Es la segunda exposición colectiva y curada por Jérôme Sans en LagoAlgo, un anexo de la Galería OMR en el Bosque de Chapultepec en el edificio diseñado por el arquitecto Alfonso Ramírez Ponce. Además se inaugurará una Plaza Pública diseñada por Fabien Capello.

“Shake Your Body surge de una nueva unión entre individuos y entidades. Es un modelo de colaboración, un laboratorio para nuevos esquemas sociales y culturales y nuevas prácticas contemporáneas.” -Jérôme Sans, curador.

Fecha: 3 de septiembre de 2022

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Pasarela en Museo Tamayo | Vidas en pasarela. Archivo Trans México

Con la intención de reunir generaciones diversas, este evento enlaza a la pasarela como una de las dinámicas culturales apropiadas por las comunidades trans para la sociabilidad y visibilidad con la cultura del ballroom que está activa actualmente en esta ciudad y que también busca reivindicar la presencia trans en el espacio público. Vidas en pasarela rinde homenaje a mujeres trans con trayectorias dedicadas al espectáculo nocturno que marcaron una época en los años ochenta y noventa en la Ciudad de México.

En el contexto de la exposición actual de Nan Goldin, el programa Tomar la noche. Trans-portando historias presentó una serie de actividades a cargo del Archivo de la memoria Trans de México e invitades especiales.

Consulta el programa.

Fecha: 2 de septiembre de 2022

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FotoSeptiembre 2022 en CDMX

FOTOSEPTIEMBRE, iniciativa surgida en 1993, es un esfuerzo colectivo para organizar cada dos años el mes de la fotografía en México. Para dicho festejo, tanto el Centro de la Imagen como la red de galerías, museos, centros culturales y escuelas en todo el país y más allá presentan exposiciones y actividades de fotografía.

En su edición 2022, FOTOSEPTIEMBRE reunió 155 exposiciones, en 127 sedes en 28 estados del país, Cuba y Estados Unidos.

Consulta la programación.

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El cargo Agenda de la semana apareció primero en Arquine.

Museo Tamayo es una exposición que forma parte del proyecto de LIGA-ARCHIVOS, que surge de la necesidad de dar a conocer todos aquellos archivos fotográficos históricos de obras arquitectónicas que hay en Latinoamérica para su visibilización y conservación. Se pone en escena a jóvenes fotógrafos de arquitectura de diferentes partes del país. En esta ocasión la propuesta del Archivo del Museo Tamayo, dentro del marco de su 40ta. aniversario, permite obtener nuevas perspectivas de un edificio hito en la Ciudad de México por su reconocimiento como obra arquitectónica y como uno de los recintos expositivos más importantes.

Fechas: Hasta 20 de agosto de 2022

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Exposición en Centro Cultural Fábrica de San Pedro, Uruapan, Michoacán | Punto de partida. Modas, tramas y textiles

Una exposición sui generis, que se aboca a hacer un recorrido por el pasado y presente de este edificio, al tiempo que se aventura a imaginar su futuro. Recordaremos los inicios de la Fábrica de San Pedro, sus dueños, fabriqueños, comunidad e historias que se tejieron alrededor de este ícono industrial de Uruapan. Asimismo, se hará un recorrido por la historia reciente de Telares Uruapan, taller textil, que a partir de 1989, encontró en las naves de la fábrica, un hogar para seguir tejiendo historias asociadas con el diseño, los colores, la comunidad y Michoacán mismo.

Fecha: Hasta el 26 de agosto de 2022

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Exposición en Patricia Conde Galería | Film Ends de Adam Wiseman

Film Ends reduce el procedimiento fotográfico a su elemento más básico y espontáneo. La serie surgió como un descubrimiento fortuito, mientras Adam Wiseman desarrollaba su libro Elvis nunca estuvo en Acapulco. Durante la revisión y recopilación de material de su archivo fotográfico, Wiseman escaneó tiras de negativos, cuyos extremos o puntas sin exponer habían pasado por el mismo proceso químico que el resto de la película. Es así que la cuidadosa práctica subjetiva de tomar una fotografía se ve subvertida por la aleatoriedad descontrolada de los extremos de la película. Vistos a la distancia semejan pinturas expresionistas abstractas, cuidadosamente construidas; mientras que de cerca revelan las texturas y cicatrices del tiempo: arañazos, manchas, pelos y polvo. Por su riqueza visual, Film Ends se convirtió en una parte esencial de la publicación, al aportar una atmósfera de destino vacacional nostálgico, Tecnicolor y con las cualidades del celuloide de antaño.

