Nacido en la España que entraría en la guerra civil y luego en la dictadura, Milá ha vivido en carne propia la historia misma. De cuna aristocrática, fue el octavo de nueve hijos y abandonó los estudios de arquitectura convencido que ese no era el camino. Fue el primer diseñador contemporáneo español que no se formó como arquitecto, lo que le dio a sus creaciones un carácter muy especial. En primer lugar, una manufactura muy cercana a las tradiciones artesanales. Milá siempre imprimió a sus ideas esa sensación sencilla y humilde que la manufactura manual implica, aún así su pensamiento de vanguardia le llevó a crear productos atemporales de vigencia actual indiscutible. Milá decía que había que partir de una idea e irle quitando “lo que sobraba”, lo que hizo a sus creaciones sencillas y atemporales transfiriéndoles así su propia filosofía de vida. 

Algo conocía yo del trabajo de Milá, pero fue mi amigo Rodrigo Fernández quien me hizo comprender su importancia en el diseño español. Recientemente presentó en su showroom, de la mano de Santa & Cole, una serie de objetos maravillosos y fue al tocarlos y usarlos que me enamoré de su trabajo. Hoy en día son sus nietos los que promueven su trabajo y quienes ha seguido los pasos del abuelo, evangelizando al mundo con lo bien hecho, con lo sencillo y práctico.

Milá fundó su primera empresa con un nombre que, sin duda, terminaría de definir su carácter: TRAMO (Trabajos Molestos). También fue la editora de iluminación de sus primeras piezas que lo catapultaron al mundo del diseño. Fue una empresa que nacía en una España de carestías, un espacio de la postguerra en medio de la dictadura, un oasis de ideas frescas y sueños de materialidad bajo los cánones de la modernidad. Con el tiempo, de la mano de las empresas españolas que comenzaron a conquistar los mercados extranjeros, sus creaciones le dieron la vuelta al mundo.

El trabajo de Miguel fue reconocido ampliamente en vida. Justo ahora en septiembre de 2024 le entregarían la medalla de oro de Barcelona. Recibió el Premio Nacional de Diseño en su primera edición en 1987 y en 2008 el prestigiado Compasso d’oro. En 2016 fue condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes mismo que recibió de manos del Rey Felipe y la Reina Letizia. Miguel fue siempre un gran embajador del diseño español y del diseño como parte importante de la vida y los objetos cotidianos, un incansable promotor que siempre participó en actividades de difusión y divulgación de la disciplina, inspirando a miles de jóvenes.

Se nos va uno de esos diseñadores que no creía en la tecnología, sino que era un “artesano” y creía fielmente que el diseño es la herramienta para transformar al mundo. Con su desaparición se nos va un pionero del diseño como hoy lo entendemos y del diseño como debería ser. Quedan entre nosotros sus objetos y sin duda el espíritu de un diseño optimista, sencillo y lleno de belleza, un diseño que “quita todo lo que no sirve”.

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Su inauguración se llevó a cabo el 1o. de julio de 2022 resultando ser una exposición-homenaje al diseñador. Es como estar en una mezcla de taller de maquetas y archivo personal, ya que, presenta prototipos y objetos terminados de sus proyectos, de todo lo que trastocaba su genialidad y sus inspiraciones. Al mismo tiempo, el nombre de esta exposición está inspirado en un lenguaje gráfico identificable de Virgil, inspirado por la señalización y comunicación urbana de las ciudades. Esta visualidad tipográfica se aprecia en todos sus diseños, específicamente los que continúa comercializando su marca OFF White. Figuras de discursos, es el nombre que le da Virgil a sus usuarios, a los que usan sus prendas, pensándolos como discursos que se personifican al caminar en una pasarela en Paris, en las calles de la Ciudad de México o al estar en un museo en los pies de los cuidadores de la sala de esta exposición.

Esta narrativa abarca 5 universos de la obra de Virgil: la arquitectura, la música, el diseño, la moda, iglesia & estado, para terminar con una instalación llamada Escultura Social.

Situada en uno de los museos más antiguos de Estados Unidos y con una colección enciclopédica bastante peculiar, el Museo de Brooklyn de Nueva York, es casa de la icónica instalación “The Dinner Party” de la artista Judy Chicago. Un recinto que apoya su escena cultural inmediata y que abrió sus salas a “Figures of speech” hasta enero del 2023.

