por encima de si mismo. Quizá a eso te refieras con “liquidez”, esa ambigüedad de saber o no saber si esto es algo que ha surgido dentro o fuera de la institución es parte de su propio éxito. 

PG: Algunas ideas también están llegando a Strelka desde el exterior.

NB: Por supuesto. Por definición, como plataforma esencialmente no somos un filtro sino una esponja. Tenemos un programa muy activo en el verano con una cantidad significativa de conferencistas y diferentes personas que vienen a los eventos, comparten ideas, grabamos esas conferencias, hacemos transcripciones, aprendemos de ellos, las compartimos con todo el mundo. Creo que todas las instituciones deben verse de esa manera, no solo como un edificio cerrado en esta o aquella ciudad, sino como una red más amplia y abierta que transmite esta o aquella idea.

PG: Al buscar la definición del nombre, encontré la historia del perro que fue lanzado al espacio y sobrevivió a la misión, Strelka, como una flecha que apunta a algo pero también como un arma. Como lo veo ahora, quizás esté más relacionado con las dos primeras definiciones …

OT: Si, la palabra en realidad tiene muchos significados en ruso… 

NB: Cuando vine por primera vez como estudiante, pensaba que Strelka era utilizado para representar una “flecha” apuntando hacia el futuro o algo así. Sin embargo creo que  resultó ser el nombre de un cluster que se encontraba aquí antes de la escuela. 

OT: Sí, solía ser el nombre del grupo artístico que solía ocupar este espacio.

PG: Lo pensé más sobre el perro y su experiencia heroica pero incierta.

OT: Originalmente estaba pensado que se llamará Escuela MAD, escuela de Medios, Arquitectura y Diseño, que describe mejor lo que hacemos aquí.

PG: Pero en comparación con la Escuela MAD o algo más obvio, “Strelka” da una especie de enfoque futurista, casi profético o heroico a la escuela. Esos adjetivos o impresiones me hacen pensar en el libro The Bauhaus idea and Bauhaus politics donde la autora Éva Forgács explica que los arquitectos rusos de Vkhutemas se vieron más como profetas que brindaban un camino e ideas a la sociedad, mientras que los arquitectos de la Bauhaus tenían una percepción más práctica. ¿Cómo se refleja el hecho de estar en Rusia, en el amplio aspecto cultural, histórico y físico, en la escuela y su percepción?

NB: Sí, pero creo que fue casi accidental, y eso también es una parte interesante de la historia. No podemos ignorar el hecho de que el Strelka está ubicado en Moscú, en Rusia incrustado en un contexto con una cultura  y una historia inclinados hacia el futurismo. Pero no estamos interesados en replicar esta utópica y nostálgica versión del futuro y cómo debería ser. Creo que no se trata de modelos proféticos o prescriptivos del futuro sino de idear modelos más abiertos y proyectuales. Sin forzar un ideal pero más bien creando las condiciones para que algo deseable crezca y creo que Moscú es la ciudad perfecta para lograrlo.

Olga Tenisheva es la Directora  Ejecutiva de Educación en el Instituto Strelka para Medios, Arquitectura y Diseño. Se encuentra en cargo de la planeación estratégica y la coordinación de las actividades educativas y el programa de posgrado desde 2016. 

Nicolay Boyadjiev es un Arquitecto y estratega en temas de diseño basado en Montreal y Moscú. Actualmente es tutor de diseño en el programa The New Normal en el Instituto Strelka para Aquitectura, Medios y Diseño en Moscú. 

www.strelka.com

El cargo Entre método y sensibilidad. Conversación con Olga Tenisheva y Nicolay Boyadjiev apareció primero en Arquine.