Fechas: Inauguración 18 de agosto de 2022

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El cargo Agenda de la semana apareció primero en Arquine.

Recientemente, fue inaugurada en el Museo Tamayo la exposición Nan Goldin, la cual reúne dos piezas de la fotógrafa homónima estadounidense: “The Other Side” y “Memory Lost”, ambas instalaciones en video que muestran dispositivas del vastísimo archivo de la artista y que corresponden a dos proyectos fotográficos. La primera presentación se desprende de una de sus publicaciones más tempranas en la que recopila los espacios íntimos y colectivos de las comunidades LGBTQ de Boston, mientras que la segunda es un trabajo reciente que documenta la vivencia personal de Nan Goldin durante la crisis de los opioides en Estados Unidos. En ambas obras (y en casi toda la producción de la fotógrafa) puede leerse una tensión entre el cuerpo y la ciudad, entre lo doméstico y lo urbano. “Nan Goldin proviene de una familia muy conservadora. Ella vivía en Washington, en un suburbio”, comenta Andrea Valencia, curadora de la muestra, en entrevista con Arquine. “Escapa a la ciudad para poder ser ella misma. Ahí es donde se encuentra con la comunidad drag. Creo que la ciudad también le dio identidad a las personas que retrata, sujetos que estaban explorando una identidad de género distinta”. 

En ambas series, la presencia de las diversidades sexuales es una constante, aún cuando “Memory Lost” tenga como punto de partida a la misma Goldin en un proceso en el que capturó su propia dependencia a un opiáceo que ha causado estragos en su país. La domesticidad de las llamadas “familias elegidas”, donde personas racializadas y transgénero habitaban comunalmente espacios que ponían en cuestión ideas normativas sobre la vivienda y sobre las estructuras familiares, así como las escenas nocturnas y los paisajes urbanos, construyen una memoria personal de dos enfermedades: la epidemia del SIDA y la adicción a la oxicodona, la cual fue padecida por la fotógrafa como consecuencia de lo que se ha llamado la epidemia de los fármacos. Andrea Valencia apunta: “Ella ha explicado que hay un cambio en los sujetos que retrata. Al principio, entre los 70 y 80, las personas sentían que lo podían todo. De ahí, también surgieron adicciones. A finales de los 80 e inicios de los 90, varios de sus amigos comienzan a morir. La actitud de los sujetos se transforma: de la libertad y la exploración adoptan una actitud casi de supervivencia. Es muy sutil esa transición”.

El aumento de la epidemia del SIDA es una motivación para Goldin por retratar e inmortalizar las vidas de sus sujetos. Como documentalista de los espacios íntimos de su comunidad, el trabajo de Nan Goldin también puede interpretarse como una crónica de ciertas periferias urbanas. Las imágenes de las camas destendidas donde parejas reposan o los espejos donde drag queens se transforman mantienen relación con otros espacios que no son privados, como los bares donde se celebraban pasarelas drag o las calles que recibían los desfiles del orgullo. A esta frontera borrosa entre lo interior y lo exterior, se le puede añadir la enfermedad del SIDA, un aspecto que, como señala Andrea Valencia, modificó cómo estos cuerpos miraban a la cámara y ocupaban sus espacios. En su ensayo Brining AIDS Home: Urban and Domestic Queer Spaces in the work of Nan Goldin and David Wojnarowicz, Emilie Morin y James Boaden comentan que en el trabajo de Nan Goldin los límites entre los sitios privados y los públicos se desestabiliza. Los autores mencionan que sus imágenes “representan las tensiones entre lo público y lo privado” contrastando “sitios seguros”, como lo es una casa, con sitios llenos del peligro llenos de muerte.

