Presentado por:

Entre abril y junio de 1942, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó la exposición Wartime Housing, vivienda en tiempos de guerra, realizada en colaboración con el Comité nacional para la emergencia de vivienda. En el comunicado de prensa se declaraba: “Esta exposición mostrará, mediante instalaciones gráficas y dramáticas por qué vivienda adecuada diseñada por los mejores arquitectos del país es necesaria para ganar la guerra.” La exposición estuvo a cargo de Alice M. Carson, Don Hatch y Eliot Noyes, quien entonces, a cuatro años de haberse graduado de Harvard, era el director del departamento de Diseño industrial del MoMA. Sobre la exposición, Noyes declaró:

“Durante el próximo año o dos, cientos de miles de nuevas casas tendrán que ser construidas para trabajadores de las industrias de guerra. En este programa yace un gran peligro pues, con la vital necesidad de apresurarse, la planeación a largo plazo tiende a ser dejada de lado, y lo que se construye con prisa hoy, puede terminar como barrios degradados o ciudades fantasma del mañana. La gente de una comunidad puede hacer mucho para planear el crecimiento futuro de sus ciudades; si fallan al hacerlo, fallan en su responsabilidad como ciudadanos de los Estados Unidos.”

La exposición se presentó en diez escenas. La primera resumía un discurso pronunciado por Roosevelt el 6 de enero de 1942: “Este año de 1942 deberemos producir 60 mil aviones, 45 mil tanques, 20 mil armas antiaéreas. La tarea es dura, el tiempo corto.” La segunda escena hablaba de la escasez de vivienda, ya aguda desde 1938. La tercera hablaba de las malas condiciones de la vivienda: “Hogar es el lugar donde cuelgas el sombrero, donde comes, donde duermes. Es donde escuchas la radio y tomas un baño. Es el lugar donde tu esposa lava tus calcetines y los niños hacen la tarea”. Y concluye afirmando: “Si no tienes un lugar para vivir, no puedes trabajar. Eso es todo.”

En la sexta escena se hablaba de la producción de vivienda en gran cantidad, estandarizada, como años antes había recomendado Le Corbusier. En la séptima se afirmaba que “la vivienda es algo más que casas. No puedes llamar un arquitecto y esperar que resuelva todo. Es un trabajo de la comunidad y requiere mucha planeación de parte de todos.” Ocho: “Lo más inteligente que puede hacer una ciudad hoy es pensar qué quiere ser cuando termine la guerra.” En el catálogo de la exposición, la escena ocho incluye varias páginas donde muestra qué hay que sustituir y cómo. Un par de esas páginas muestra a niños jugando en la calle, cuando deberían hacerlo en espacios cerrados, apropiados para ello, y sugiere separar la circulación de vehículos y peatones. Algo que daría para detenerse más a reflexionar sobre el tipo de ciudad y vida urbana que se imaginaba entonces como ideal. La escena nueve insiste en que la vivienda es un problema de la comunidad entera: “El arquitecto o el diseñador pueden actuar como coordinadores del tamaño, tipo y costo de los edificios; la planeación del terreno y de la unidad; la relación de la vivienda con la ciudad y la industria existentes. Pero la buena vivienda no es trabajo de un hombre solo. Prácticamente todos en la comunidad tienen una tarea que realizar al hacer el plan y lograr que funcione.” Sin embargo, el catálogo cierra con una serie de imágenes que parecen afirmar lo contrario: no una serie de viviendas anónimas y de dudosa calidad, sino buenas viviendas diseñadas por Saarinen o Kahn.

Volvamos a la escena tres: el hogar es el lugar donde tu esposa lava tus calcetines. En el comunicado de prensa del MoMA se declaraba que la exhibición tenía un propósito doble:

1.Mostrar que los materiales de guerra se pueden producir en volumen suficiente para asegurar la victoria sólo si los trabajadores están disponibles para trabajar en las plantas. Los trabajadores deben tener dónde vivir; por tanto la vivienda es esencial en el programa de producción de guerra.