El primer universo presentado es el dedicado a “ARCHITECTURE”  y a la oficina especializada en arquitectura que fundó Virgil, quien propiamente se formó como ingeniero civil e hizo un master en arquitectura por el Instituto de Tecnología de Illinois, esta oficina es conocida como ALASKA ALASKA. La filosofía integral de este estudio es la de construir espacios para nuevas voces, generar nuevos procesos y cuestionar la idea de “autoridad”. Hacer nuevos estatutos de nociones desactualizadas mediante experimentos espaciales.

Después viene el universo “MUSIC” donde Virgil conectaba con muchas subculturas del arte. No se iba a quedar atrás en cuestión de música. Es más, me atrevo a decir que su figura fue crucial en la forma en que la industria de la moda hoy en día avanza de la mano de los lanzamientos de nuevos discos o sencillos de raperos, cantantes pop, rock o r&b.

En paralelo a lo que trabajaba en OFF-White y Louis Vuitton (fue el primer director creativo afrodescendiente de las colecciones masculinas de 2018 a 2021) permanecía haciendo redes de colaboración en la construcción de escenografías para festivales o participando como DJ en fiestas high end de la industria de la moda y la música. Por otro lado, Kanye West le confió la dirección creativa de DONDA, donde coordinaba los ejes artísticos de las giras del rapero, todos los artículos de venta para sus giras mundiales, diseño de escenarios, etc. No sólo lo empezó son West, sino que expandió colaboraciones con muchos más artistas en la escena.

“DESIGN”. Sin preguntas o cuestionamientos, el diseño no existía para Virgil. La transparencia en cada uno de sus procesos y métodos de diseño tenían mucho que ver con su formación técnica en arquitectura. Tenía una gran admiración y múltiples referencias hacia Mies van der Rohe. El homenaje que hace al Pabellón de Barcelona en su aclamada pasarela de la colección otoño-invierno 2021 de Louis Vuitton “Peculiar Contrast, Peculiar Light” fue muestra de ello.

El universo dedicado al “FASHION” es el más esperado de la exposición. La carrera de Virgil en el mundo de la moda empezó con una prenda básica, una playera. Al inicio del nuevo siglo, en los 2miles, sus diseños le llamaron la atención a un Kanye West, con quien hizo equipo y no dejaron de colaborar desde entonces. Su primera marca de ropa la lanzó en 2012 y se llamaba Pyrex Vision, totalmente inspirada en la calle, la ropa deportiva, imágenes provocativas y arte contemporáneo.

En 2013 lanzó la afamada OFF-White estableciendo un estudio en la ciudad de Milán, capital tradicional del diseño y la moda. Ese mismo año empezó a presentarse en las semanas de la moda en Europa. El nombre de la marca alude a su ojo crítico hacia su preocupación social, y apuesta por un estado ambiguo que no es ni blanco ni negro, es OFF-White. Casi todas las colecciones son investigaciones temáticas que abordan la calle, la raza, historia, etc.

“CHURCH & STATE”. Es un universo no muy claro, pero que muestra la postura que Virgil tuvo a lo largo de su carrera sobre la poca distinción entre el arte y el consumo, pues consideraba que el capitalismo y el consumo estaban inevitablemente presentes en la invención y la creación de objetos. En su práctica, cuestionó si es que realmente existían diferencias entre lo comercial y lo artístico. Para él, no hay diferencia entre sus obras artísticas y sus diseños puestos en el aparador, ambos tienen el mismo valor cualitativo.

Y al final, cierra con SOCIAL SCULPTURE diseñada por ALASKA ALASKA. Una instalación que formalmente asemeja una casa donde diseñadores, artistas, arquitectos, estudiantes, activistas y la comunidad del Museo de Brooklyn puedan intercambiar ideas y reunirse continuamente. La premisa de diseño está sentada en lo que David Hammons denominó como “arquitectura de la negritud” por cómo los afrodescendientes trabajan en Harlem, la forma en que ellos hacen carpintería, nada encajando pero todo funcionando. Sin esa pulcritud que los blancos tienen. Virgil consideraba esta escultura como una representación del espacio negro, un monumento vivo que tiene el potencial a través del intercambio de ideas para inspirar la creación de más espacios diversos.