Los autores parten de las “domesticidades alternativas”, concepto planteado por Brent Pilkey para desarrollar la idea de que las comunidades sexuales, sobre todo cuando han sido marginalizadas de alguna manera de espacios legitimados por la planeación urbana o la arquitectura, “subvierten prácticas espaciales hegemónicas y ensanchan las perspectivas sobre la vivienda como un sitio constituido, habitado y activado por cuerpos cuya expresión de género y sexo concuerden”. ¿Los espacios domésticos y las ciudades, entonces, validan formas afectivas y sexuales de relacionarse demeritando otras? Hay normas espaciales y normas identitarias. En su ensayo “Bodies-Cities”, la filósofa Elizabeth Grosz explica que las relaciones entre el cuerpo y la ciudad son contingentes: la ciudad se piensa a través del cuerpo, y el cuerpo se “urbaniza” para expresarse según las maneras metropolitanas, las cuales suelen entenderse como un centro al cual es deseable asimilarse. “La ciudad es uno de los elementos cruciales para la producción social del cuerpo sexuado”, apunta Grosz. “La ciudad orienta y organiza la familia, el sexo y las relaciones sociales en la medida en que la ciudad distingue, en la vida cultural, distinciones entre lo público y lo privado, dividiendo y definiendo geográficamente las posiciones y los sitios que ocupan individuos y grupos”. Las personas retratadas por Goldin pertenecen a un colectivo cuyas prácticas espaciales se distinguen de aquello que la ciudad suele gestionar: la familia como unidad social y el consumo como forma de relacionarse. La ciudad que captó la fotógrafa, donde lo íntimo y lo colectivo queda difuminado (donde la desnudez puede compartirse en calles o en bares) está al margen del paisaje que solemos pensar como funcional.“Pero no es el caso de Nan Goldin. Ella decía: ‘esta es mi familia, esta es mi fiesta’”.

El cargo Nan Goldin: ciudades al margen apareció primero en Arquine.

REGISTRO: Museo Tamayo es una exposición que forma parte del proyecto de LIGA-ARCHIVOS, que surge de la necesidad de dar a conocer todos aquellos archivos fotográficos históricos de obras arquitectónicas que hay en Latinoamérica para su visibilización y conservación.  Además, se pone en escena a jóvenes fotógrafos de arquitectura de diferentes partes del país. En esta ocasión la propuesta del Archivo del Museo Tamayo permite obtener nuevas perspectivas de un edificio muy conocido en la Ciudad de México. Esta exposición se lleva a cabo dentro del marco del aniversario 40 del Museo Tamayo.

LIGA encomendó a seis fotógrafos la tarea de realizar una nueva serie de retratos del edificio. En esta ocasión, el Museo Tamayo se vuelve una pieza que habla por sí sola, sin exposiciones, ni visitantes: sólo vemos gran masa de concreto que nos habla a través de la luz, mostrándose al desnudo. Los fotógrafos Onnis Luque, Arturo Arrieta, Ariadna Polo, César Bejar, Luis Young y Luis Gallardo realizan una serie de fotografías que proponen una nueva manera de ver al Museo Tamayo desde su apertura en 1979, cuando Julius Schulman lo fotografió recién construido, lo que nos plantea: después de 40 años y una gran cantidad de fotografías ya existentes, ¿qué más podemos encontrar frente a la lente? Esa pregunta nos lleva a la increíble oportunidad de experimentar con miradas al pasado y el presente mientras pensamos en el futuro de este hermoso edificio a través de sus diferentes temporalidades plasmadas en esta exposición.

Como escribe Santiago Martínez,  “una serie de grandes artistas acaban de congelar la fugacidad de décadas de historia, de recuerdos de vivencias, el cúmulo de experiencias que nos tienen en este lugar, ahora comulgan en un mismo formato”.