2.Mostrar que la vivienda no es asunto de un hombre solo sino que requiere la planificación cuidadosa de mucha gente para asegurar un buen futuro para toda la comunidad. Sólo de esa manera se puede asegurar que la vivienda en tiempos de guerra no se convierta en barrios degradados (slums) o ciudades fantasma tras la guerra.

En un artículo publicado en el New York Times el domingo 19 de abril de 1942, anunciando la inauguración de Wartime Housing, Thomas C. Linn daba una versión más cruda del primero de esos dos propósitos:

Demostrar la dependencia de la producción de guerra de la vivienda, pues los materiales de guerra no se pueden producir sin trabajadores adecuados y los trabajadores adecuados no pueden obtenerse sin vivienda adecuada.

La concepción de la vivienda como una fábrica de hombres, de obreros para las fábricas de armamento, y donde las esposas lavan los calcetines de sus maridos, no hace sino confirmar las ideas planteadas por Silvia Federici. “La reproducción de seres humanos, dice, es el fundamento de cualquier sistema económico o político.” Para Federici, el trabajo doméstico “no sólo ha sido impuesto a las mujeres, sino que ha sido transformado en un atributo natural del físico y la personalidad femeninas.” Un trabajo no reconocido y no remunerado que, como resulta evidente por los planteamientos de la exposición Wartime Housing, es esencial para el desarrollo y la supervivencia de la sociedad, en tiempos de guerra o de paz. En todo ese sistema de producción y reproducción social de hombres-trabajdores-soldados, el arquitecto —también género masculino— juega el papel de gestor, de gerente de una planta cuyo trabajo es garantizar, como escribió Linn, la continuidad en la producción de trabajadores adecuados al sistema de producción.

Quizá no sea casualidad que el texto de Linn haya aparecido en el periódico al lado del anuncio del compromiso de varias jóvenes con sus futuros esposos, algunos de ellos militares.

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El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) está cerrando sus salas dedicadas a la arquitectura y el diseño. La noticia saltaba por sorpresa desde la página de noticias The Architect Newspaper (archpaper.com).

El Museo, pionero en tener un departamento exclusivo dedicado a la arquitectura y el diseño, ha sido durante el siglo XX el lugar donde mirar cuando se trataba de arquitectura. Pocos han tenido mayor capacidad de atracción y de influencia en el discurso arquitectónico. La arquitectura ha jugado un papel clave en su programación, creando debates y figuras. De sus muros han salido conceptos como Movimiento Internacional o Arquitectura Deconstructiva. Creador de Star-Systems, entre sus muros han pasado personajes como Fuller, Le Corbusier, Mies van der Rohe, Rem Koolhaas y, actualmente y exposición, Toyo Ito, SANAA, Sou Fujimoto y otras figuras contemporáneas de la arquitectura japonesa. En su colección cuenta, además, con dibujos, maquetas, documentos y otros archivos imprescindibles para la comprensión de la arquitectura del último siglo.

Installation view of Endless House: Intersections of Art and Architecture, The Museum of Modern Art, June 27, 2015–March 6, 2016. © 2015 The Museum of Modern Art. Photo: Jonathan Muzikar

Pero en tiempos donde los museos necesitan reorganizarse a fin de atraer a nuevos sectores sociales y con la futura expansión que sufrirá el museo con el diseño de Diller & Scofidio + Renfro (DS + R), el museo plantea eliminar las denominadas “galerías específicas del medio”, una de las cuales está dedicada a la arquitectura y que actualmente acoge la exposición Endless House, curada por Pedro Gadanho, dedicada al trabajo de Frederick Kiesler y que se convierte, sin querer, en la última que sobre arquitectura en ese espacio.

Con la remodelación, no queda claro qué pasará con la colección y cómo se mostrará la arquitectura desde ahora. Lo que sí se asegura es que con la desaparición de esta sala no se extinguirán las exhibiciones de arquitectura y diseño. Incluso apunta que en el futuro tendrá una muestra de técnicas mixtas en las que la arquitectura compartirá espacio con otras disciplinas. pasando a formar parte de otras exposiciones temáticas y generales.