El legado de Virgil Abloh no sólo trastocó disciplinas, sino esquemas políticos y representativos. Una leyenda que en poco tiempo nos hizo cuestionarnos TODO.

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Se trata de una gama de muebles caracterizada por formas simples pero rigurosas y que ofrece un espectro infinito de configuraciones. Los mismos son el resultado una estrecha colaboración entre UniFor y OMA desde 2018.

Los elementos, que cumplen múltiples y diversas funciones y aplicaciones, han sido diseñados para dar forma a todo tipo de espacios, ya sean de trabajo, de espera, de reunión, de descanso o cualquier combinación de dichas funciones. Cada espacio tiene una identidad propia diferenciada por formas, colores y dimensiones. Cada pieza de la colección ha sido diseñada específicamente para garantizar la flexibilidad del lugar de trabajo y ofrecer el máximo nivel de funcionalidad para la comodidad de sus usuarios. Los escritorios y mesas tienen superficies de doble capa para múltiples usos, como comer, trabajar y organizar. Los muebles están totalmente cableados, lo que brinda a los usuarios la flexibilidad de trabajar en cualquier lugar de la oficina, mientras que los materiales están insonorizados y se incorporan en su diseño para un rendimiento acústico elevado.

– Rem Koolhaas, socio de OMA: “OMA y UniFor han trabajado en estrecha colaboración para crear una línea de muebles única que responda a las necesidades de la cultura del espacio de trabajo en el siglo XXI. Este experimento comenzó con el Axel Springer Campus, un edificio de oficinas en el corazón de Berlín que recibe a unos 3000 empleados todos los días. El resultado generó nuevas formas exitosas de interactuar y comunicarse dentro de la oficina y ahora está disponible para una audiencia más amplia. Tenemos curiosidad por ver cómo los módulos (colores, materiales, funciones y formas) de la colección PRINCIPALES se combinarán y servirán para diferentes entornos de trabajo a nivel mundial”.

– Carlo Molteni, Director General de UniFor: “Colaborar con OMA ha sido una experiencia importante porque nos ha permitido mirar más allá de las formas habituales de percibir el espacio y llevar nuestra capacidad de fabricación a una nueva área de pensamiento, gusto y negocio. Tengo mucha fe en esta colección. Su fuerte identidad es una combinación perfecta para la personalidad emprendedora de UniFor”.

– Philippe Braun, asociado de OMA: “Al diseñar esta colección, queríamos ofrecer a los usuarios flexibilidad para determinar su propio lugar de trabajo. El sistema modular con una gama de elementos adaptables permite la exploración de diferentes configuraciones de lugares de trabajo. La experiencia de UniFor fue fundamental para crear esta colección que se adapta al espacio de la oficina y más allá”.

El proyecto está dirigido por Rem Koolhaas, con Project Architects Philippe Braun y Giulio Margheri en colaboración con el diseñador Antonio Barone. PRINCIPLES se presenta en el nuevo showroom de UniFor en Viale Pasubio 15 en Milán durante la Semana del Diseño de Milán 2022 hasta el 12 de junio de 2022.

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La muestra Una modernidad hecha a mano. Diseño industrial hecho en México, 1952-2022 toma como punto de partida la exposición pensada por Clara Porset para reunir 70 años de producción mexicana de diseño. Inaugurada en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y curada por Ana Elena Mallet, la muestra busca establecer un diálogo entre diseñadores y artesanos “para trazar una genealogía de autores que apostaron por generar una cultura material mestiza como imaginario de un modo de vida”, a decir del comunicado de prensa que acompaña la exposición. Una modernidad hecha a mano se organiza en tres partes. La primera está conformada por lo que fue presentado en la exposición de1952. El registro de las piezas exhibidas para El arte en la vida diaria, clarifican cómo el diseño industrial convivió con las técnicas artesanales de la época para consolidar el discurso de lo que fue la primera exposición de diseño industrial en México, y de lo que formó parte de la misión cultural de las políticas culturales de la época. La segunda parte toma como punto de partida la investigación iniciada por Porset en torno al mobiliario vernáculo mexicano y cómo éste fue insertándose en los interiores domésticos de la arquitectura mexicana moderna. En los interiores funcionales proyectados por Miguel Covarrubias, Juan Sordo Madaleno, Luis Barragán y Enrique Yáñez, se insertaron piezas de arte indígena y de sillas vernáculas a un lado de aquello que ya empezaba a diseñarse con técnicas industriales  mediante un entrenamiento legitimado por las academias, aunque sin perder las referencias al pasado de México. La tercera parte, la más abundante de toda la muestra, reúne la producción de artesanías elaboradas bajo la supervisión de una diversidad de diseñadores que trabajaron en Cuernavaca, Taxco, Oaxaca y Guadalajara, estableciendo talleres que pusieron en el mercado productos que llamaron la atención de un sector primordialmente turístico, dadas sus cualidades formales que unificaban, con mayor contundencia, los procesos industriales con los artesanales. En un espacio de dos décadas (de 1950 a 1970), los lenguajes locales fueron el punto de partida para mayores experimentaciones, consecuencia de un avance tecnológico que fue sofisticándose conforme crecía la industrialización del país. Esta parte también suma diseño contemporáneo.