Cada uno de los fotógrafos realiza un trabajo desde una perspectiva personal, dejándonos ver tomas únicas que se logran a través de un edificio sin su principal actividad: las exposiciones, de tal manera el fotógrafo tiene la libertad de montar la escena o capturar el momento deseado con o sin asistentes recorriendo el museo y, así, recordándonos el tiempo que ha pasado a través de este edificio. Cada una de las piezas expuestas es un trabajo colaborativo con los curadores, ya que los fotógrafos tuvieron la libertad de presentar sus obras en diferentes formatos para que cada uno contara una experiencia distinta. Dentro de las exposición encontramos propuestas interesantes en la forma de narrar la historia del museo, desde un biombo hasta una vista poco usual de la azotea del edificio.

La exposición cuenta con seis módulos sobre pared donde se coloca cada una de las piezas de cada fotógrafo y una serie de pedestales al centros. El material donde se emplaza la exposición  fue construido con elementos reciclados de vigas IR donados por Gerdau Corsa.

El cargo LIGA-ARCHIVOS: Museo Tamayo apareció primero en Arquine.

Venta de Verano 2019 | Arquine

Arquine abre sus puertas un año más para celebrar su Venta de Verano. Acércate ese día y disfruta descuentos especiales en todos las publicaciones, promociones, novedades, sorteos, pláticas, firmas y mucho más. Acompáñanos en las presentaciones y firma de libros.

Consulta la lista de precios aquí

Sábado 31 de agosto | 11:00 am – 7:00 pm

Arquine
Amsterdam 163 A,
Colonia Hipódromo Condesa, Ciudad de México

Presentación doble de Discos Cuchillo y Producciones El Salario del Miedo con Adrián Román | Pulquería Insurgentes

Presentación doble de Discos Cuchillo y Producciones El Salario del Miedo con Adrián Román.

“Pinche Paleta Payaso” y “La Noche del Sandunga”

Presentan: Wenceslao Bruciaga , J. M. Servín, Eduardo HG y el autor.

Sábado 31 de agosto | 7:00 pm

Pulquería Los Insurgentes
Av. Insurgentes Sur 226
Colonia Roma Norte, Ciudad de México

Rampa presenta: Introducción al desarrollo de un medio digital | MIA Co–Growing

RAMPA Acceso al Impulso Creativo, es una nueva plataforma que busca que, a través de diferentes actividades, los asistentes puedan desarrollar habilidades prácticas. Esto como manera de brindar recursos para crecer o impulsar proyectos propios.

Este primer workshop, Introducción al desarrollo de un medio digital, tiene como objetivo mostrar, analizar, recapitular y poner en manifiesto la situación actual de los medios editoriales así como su evolución en México y el mundo. Se busca que los participantes adquieran un conocimiento profesional sobre cómo iniciar un medio digital y las herramientas actuales. Todo esto desde tres ejes distintos: creativo, comercial y editorial. La metodología del seminario será de exposición con alta participación de los asistentes con el fin de generar ideas de valor e insights.

El taller está dirigido a personas relacionadas con la moda, el diseño, industrias creativas, periodismo, blogs, comunicación y
afines. Está pensado para todos los interesados en la creación de medios digitales independientes.

Las ponentes de este primer workshop serán: Cecilia Palacios (directora de Coolhuntermx) quien hablará sobre la búsqueda y análisis de tendencias, Alejandra Higareda (fundadora de Malvestida) abordará el periodismo móvil y dirección creativa y Olivia Meza (fundadora de Meow Magazine) cuyo taller girará en torno a la redacción creativa.

Sábado 7 de septiembre | 9:00 am – 6:00 pm

MIA Co–Growing
Calle de la República 157,
Colonia Tabacalera, Ciudad de México

Especulaciones sobre un cuerpo/cámara que baila | Museo Tamayo

En el marco de la exposición Ismo, ismo, ismo: Cine experimental en América Latina, se presenta la activación coreográfica Anatomía de la imagen: especulaciones sobre un cuerpo/cámara que baila a cargo de la editora Andrea Ancira y la coreógrafa Aura Arreola.