Installation view of Endless House: Intersections of Art and Architecture, The Museum of Modern Art, June 27, 2015–March 6, 2016. © 2015 The Museum of Modern Art. Photo: Jonathan Muzikar

Desde ArchPaper apuntan que esta forma de hacer —la combinación de disciplinas en una sola exposición— es una tendencia seguida por distintos museos en los últimos años, donde espacios como la Tate Modern de Londres llevan años haciéndolo. A eso podríamos sumar otras instituciones importantes. Por ejemplo, el Reina Sofía de Madrid prepara una exhibición centrada en la cultura artística de la España franquista donde arquitectos como Alejandro de la Sota comparten espacio con artistas como Salvador Dalí o Remedios Varo.

Parece natural. La arquitectura se ha apartado durante mucho tiempo de las otras artes a la hora de mostrarse en exposiciones. Eso conlleva una especificidad, fundamentada en el uso de un lenguaje propio —basado en plantas secciones o maquetas que siempre remiten a un objeto que no está presente— difícil de atraer a un público masivo-consumista tan necesario para muchos de los museos globales —como es el caso del MoMA. Por otra parte puede ser hasta beneficioso. Al dejar de ver la arquitectura como un sitio específico para arquitectos, ahora se puede entender su discurso particular como parte de uno mayor, vinculado a temas sociales, artísticos y políticos., creando tramas y conexiones a priori no visibles. Se trata, después de todo, de situar la arquitectura en un contexto más amplio y competitivo. abriendo la arquitectura a otros lenguajes y, con ello, a un sector social mayor, pese al lamento de que pueda perder un papel principal en el museo.

Por supuesto, estas exposiciones no matarán a la arquitectura, siempre quedarán espacios particulares donde describir la arquitectura en sí misma, con sus problemáticas específicas. Así lo atestigua la aparición de pequeños espacios como LIGA, Storefront for Art and Architecture o Monoambiente.

Además, antes de precipitarse y apuntar que el cierre significa el fin de la arquitectura en las galerías del MoMA, hay que esperar a ver el diseño definitivo de la ampliación y el papel que ocupa la arquitectura en él. En todo caso, es experimentar y ver hacia dónde puede avanzar.

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A Japanese Constellation mapea la red de arquitectos que gravita alrededor de Toyo Ito. Enfocado en el trabajo realizado en lo que va de siglo, la muestra subraya los temas que conectan las carreras de cinco arquitectos que comparten la complejidad metropolitana de Tokio, donde viven y trabajan, desde la influencia de Ito. Como mentor, Toyo Ito ha trazado el camino hacia la innovación tecnológica y la levedad material de los proyectos de las generaciones más jóvenes, representada por SANAA (la oficina fundada por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa en 1995), Sou Fujimoto, Akihisa Hirata y Junya Ishigami. La relación entre ellos sugiere un modelo alternativo al star-system dominante en los últimos años. Ellos comparten cierto compromiso por retomar las nociones implícitas en los principios de movimiento moderno originario, donde colectivamente se pretendía trascender y participar en los cambios de la sociedad. En sus trabajos la invención estructural, las distribuciones espaciales no jerarquizadas, la transparencia material y la ligereza establecen una arquitectura experimental de belleza exquisita cargada de ética y de responsabilidad. Atentos al modo en que la gente percibe intuitivamente la experiencia arquitectónica, sus proyectos persiguen crear nuevos modelos de vida, desde las viviendas donde reimaginan las rutinas domésticas, hasta los edificios culturales que reinventan el contexto urbano, pasando por las estructuras que se funden con la naturaleza. Dialogando entre ellos, estos arquitectos dan señales que refuerzan el compromiso de la arquitectura con la sociedad y a su vez, su autonomía formal, lejos de las prácticas más comunes que cada vez están más anestesiadas por limitaciones económicas, legales y funcionales.