Uno de los aciertos de Una modernidad hecha a mano es la manera en la que se presentan los objetos. Museográficamente, la muestra alude a las tiendas de diseño y a los bazares; al atiborramiento de los escaparates y a un recorrido que es similar a cuando uno visita un almacén departamental buscando un producto para su propia casa. Si los museos de arte contemporáneo pueden llegar a disminuir el contexto de aquello que exhiben (el cubo blanco, de alguna manera, aísla los objetos que se muestran), esta exposición lo conserva, consiguiendo que el espectador aprecie la funcionalidad de los diseños que está mirando, más allá de la importancia histórica y estética de lo que se muestra. Las mesas y los asientos no se encuentran detrás de vitrinas, y están a una altura donde es posible apreciar su ergonomía y sus acabados. Esta estrategia museográfica es una cita clara a lo que Clara Porset pretendió para su propia exposición, la cual proponía que se exhibieran “muebles de diseño contemporáneo y su herencia cultural, prehispánica y colonial” a la par de “objetos útiles y bellos para uso diario (con un costo accesible)”. En Una modernidad hecha a mano miramos algunos trabajos canónicos de Michael van Veuren a un lado de las cerámicas y de los diseños textiles que representaron una imagen de un México que podía ser consumible y que establecía un contraste colorido en la domesticidad moderna. Además, el gran escaparate que propone la exposición anula las jerarquías históricas, por lo que las producciones de Ernesto Gómez Gallardo conviven con las del ceramista Hugo X. Velásquez o los lapiceros de Mauricio Lara. El diseño mexicano no se detuvo en el periodo moderno y ese continuo se ha mantenido a lo largo de 70 décadas, incluso robusteciéndose: en el país, la industria del diseño está más que presente, y conserva algunos rasgos que le dieron identidad desde la inauguración de El arte en la vida diaria. Sin embargo, conviene tomar algunas distancias o apuntar ciertos matices.

Una de esas metodologías que se mantienen en el diseño contemporáneo es la de “rescatar”, “retomar” o “citar” el diseño vernáculo y la artesanía. ¿Qué significa esta construcción de una cultura material mestiza? En su ensayo ya clásico “El arte de mostrar arte mexicano”, Olivier Debroise apuntó algunas ideas al respecto, señalando que “en el siglo XXI, el ‘problema indígena’ fue eliminado del discurso y de la ideología oficial mexicana, y enterrado por décadas bajo una construcción mítica desarrollada en los años veinte para unir, mediante una reducción retórica, fragmentos étnicos dispersos”. Añade que “la idea de una cultura mestiza fue ampliamente aceptada como discurso oficial debido a que era sencilla e incluso poética, y llenaba la necesidad de definir lo que es ‘nacional’ en un país construido sobre ruinas y dotado de una geografía caótica”. Fernando Gamboa, a quien Clara Porset le dirigió su propuesta de exposición, formó parte de este contexto histórico y asimiló la idea de mestizaje para llevar a cabo exposiciones que hablaran de una identidad nacional que cualquiera pudiera identificar, eventos que se ajustaran a “la relativa flexibilidad ideológica de los ‘gobiernos de la Revolución’ que aún en la actualidad sigue dictando tanto la política exterior del país como sus políticas culturales”, lo que hizo a Gamboa “un hombre del sistema y un artífice de la imagen de México”. La hoja de ruta trazada por Porset respondía al espíritu de la época, ya que El arte en la vida diaria pretendía cerrar la separación de las “artes mayores” y las “artes menores”, además de rastrear la expresión “extraordinaria” de los objetos utilizados por el pueblo mexicano desde tiempos prehispánicos.