Activación coreográfica de los diarios de Teo Hernández (Ciudad Hidalgo, 1939 – París, 1992), uno de los realizadores mexicanos más importantes de cine experimental en formato Súper-8. Desde el autoexilio en Francia, Hernández se consagró a una práctica artística marginal en el seno de la comunidad gay y grupos contraculturales parisinos. A lo largo de su vida filmó más de 100 películas en distintos formatos (8, S8 y 16mm). De octubre de 1981 a junio de 1992 escribió cientos de reflexiones en 24 cuadernos actualmente resguardados en la Bilbiothèque Kandinsky del Centre Pompidou en París, en los que se exhibe una implicación total con la experimentación que lo conduce vertiginosamente del cine a la alteración de los sentidos, el éxtasis, la muerte, la sexualidad, lo sagrado, y finalmente, a las artes escénicas y la danza. Este año, bajo el nombre de Anatomía de la Imagen. Notas de Teo Hernández, Buró-Buró y Tumbalacasa, editaron una selección cronológica y temática de estos materiales que sugieren múltiples lecturas expandidas de la investigación y el proceso creativo que subyace al trabajo fílmico de este cineasta, hasta la fecha, poco explorado en México.

Sábado 31 de agosto | 1:00 pm

Sala 5 del Museo Tamayo

Museo Tamayo
Paseo de la Reforma 51
Bosque de Chapultepec I Sección, Ciudad de México

Exposición bauhaus imaginista | Centro de diseño, cine y televisión

bauhaus imaginista es una exposición para repensar la historia de la escuela de diseño más relevante de la era moderna. La exhibición presenta cuatro capítulos representativos para abordar las adaptaciones críticas y locales de la Bauhaus, así como las corrientes de mayor influencia en el movimiento. Con el fin de personalizar su experiencia, el espectador podrá interactuar con los elementos expuestos gracias a la estructura expositiva diseñada por Luca Frei.

Martes 03 de septiembre | 7:00pm

Entrada libre

Previo registro: http://bit.ly/2ZFKlJU

Exposición hasta el viernes 11 de octubre | Horarios de visita: lunes a viernes de 10:00 am a 6:00 pm | sábados de 10:00 am a 2:00 pm

Mediateca Centro

Centro de diseño, cine y televisión
Avenida Constituyentes 455
Colonia América, Ciudad de México

Gallery Weekend CDMX

Descubre el arte a través de las galerías, conoce a los artistas y disfruta la ciudad.

Del 5 al 8 de septiembre, Gallery Weekend CDMX reunirá a las galerías más importantes de la capital mexicana en un variado programa de exposiciones.

Ubica las galerías participantes en el mapa inteligente: http://bit.ly/GW_Mapa

Más información: galleryweekend.art

Jueves 5 de septiembre – domingo 8 de septiembre

El cargo Agenda de la semana apareció primero en Arquine.

Presentado por:

Como parte de Design Week México 2018, el Museo Tamayo presentó su pabellón titulado Museo Abierto. La propuesta de Fernanda Canales se conforma por tres patios a un costado del edificio del Tamayo que, siguiendo el recorrido habitual de los visitantes y la disposición de los árboles existentes, extiende el espacio de exposición. Por fuera, el pabellón es una pieza casi rectangular, de color negro, y por dentro el pabellón se abre y se multiplica entre reflejos y sombras. Presentamos la conversación con Fernanda Canales sobre este proyecto.

El cargo Museo Abierto. Conversación con Fernanda Canales apareció primero en Arquine.

Untitled (Reaper Drone), 2010. [Sin título (Dron Reaper)]. Cortesía del artista, Metro Pictures, Nueva York; y Altman Siegel Gallery, San Francisco.