Installation view of A Japanese Constellation: Toyo Ito, SANAA, and Beyond.The Museum of Modern Art, New York, March 13-July 4, 2016. © 2016 The Museum of Modern Art. Photo: Thomas Griesel

En esta última muestra curada por Pedro Gadanho -que dejó el MoMA para dirigir el Museo MAAT de Lisboa- los proyectos de los seis autores fluyen entre cortinas translúcidas y maquetas blancas con la misma aparente inocencia con que circulaban los protagonistas de Clockwork orange por el Korova Milk bar. Sin embargo no deja de asombrar que las columnas de Ito –tradicionalmente sólidas- se vuelvan espacios habitables; los pisos de Sejima –que definen el plano horizontal de la arquitectura- se curvan e inclinan; las viviendas de Nishizawa –habitualmente compactas- se fragmenten en cajas autónomas; los libreros de Fujimoto no sean muebles adosados sino muros de la biblioteca; las formas fractales y orgánicas de Hirata expandan los límites de la arquitectura independientemente de la escala en que trabaja; e Ishigami cree espacios diáfanos –eventualmente libres- con miles de columnas.

Toyo Ito (Keijo 1941 y premio Pritzker 2013), la estrella central de esta Constelación Láctea, se acerca conceptualmente a la arquitectura desde un lenguaje fluido que interpreta las complejidades de la vida contemporánea y complementa las limitaciones de la modernidad del pasado siglo. De joven trabajó en la oficina de Kiyonori Kikutake, uno de los fundadores del grupo de arquitectos metabolistas conocido por sus experimentos urbanos visionarios. Desde que se independizó en 1971 exploró materiales ligeros para recrear una arquitectura efímera que respondiera a los cambios sociales y tecnológicos que transformaron rápidamente a Japón en la segunda mitad del siglo XX. Su proyecto para la Mediateca de Sendai es un parteaguas de su modo de proyectar al concebir las columnas estructurales del edificio como una serie de espacios orgánicos habitables creando sorprendentes efectos espaciales.

Ryue Nishizawa. Hiroshi Senju Museum, Nagano, Japan. 2007–10. © Daici Ano

Kazuyo Sejima (Ibaraki 1956 y premio Pritzker 2010) reduce la complejidad a casi nada. Su obra demoledora y simple, poética y contundente a la vez, va más allá de los artificios minimalistas. Sus diagramas llegan a la obra construida con tal precisión que pareciera que nunca hubiera mediado un proyecto ejecutivo. Tras su formación con Toyo Ito y las primeras casas, la arquitecta formó SANAA con Ryue Nishizawa en 1997, para abordar proyectos de mayor escala. Ryue Nishizawa (Kanagawa 1966) trabajó en la oficina de Kazuyo Sejima siendo estudiante antes de fundar con ella SANAA en 1995 y su propio despacho dos años después. Desde su trabajo independiente Nishizawa busca que la arquitectura relate aquello que la rodea. Ambos, en SANAA, son autores del Campus Rolex y el Campus Novartis en Suiza, el edificio Christian Dior en Tokio, el Museo del Siglo XXI en Kanazawa, o el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York.

Sou Fujimoto. House NA, Tokyo, 2007–11. © Iwan Baan

Sou Fujimoto (Hokkaido 1971) explora conceptos indeterminados de espacio para crear estructuras que influencien las interacciones sociales y transformen las rutinas de sus usuarios. Inspirándose en formas naturales como son los árboles, las cuevas, los jardines y las nubes, parte de la falta de jerarquía de las organizaciones espaciales -que denomina  “futuro primitivo”- para rescatar la relación esencial entre el cuerpo humano y el espacio. Su primer trabajo debe mucho a Toyo Ito, quien fue su primer mentor. Sus proyectos crean espacios flexibles que rompen los límites convencionales entre interior y exterior, y entre  público y privado. En la biblioteca de la Universidad de arte Musashino por ejemplo, configura las paredes en una espiral continua que integra el Campus dentro de la biblioteca. Repensando las funciones de los elementos básicos de la arquitectura (escaleras, muros, ventanas) el trabajo de Fujimoto aporta una mirada crítica al papel social de la arquitectura proponiendo nuevos modos de ocupar la ciudad contemporánea.