Una modernidad hecha a mano concede que no existe separación entre el diseño y la artesanía, porque la artesanía conlleva procesos de diseño. También, la muestra sí señala que el desarrollismo y la industrialización se trabajaron a la par que los discursos nacionalistas de la primera mitad del siglo XX, lo que permeó, por ejemplo, un momento de la producción artesanal, repleta de referencias pretendidamente mayas que, como señala Debroise, redujeron a un mero efecto plástico una serie de identidades que, al final, estimularon un comercio muy nutrido, generalmente cultivado por los extranjeros que visitaban México. Pero sigue abierta la pregunta de qué implicaciones tiene ese mestizaje del diseño; qué significa que un diseñador, legitimado por academias y medios de producción más tecnificados, incluya en sus producciones las formas vernáculas del diseño. El montaje de Una modernidad hecha a mano justifica que se hayan reunido copiosamente una serie de objetos que demuestran la diversidad y la fortaleza de la disciplina nacional. Se justifica con éxito una escenificación, pero se eluden algunos puntos críticos que son más que pertinentes. Como apunta Federico Navarrete en su Alfabeto del racismo mexicano, “el drama del mestizo mexicano es que nunca quiso serlo en verdad. En su biblioteca y en su árbol genealógico, en su forma de vestir y de pensar, aspiró a adquirir los atributos idealizados de la blancura occidental”.

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La exhibición es un paso crucial para la publicidad y el marketing. No importa de qué manera, un espacio característico para exhibir productos es indispensable. Un espacio que integre la función de exhibición con las características únicas de los productos puede brindar a las personas una experiencia más tangible, para comunicar los productos de manera más efectiva, estimular el consumo y promover el desarrollo de la industria.

La flexión de paneles delgados genera esfuerzos que mejoran la estabilidad estructural. Cada elemento de panel de madera con una curvatura diferente es una unidad de tensión “arqueada”. Las unidades “arqueadas” se anclan entre sí, con los extremos inferiores llegando a los soportes de exhibición. Por tanto, la estructura física de estos elementos es también la forma de transmisión de la fuerza. Es un elemento estructural y también un componente funcional del mobiliario de exposición. El módulo de los estantes de exhibición se ajusta a los variados tamaños de productos agrícolas, y los componentes estructurales también funcionan como estantes de exhibición. Los elementos de madera se extienden y “suspenden” bajo los marcos de acero del portal, produciendo una atmósfera natural en el espacio existente.

La sección corta de cada marco de acero del portal individual tiene 15 m de largo y 6,5 m de alto. A través de una evaluación cuidadosa en la escala de la sección, se colocan tres conjuntos de estantes de exhibición debajo de los marcos de acero y se organizan cuatro pasajes (cada uno de aproximadamente 3,2 m de ancho neto) para asegurarse de que en ningún caso el lugar esté abarrotado.

Antes de que se completaran los planos de diseño, se realizaron pruebas de flexión continua en paneles de madera delgados individuales y, de esta manera, el equipo de diseño obtuvo parámetros técnicos relevantes con respecto a la curvatura. Sin embargo, durante el proceso de construcción, debido a muchas superposiciones de elementos de barra, la curvatura variada de las diferentes secciones del sistema de visualización y la distribución irregular de costras de diferentes lotes de materiales del temporizador, hubo desviaciones entre los dibujos de diseño y la ejecución real. Para proceder con la construcción de manera más efectiva y garantizar el máximo uso de materiales comunes, el equipo de diseño decidió tomar los dibujos como referencia para controlar la forma  de organizar las estructuras, y mientras tanto pidió a los trabajadores que realizaran repetidas pruebas en el sitio para obtener la curvatura final y más adecuada de cada sección de todo el sistema de madera. Luego, los resultados fueron revisados ​​e incorporados a los dibujos de diseño, como base para deducir y modificar otros componentes materiales y nodos de conexión.