El 28 de junio se inauguró en el Museo Tamayo la muestra Visiones de máquina, del artista estadounidense Trevor Paglen. Con una obra que cruza las tecnologías de la información e imágenes que revisitan estilos canónicos en la historia del arte Occidental (el paisaje o el retrato, por ejemplo), Paglen arroja preguntas inquietantes sobre la claridad tanto física como ideológica de la imagen hoy en día: ¿lo que vemos es en verdad visible? En el texto Imágenes invisibles: Tus fotos te están mirando, que acompaña al catálogo de la exposición, Paglen aventura que se han intercambiado los mismos sistemas ópticos que nos permiten captar lo que tenemos enfrente: de la retina a los múltiples aparatos tecnológicos, como los escáneres, los misiles dirigidos, los drones y los sistemas de reconocimiento facial. “Los conceptos teóricos que usamos para analizar la cultura visual clásica son robustos: representación, significado, espectáculo, semiosis, mimesis y todo lo demás. Durante siglos, estos conceptos nos han ayudado a navegar el funcionamiento de la cultura visual clásica”, escribe el artista. “Pero a lo largo de la última década, poco más o menos, algo dramático ha ocurrido. Se han distanciado los ojos humanos para volverse en gran medida invisibles. La cultura visual humana se ha convertido en un caso especial de visión, una excepción a la regla. La abrumadora mayoría de las imágenes ahora son producidas por máquinas para otras máquinas, rara vez incluyendo a los humanos en el proceso. La llegada de la visión de máquina a máquina ha pasado prácticamente desapercibida, y lo que hemos empezado a notar es un cambio tectónico que ha ido ocurriendo de manera invisible frente a nuestros ojos, y apena si logramos comprenderlo”.

Conversamos con el artista para abordar algunas de las consecuencias que ha tenido esta forma de imagen contemporánea sobre nuestra comprensión de conceptos tales como transparencia.

The Tower of Babel (Corpus: Spheres of Purgatory) Adversarially Evolved Hallucination, 2017. [La Torre de Babel (Corpus: Esferas del Purgatorio) Alucinación evolucionada por oposición]. Cortesía del artista y Metro Pictures, Nueva York

Christian Mendoza: En proyectos como Limit Telephotography y Nonfunctional Satellites propusiste imágenes de sitios que son invisibles al conocimiento público (bases militares secretas) o dispositivos que lo mismo recopilaban lo mismo fotografías como datos de entornos específicos. Desde tu práctica artística, ¿cómo abordaste la producción de estas imágenes?

Trevor Paglen: En el caso de Limit Telephotography recibí la asesoría de astrónomos para elegir lentes que recopilan imágenes del espacio exterior, solo que yo las utilicé para intentar capturar el paisaje donde están instaladas bases militares. Son sitios que no aparecen en mapas a los que cualquiera pueda tener acceso, así que después de una investigación logré establecer sus coordenadas. Estos lentes, si bien logran aproximarse a la imagen de una estrella, la imagen que se obtuvo de las bases militares está interferida por ondas de calor o los vapores que expide la sal. Muchas de las instalaciones se encuentran en lugares muy adentrados en el desierto o en el mar, así que siempre podrá encontrarse una pátina sobre estas imágenes, por lo que esos lugares nunca terminan de verse.

Nonfunctional Satellites fue un proyecto que lo pensé como una parodia de los avances en la ingeniería espacial y aeronáutica, esta esfera transparente que vuela sobre la ciudad (y que también la refleja) opera más como una enunciación de los intereses militares y gubernamentales que se depositan sobre las disciplinas que antes mencioné. Este satélite, como todos los satélites, son también una interferencia sobre el paisaje. En mi proyecto The Other Night Sky cronometré la ruta de ciertos satélites y, con los mismos lentes astronómicos, capturé su presencia en fotografías del cielo. Lucen como basura sobre la imagen, rasguños que yo pudiera haber borrado, pero esa línea que atraviesa la imagen revela los intereses de la tecnología que, muchas veces, orquestan un espionaje.

Stealth Bomber – Linear Classifier, 2017 [Bombardero sigiloso – Clasificador lineal].
Cortesía del artista y Altman Siegel, San Francisco

CM: Pareciera que en tus proyectos se demarca un “adentro” y un “afuera”: no es lo mismo mirar al cielo o al espacio que mirar los desiertos. ¿Crees que esta misma tensión aparece entre la imagen y los datos que recopila? ¿Entre la transparencia y la opacidad?