Akihisa Hirata. Foam Form, Kaohsiung, Taiwan. Project. 2011. © Akihisa Hirata Architecture Office and Kuramochi + Oguma

Akihisa Hirata (Osaka 1971) también trabajó en la oficina de Ito. Su visón de la arquitectura parte de una lectura cosmogónica que va de la proteína a la jungla y la ciudad es un territorio donde la arquitectura -como actividad humana- es un sistema vivo que fermenta y enmaraña la naturaleza.

Junya Ishigami. Kanagawa Institute of Technology Workshop, Kanagawa, Japan. 2005–08. © Junya.Ishigami + Associates

Junya Ishigami (Kanagawa 1974) explora los límites físicos de la arquitectura (¿qué tan delgada puede ser la estructura?, ¿qué tan ligero puede ser un material?, ¿qué tan vasto puede ser el espacio?) para obtener nuevas experiencias perceptiva. Ishigami combina ideas estéticamente radicales con sofisticadas estructuras que hacen ambiguos los límites entre arquitectura y arte, estructura y paisaje. En el Instituto de Tecnología de Kanagawa, por ejemplo, la orientación precisa de cientos de columnas crea un bosque artificial. La manera en que Ishigami usa elementos abstractos viene de su experiencia en la oficina de Kazuyo Sejima. De ahí que su exploración formal lleva al extremo los paisajes arquitectónicos y los efectos atmosféricos.

Toyo Ito reivindicó en su discurso de aceptación del Premio Pritzker, la posibilidad de expandir la arquitectura a su máxima libertad, evitado quedar atrapado por un estilo propio. Afirmó también que “he procurado ir más allá de la retícula, inspirándome en la naturaleza y las formas orgánicas.” Ahora con esta eclosión de estrellas nuevas se perfila la constelación japonesa que inició.

Installation view of A Japanese Constellation: Toyo Ito, SANAA, and Beyond.The Museum of Modern Art, New York, March 13-July 4, 2016. © 2016 The Museum of Modern Art. Photo: Thomas Griesel

El cargo La constelación japonesa en el MoMA apareció primero en Arquine.

En 2030 la población mundial rondará los ocho mil millones de habitantes. De esos, dos tercios viviran en las ciudades. Muchos serán pobres. Uneven growth, tactical urbanisms for Expanding megacities, que se expone en el MoMA de Nueva York estos días, reune a seis parejas de equipos de arquitectos a colaborar. Combinando conocimiento local y experiencia global se abordaron las posibilidades y los potenciales de seis megalópolis en seis regiones distintas del planeta: Hong Kong, Estambul, Lagos, Mumbai, Nueva York y Rio de Janeiro. Se llevaron a cabo tres talleres en Shenzhen, Viena y Nueva York, donde se discutieron los escenarios y las posibles soluciones para el desarrollo futuro. El proyecto que propone el curador del MoMA Pedro Gadanho, parte de la premisa que el urbanismo táctico inspira y genera las herramientas de diseño que mezclan los impulsos de la sociedad civil y de las autoridades. El urbanismo táctico es un movimiento sumamente pragmático que abandona la visión holística de la planeación y se enfoca a acciones concretas e inmediatas. Así, Uneven growth es un laboratorio experimental orientado a mejorar las condiciones socioambientales de las ciudades informales y también a definir el papel efectivo y activo de los arquitectos después de varias generaciones alejadas de los proyectos públicos y de vivienda social.

Se escogieron seis ciudades que siguen creciendo y que pueden ser extrapolables a otras muchas del planeta. Todas ellas son costeras y tienen conflictos con el agua. Además tres -Rio de Janeiro, Estambul y Hong Kong- tienen movimientos de ocupación ciudadana. Tanto Hong Kong como Estambul destacan como conectores de los flujos crecientes entre Oriente y Occidente. Finalmente, Mumbai y Lagos ejemplifican la extrema disparidad urbana entre las ciudades en desarrollo.