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Con grandes puertas de entrada que se pueden abrir, el espacio tenía el potencial de convertirse en parte de la calle y al mismo tiempo atraer la vida de la calle. El diseño del proyecto se basa en un conjunto de diferentes patios, con diferentes personajes, alrededor de los cuales se organizan los módulos de trabajo. Este diseño se hizo pensando en las gradaciones de público a privado y los diferentes eventos que pueden ocurrir en cada lugar. También tiene como objetivo explorar el volumen completo del espacio agregando un nuevo nivel que mantiene la apertura y el flujo del espacio general.

Desde el principio, el proyecto tuvo como objetivo introducir materiales antiguos y explorar posibilidades de reutilización. Después del diseño esquemático, nos dispusimos a recopilar e inventariar las piezas antiguas de las demoliciones que luego se usaron para dar forma y piratear el esquema espacial básico. Junto con las plantas en maceta, la paleta de materiales genera una sensación de ambiente exterior como si se extendiera desde la calle, donde las vainas se convierten en los pequeños universos interiores dentro de este espacio “al aire libre” como en un pequeño vecindario.

Vimos las vainas de trabajo como estructuras abiertas para ser contaminadas por sus ocupantes. Según el diferente carácter personal de cada ocupante y los diferentes momentos, las vainas podrían estar más o menos abiertas. Esto genera gradaciones de permeabilidad muy diversas y dinámicas dentro de un mismo marco.

A través de la experiencia de construirlo nosotros mismos, pudimos ajustar cada elemento a su posición final, lo que nos permitió pensar más cerca de la escala del cuerpo. Se convirtió en un proceso muy cercano y atento donde cada material y detalle podía ser llevado a su máximo potencial. Esta atención a la combinación de materiales nos permitió crear diferentes ambientes y microcosmos para cada área de trabajo dentro del espacio general.

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Hablar de la madre de los cuervos (los seguidores y portadores de las prendas negras de Commes des Garçons) es, además de ser un reto, involucrar en la conversación la historia cultural del vestido, del diseño en todas sus vertientes y, sin duda, de arte conceptual. 

El hablar de algo tan cotidiano, como lo es el cuerpo y el vestido, podría pensarse equivocadamente como algo banal. Sin embargo, la ropa es la conexión que tenemos con el mundo. Hablar de Rei Kawakubo es pensarla como un producto cultural japonés disruptivo. Es parte de una oleada de creadores igual de rebeldes, aunque quizás ella es la más enigmática.

Kawakubo, al ser profesional en Historia de la Estética Occidental y Oriental, sabe perfectamente cómo ligar sus referencias formales y materiales para la creación de cada objeto y prenda dentro del universo de Commes des Garçons, empresa fundada por ella en 1969 en la ciudad de Tokio. 

En 2017, la galería parisina A1043 reconoció la importancia de mostrar una parte no tan conocida de esta diseñadora: los muebles que creó para sus tiendas. Esta exposición se realizó en el mismo momento en el que  Art of the In-Between, su retrospectiva en el Museo Metropolitan de Nueva York, estaba vigente. La muestra en París retomaba el periodo en que se diseñaron múltiples sillas, mesas y aparadores de la marca CDG entre 1983 a 1993. Estas 15 piezas eran muebles de materiales crudos como acero, madera y cadenas de metal, el ambiente ideal que envolvió el universo de CDG durante una década. Cada tienda se asemejaba mas a una galería minimalista que a una boutique, donde arquitectos y diseñadores de interiores (como Yasuo Kondo, Nick Helm, Nick Browne y Takao Kawasaki) transformaron el pensamiento y visión de la diseñadora, traduciéndola en espacios para vender. Inclusive en 1995, Peter Eisenman y Silvia Kolbowski intervinieron su boutique de Nueva York con una escultura de madera. Todas sus tiendas eran escaparates dedicados a esculturas usables (wearables). Algunas muy cómodas y otras no tanto, pero eso nunca ha importado.

El galerista de A1043, Didier Jean Anicet Courbot comentaba: “Son objetos definidos entre esculturas y muebles, lo mismo que hace con sus prendas. Las puedes usar, pero también las puedes admirar a lo lejos”. La deconstrucción, funcional y material, de todos los elementos diseñados por Rei Kawakubo tiene múltiples capas de significados: es pensar una prenda como una armadura, un uniforme de guerra y protección que representa en ocasiones lo práctico y así como lo no funcional y conceptual. 