TP: Pienso bastante en lo que la imagen contemporánea nos puede decir sobre la transparencia y la opacidad. Una imagen capturada por una máquina aparentemente es clara, transparente, pero los datos y los intereses que la circundan no son visibles para quienes las miramos. Incluso, la producción de esa “transparencia” está generada por dispositivos que no conocemos: puedes estar en un aeropuerto y no saber que estás siendo vigilado. Esto me permitiría concluir que la óptica de las máquinas es bastante opaca, sin hablar que su rango de visión es mucho más reducido. Pensemos en los escáneres que reconocen un número de cosas bastante reducido, algunos distinguen un plátano de un arma de fuego, pero no podrán comprender otro objeto que no se encuentre en ese rango. Esas funciones tan reducidas también opacan la imagen. En algunos dispositivos de reconocimiento facial, por ejemplo, se generan prototipos de lo que debe ser un “hombre” o una “mujer”, esas operaciones algorítmicas definen una fisonomía únicamente entre dos polos, y son interpretadas también a través de lecturas políticas que no terminan de explicar, realmente, qué es lo que estamos viendo: solo legitiman a la tecnología.

EVOLVED ENHANCED CRYSTAL in Cygnus (Electro-Optical Reconnaissance Satellite; USA 245), 2017. [Cristal evolucionado en Cygnus (Satélite de reconocimiento electróptico; EUA 245)].  Cortesía del artista y Altman Siegel, San Francisco

CM: La pintura realista decimonónica, igualmente, buscaba la objetividad de la representación mientras perpetraba ideologías. ¿Crees que tu trabajo mantenga relación con esta práctica?

TP: Pienso bastante en el realismo y en las ideologías con que se puede interpretar. Creo que lo que persiguió ese momento en la historia del arte, ciertamente, fue la objetividad, y la objetividad fue una de las tantas retóricas de lo que en ese momento se consideró que era “progreso”. Pero la óptica de la máquina nos demanda una nueva epistemología de la imagen, una que mantenga muy de cerca el contexto político en que la imagen se produce. ¿Cómo entender, por ejemplo, a la imagen en un momento post-Cambridge Analytica? Los dispositivos que utilizamos para nuestras fotografías, las redes sociales también, en algún momento se pusieron y se pondrán en nuestra contra, aun cuando apelen a la expresión de nosotros mismos, como cuando colocas un filtro sobre tu foto con el que estés apoyando a una causa cualquiera. Como mencionaba, el rango de visión de una máquina es bastante reducido, por lo que no entiendo por qué decimos que las máquinas son inteligentes cuando en realidad son muy tontas. Pero esta forma en que circulan las imágenes, y la disposición que tenemos no sólo a la fotografía sino a la información que esta genera, más que representar al progreso, considero que es bastante coercitiva, y requiere de mayor normatividad y regulación. La discusión creo que tiene que darse ahí, a nivel de lo jurídico. Soy muy firme en pensar que no existen estrategias que puedan anular a la tecnología y a la imagen sobre nuestra vida cotidiana, tales como cubrir con un papel la cámara de tu computadora. Yo creo que sería un mayor aporte si repensamos, por un lado, desde dónde y cómo están apareciendo las imágenes, y por otro, si atendemos con una mayor preocupación los debates que se están dando en la política respecto a los alcances de la tecnología. Es ahí donde se juegan los intereses, y es ahí donde pueden construirse posturas bastante interesantes. Creo que el feminismo no sería posible y no sería tan exitoso de no tener un contexto tecnológico como el nuestro. Creo que el movimiento queer tampoco podría haberse articulado como actualmente lo está haciendo, ya que en la tecnología se está jugando mucho cómo se representa el cuerpo, como mencionaba con los sistemas de reconocimiento facial.