Con el afán de crear sinergias entre equipos desconocidos, Gadanho confrontó en Hong Kong a MAP Office local y al Network Architecture Lab de Columbia University, quienes respondieron con megaestructuras a gran escala, en la linea de las utopías setenteras de Archigram o SuperStudio, para absorver millones de refugiados, preveyendo las futuras inundaciones y los cambios climáticos. En Estambul, Superpool local y el Atelier d´Architecture Autogérée de París, trabajaron con distintas escalas y distintos niveles de resilencia, imaginando tácticas de desarrollo posurbano. En Lagos se juntaron NLÉ -de Lagos y Amsterdam- con Inteligencias Colectivas de Madrid, que examinaron tres grandes retos –la provisión de energía, la provisión de agua y el transporte- para conectar las enormes diferencias físicas y socioeconómicas de la mayor urbe africana, a partir de nuevos prototipos, infraestructuras urbanas e inteligencia colectiva local. Entre otras acciones dibujaron el mapa de la ciudad, que paradojicamente, no existía. SITU Studio de Nueva York con Cohabitation Strategies de Rotterdam, exploraron las grietas de la informalidad y la pobreza que supura por la grietas de la rígida morfología de la ciudad del lujo y la opulencia, desde el micro urbanismo y la optimización de la ocupación ilegal. Si bien las diferencias ideológicas de los dos equipos no propiciaron el consenso, fue la propuesta más popular, ya que los ciudadanos neoyorkinos van a conocer y a discutir los proyectos. Rio de Janeiro aunó a RUA arquitetos –local- con MAS Urban Design del ETH de Zurich, quienes a partir de la varanda como tipología que refleja un modo de vivir abierto, desarrollaron un catálogo de pequeñas transformaciones low-tech a base de toldos, captadores de agua, jardineras y azoteas verdes. Además redibujaron el conocido paisaje urbano de Rio, visto al revés: ya no se trata de la serie de bahías que conforman la capital carioca desde el mar, sino desde las favelas viendo a la costa, con sus propuestas y transformaciones en primer plano.

Con esta exposición Pedro Gadanho muestra el proceso de seis plataformas participativas que pueden detonar la transformación de las metrópolis a partir de acciones tácticas. Una web site (uneven-growth.moma.org) donde la gente puede postear sus proyectos y sus quejas, se convierte en la continuación latente del proyecto.

Más allá del optimismo tecnológico que envuelve varios desarrollos urbanos recientes –que confían en el modelo de las smartcities, la conectividad social y las apps- las grandes concentraciones urbanas son también el caldo de cultivo de las próximas catástrofes. Quizá las propuestas de la muestra sólo ofrecen acupunturas urbanas en su intento por mejorar las condiciones, pero aspiran a que las soluciones puedan ser replicadas en otros contextos distintos. Así estos casos de estudio abren un universo de alternativas deseables: un prospecto urbano donde arquitectos, artistas y urbanistas sean capaces de mezclar la ética social en la estética urbana.

Pedro Gadanho, curador de arquitectura del MoMA de Nueva York, será uno de los ponentes en MEXTROPOLI Festival de Arquitectura y ciudad, 6-10 marzo 2015.

El cargo Urbanismo táctico apareció primero en Arquine.

Cities have the capability of providing something for everybody, only because, and only when, they are created by everybody

Jane Jacobs

por Marina Muñoz / @MHaar_

En la antigua Roma las personas acaudaladas solían vivir en las partes más altas de la ciudad, mientras que los menos afortunados vivían en las partes más bajas; de ahí la palabra suburbium (bajo la ciudad) que más adelante derivó en el término suburbios. En 1830, la palabra suburbia fue utilizada por John Wycliffe y posteriormente el adjetivo suburbano se empezó a utilizar para describir tanto al lugar como a la persona que lo habitaba. En Estados Unidos, a principios de 1930 Frank Lloyd Wright proyectó Broadacre City; la apoteosis de los barrios suburbiales, una ciudad abierta al suroeste de Phoenix, seccionada por acres como medida de planeación. El pensamiento de Wright se encaminó hacia una respuesta contumaz en contra de los principios de la ciudad tradicional. En su proyecto denunció la masificación de la ciudad por su aceleración en la producción, el consumo y la mecanización de las  condiciones de vida.