Para los estudiados y las masas, ella es una artista, una japonesa punk que se decepciona cuando se entienden demasiado sus desfiles o nuevas colecciones. De manera contraria a esto, ella se piensa como una mujer de negocios que tiene que vender y quien intenta sobrevivir a la crisis que actualmente vive la humanidad. 

Es del grupo de diseñadores japoneses que llegó por primera vez a enseñar en París sus creaciones en los años 80, compartiendo escena junto a Karl Lagerfield, Giorgio Armani, Versace. Lenguajes distintos unidos en occidente. Forma parte de los renegados, los anti-moda que se encuentran en los tonos oscuros, el oversize, negando la forma del cuerpo y que se rigen por conceptos que van mas allá de las tendencias. Donde existen extensiones, vacíos, aberturas y deformidades. 

Este es el lenguaje de la diseñadora japonesa más punk de la historia del vestido, madre de los cuervos negros. Muy distinta a Coco Chanel. 

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El CUPA fue el primer multifamiliar de México y uno de los primeros experimentos de vivienda de interés social en el mundo. A nivel urbano y arquitectónico, su diseño retoma varios principios del utópico plan maestro de la Villa Radiante que propuso Le Corbusier en 1933, planteando una nueva manera de hacer frente a la creciente demanda de vivienda de la Ciudad de México.

El conjunto se compone de 1,080 viviendas en cinco tipologías diferentes que se distribuyen en seis edificios de gran altura y en otros seis edificios bajos dentro de una supermanzana. En la planta baja se ubican servicios, comercios y equipamiento para los habitantes del conjunto. Los edificios tienen un sistema estructural robusto y modular de vigas y columnas de concreto que evitan muros estructurales y permiten mucha flexibilidad para reconfigurar las viviendas al interior.

El encargo lo realizó una pareja con dos hijos que se había mudado al CUPA hace más de 15 años. Su departamento corresponde a la tipología de “vivienda tipo A” que consta 55 m² distribuidos en dos niveles. El nivel de acceso albergaba la cocina y el comedor y, el nivel inferior la sala, recámara principal, recámara secundaria y baño. Nuestra propuesta interviene la escalera original haciendo un desarrollo más corto que permite ganar área en el nivel de acceso y altura en el espacio muerto bajo la escalera. Esto permitió crecer y construir un nuevo comedor, reubicar la cocina y generar un cuarto de lavado/bodega.

El espacio muerto bajo la escalera se transformó en una sala de televisión/vestíbulo. Para resolver el problema de la privacidad entre las recámaras y mejorar el espacio de almacenamiento en el nivel inferior, se reconfiguró la distribución a través de una gran pieza de carpintería con espacios de almacenamiento que funciona como elemento divisorio. Este elemento de carpintería respeta las distintas alturas de las vigas de concreto, dejándolas pasar libremente, con lo que se mejora la iluminación natural. Con el mismo propósito se sustituyeron algunos muros de yeso por muros de vitroblock. Se retiró el aplanado de yeso de las vigas y el techo para revelar la textura y belleza de la cimbra de concreto enduelada. La reforma también incluyó una nueva propuesta de iluminación mediante la restauración de las cancelerías originales y un nuevo plafón de acero galvanizado debajo de la escalera del vecino que protege al departamento de constantes escurrimientos.

El cargo Reforma de vivienda en el multifamiliar CUPA | Escobedo Soliz apareció primero en Arquine.

Betina Rincón: Algunos opinan que no existe tal cosa como el diseño mexicano, sino sólo el buen diseño, que es universal al tiempo que local, porque aprovecha la diversidad de materiales que ofrece el territorio y se interesa por los saberes y tradiciones artesanales de sus habitantes. Para ustedes, ¿qué es el diseño mexicano? 

Marcelo Sánchez Bretón: Nosotros buscamos convertirnos en una iniciativa que impulse el diseño mexicano desde su significado: ¿quiénes hacen el diseño mexicano?, ¿quiénes están involucrados? Al identificar estos actores nos damos cuenta de cómo el diseño mexicano ha ido cambiando y se ha vuelto cada vez más auténtico e innovador, porque ha evolucionado no sólo desde su herencia tradicional folklórica sino desde la potencialidad que resulta de la unión entre lo nuevo, lo contemporáneo y las técnicas que, en muchos casos, son artesanales y, en otros, automatizadas. 