“Fanon” (Even the Dead Are Not Safe) Eigenface, 2017 [“Fanon” (Incluso los muertos no están a salvo) Eigenface]. Cortesía del artista y Metro Pictures, Nueva York

CM: Para la arquitectura, la transparencia y el vidrio fue una revolución cuya impronta fue la de “ver y ser visto”. Actualmente, las ventanas no son el único medio de transparencia, y ese “ver y ser visto” se encuentra en los entornos domésticos con la tecnología que nos rodea. ¿Qué lectura podrías darle a este momento de la arquitectura?

TP: En mi práctica siempre he mantenido presente el ejemplo arquitectónico, las cosas que propusieron personajes como Mies van der Rohe. Lo que podría decir es que a los seres humanos siempre nos han confundido nuestras propias metáforas. Creo que la transparencia nunca consistió solamente en poner vidrio sobre un edificio. Esa transparencia ahora es espionaje masivo, por decir algo.

Comet (Corpus: Omens and Portents) Adversarially Evolved Hallucination, 2017. [Cometa (Corpus: Augurios y presagios) Alucinación evolucionada por oposición]. Cortesía del artista y Metro Pictures, Nueva York

El cargo Transparencia maquínica. Conversación con Trevor Paglen apareció primero en Arquine.

Teatro en el Parque es un proyecto impulsado por Magnifico y Lado Be, que invita a las personas a disfrutar las obras de William Shakespeare y el teatro tal y como se hacía durante el reinado de Isabel I de Inglaterra, durante los siglos XVI y XVII, cuando las obras se presentaban en los meses más cálidos del año y durante las primeras horas de la tarde para que de forma natural la luz del sol se filtrara por el techo e iluminara el escenario.

Inspirados en propuestas como Shakespeare in the Park en Nueva York, Globe Theatre, en Londres o Pop-up Globe en Auckland, los productores Claudio Sodi y Jacobo Márquez han estado trabajando durante los dos últimos años para traer a la Ciudad de México, Teatro en el Parque, esta iniciativa cultural que se presenta por primera vez en la explanada del Museo Tamayo de la Ciudad de México con una temporada que arrancó a principios de abril y terminará a finales de mayo de este año. Durante estos dos meses se pueden ver obras como Romeo y Julieta de bolsillo, Macbeth, Mendoza, Algo de un tal Shakespeare entre otras.

El foro diseñado por Adrián Martínez Frausto es un cilindro facetado realizado a base de andamios de color negro y dos niveles de graderías con una capacidad de 500 personas. La construcción fue a cargo de Factor Eficiencia y el escenario de Alberto Orozco.

¿Te interesa la museografía y la esceneografía? El Posgrado Espacio efímero es un programa que ofrece Arquine junto a la Universidad Politécnica de Cataluña con una vocación internacional clara, que propone una mirada integral, transversal y globalizadora en el ámbito del diseño y producción de espacios.

Parte de la magia de ver una puesta en escena en un foro basado en los teatros isabelinos es que el límite entre el entorno y el teatro es muy difuso. En este caso, la piel de hilo de plástico negro (el mismo usado en las sillas Acapulco) que rodea el espacio, genera una frontera semitransparente entre el exterior y el interior.
Tuve la suerte de ver Mendoza, dirigida por Juan Carrillo, una tarde de abril que empezó calurosa y soleada pero que recibió la noche con lluvia y viento. El espacio destinado al público está techado, por lo que no me mojé, pero de repente, en un sutil cambio de luz, la lluvia más ligera que jamás haya visto entró en escena y quedé cautivada por la experiencia. Aunque no pretendo hacer una reseña sobre la obra, creo importante mencionar que esta reinterpretación de Macbeth, a partir de la Revolución Mexicana tiene un rico uso de los pocos elementos escenográficos o de utilería que, para los amantes de la creación de espacios efímeros, es un deleite.

Los fenómenos climáticos, o las actividades que se desarrollan alrededor del Teatro en el Parque pueden convertirse en un personaje más de la obra de teatro, generando atmósferas y situaciones únicas que hacen de este arte vivo todavía más extraordinario.

El cargo Teatro en el Parque apareció primero en Arquine.