Posteriormente, el boom residencial de posguerra a finales de los cuarenta terminó de reforzar la tendencia de estos barrios extendidos a las afueras de las grandes metrópolis. En la actualidad, estas zonas de ensueño han colapsado por la precaria situación económica y social que ha derivado en hipotecas vencidas y sueños desvanecidos. Con la finalidad de retomar el interés por estas conglomeraciones y aunado a la necesidad de encontrar soluciones ante la situación actual, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizó Foreclosed: Rehousing the American Dream. Hace un año, el museo juntó a cinco despachos de arquitectura con cinco suburbios norteamericanos donde las hipotecas han devastado el paisaje físico y cultural. Con base en esto se presentan los dibujos, maquetas e imágenes de las propuestas proyectuales ante la dificultad de hacer buena arquitectura suburbana. Las edificaciones están rodeadas de un complejo tejido arquitectónico que proporciona un contexto revitalizador.

Por otro lado, los edificios situados en ambientes rurales no se predisponen al inexistente contexto construido inmediato, teniendo una libertad formal casi deliberada. En cambio, los edificios suburbanos mantienen una particular responsabilidad para forjar un ambiente diferente y percibirse como estructuras independientes y singulares. Los trabajos presentados hablan de cómo los suburbios pueden equipararse a la cambiante economía y aún así mantener su estatus de vivienda sustentable. Así, las intervenciones exhibidas alteran los patrones de desarrollo, las estructuras de financiamiento, y las concepciones de espacio público y privado para asegurar que las comunidades satélite puedan sobrevivir al aumento de precios de la energía y los sesgos demográficos contra los estilos de vida suburbanos. La pregunta es, una vez que estos cambios se efectúan ¿estos poblados aún funcionarán como un suburbio?

Tres de los esquemas de la muestra, de firmas neoyorquinas, proponen construir nuevas calles para activar la vida social y económica de los suburbios. MOS estudió el condado de Orange en Nueva Jersey; donde bajo la propuesta Thoughts on a walking City, crean una ciudad de tránsito dentro de un barrio saturado de transporte público, llenando las calles con un listón continuo de casas en tres niveles. La firma Visible Weather desarrolló Simultaneous City en Temple Terrace, Florida donde el diseño propone nuevas calles densamente compactadas elevadas un nivel arriba de la franja comercial del suburbio. WORKac ideó Nature-City en Keizer, Oregon. Su plan preserva el paisaje natural alrededor del suburbio, extendiendo las calles mediante muelles urbanos construidos a lo largo de uno de los bordes del poblado.

Los otros dos equipos se aproximaron al problema en escalas diferentes. Studio Gang Architects, de Chicago, estudió la arquitectura de un típico edificio de apartamentos. Su esquema, The Garden in the Machine localizado en Cicero, Illinois retoma una antigua y abandonada bodega como una cooperativa de edificios residenciales, modificando el post industrial sitio con exuberantes jardines. La firma angelina, Zago Architecture, examinó la estructura de la subdivisión suburbana de Rialto, California.Property with Properties acepta el planeamiento básico de la comunidad y reimagina las estrategias paisajísticas suburbanas convencionales y los diferentes tipos de edificios.

En terrenos pensados para residencias unifamiliares, el esquema propone la construcción de múltiples casas habitación, uniendo las propiedades con nuevos paseos arbolados que conectan las manzanas. La muestra, presentada hasta el 13 de agosto del 2012, se une a los intentos de inyectar diseño a las áreas aledañas en las grandes metrópolis. La eterna discusión de la densificación queda en el aire al ver de cerca los cinco esquemas que proponen convertir manchas urbanas en ciudades.

Fotos: Cortesía MoMA

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