Alejandra Martínez Castillo: El diseño mexicano surge cuando ya se ha absorbido esa “mexicanidad”. Cuando se han entendido las costumbres y los modos de habitar.

Ramses Viazcán: Estoy de acuerdo en que el buen diseño es universal pero también creo que hay ciertos valores que nos unifican como diseñadores mexicanos, y uno de ellos es la querencia, esa palabra que describe la costumbre de regresar al sitio donde nos hemos criado. Hacemos uso de los materiales locales como el barro, la madera… Aquí, donde estamos, no hay ningún objeto de plástico: esto es algo que repito a mis estudiantes constantemente, porque el plástico no se relaciona con nosotros como sí lo hace el barro. Tendríamos que llevar esos materiales a otros objetos y reinventarlos. Octavio Paz decía: “Vasija de barro cocido: no la pongas en la vitrina de los objetos raros. Haría un mal papel”. Tendríamos que sacar la vasija de barro cocido de donde la tenemos escondida.

BR: Creo que la querencia y la identidad van muy de la mano. En México es difícil desligarse de esa identidad. Está constantemente presente en la ciudad, en la comida y en el lenguaje. Esto no sucede con esa intensidad en todos los países de Latinoamérica. ¿Cómo lo viven ustedes?

RV: Es una carga pesada y una responsabilidad muy grande. Es algo que me recuerda a una historia. Este mes, el 5 de mayo, se conmemoró el día de la Batalla de Puebla. Ese día de 1862 el ejército mexicano se enfrentaba a las tropas francesas que los superaban en preparación, número y armamento. El General Ignacio Zaragoza se dirigió a sus tropas para animarlos y les dijo: “Sus enemigos son los primeros soldados del mundo, pero ustedes son los primeros hijos de México”, y creo que así nos sentimos en todo lo que hacemos.

BR: Es posible que esos valores que unifican a los diseñadores mexicanos sean evidentes en este showroom. Aún y cuando sabemos que cada uno de los objetos que se exhiben son de 54 marcas diferentes, parece que estuvieran hechos por las mismas manos. 

RV: Es maravilloso ver cómo conviven todos estos objetos en un mismo lugar. Los diseñadores estamos acostumbrados a fotografiar nuestros productos de forma aislada. Para un catálogo, por ejemplo, sólo si hace falta complementar la escena incluimos algún otro objeto que no llame mucho la atención. La realidad es que en nuestros hogares los objetos conviven unos con otros en una diversidad de colores, materiales y acabados.

MS: La colaboración entre las diferentes marcas permite reunir en un mismo lugar las mejores propuestas de diseño en México y hay piezas de todos los precios. La idea es llegar a más usuarios y normalizar el diseño mexicano. 

RV: Sobre todo, sería importante descentralizar el diseño mexicano. Pareciera que en la Ciudad de México fuera más valorado que en otras ciudades.

AM: Es cierto, aunque nosotros hemos logrado reunir marcas también de Guadalajara, Monterrey, Puebla y Mérida, por ejemplo. Realmente hay propuestas muy buenas fuera de la  Ciudad de México.

BR: ¿Qué ventajas encuentran las marcas mexicanas en pertenecer a una red de diseño como ésta?

MS: El objetivo es fortalecer la industria del diseño con un modelo en el que se mejoran las condiciones operativas de las marcas para mantener márgenes atractivos de ganancia en un esquema de bajas comisiones. Así se abre un canal sólido para que las marcas comercialicen sus productos y, a cambio, ofrecemos a los usuarios garantía de calidad en el diseño y manufactura de las piezas.

RV: También resulta conveniente que alguien más se encargue de la comercialización mientras los diseñadores estamos haciendo lo que sabemos hacer: diseñar. 

Las piezas clasificadas en su página web bajo las categorías accesorios, iluminación y mobiliario son tanto estéticas como utilitarias y han sido diseñadas y fabricadas en diferentes ciudades del país. Algunas de las marcas que forman parte de Dikat son: aaba, Arudeko Axoque, Común, Comité de Proyectos, Dórica MDC, Melissa Ávila, Natural Urbano, PECA y Ramses Viazcán. Su objetivo es sumar más talento mexicano con la expectativa de cerrar el año 2021 con una red de 60 marcas e incrementar a 100 para el 2022.

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