En este contexto ¿cómo recorrer de la sala 1 a la 4 del museo como si se tratase de un jardín?, ¿cómo subvertir el itinerario más común para ofrecer una experiencia espacial diferente? Establecemos un eje de simetría a lo largo de las cuatro salas, y duplicamos ciertos muros para obtener umbrales simétricos y crear nuevas salas para instalaciones de video y escultura. 

Ese eje se materializa en una línea de 80 metros de longitud y 3 metros de altura. Se trata de una estructura de madera de encino que amplía las superficies expositivas con una lógica racional, y apoyos que remiten con sutileza a la idea de árbol. Al ser muy permeable visualmente, esta línea nos permite observar lo que hay del otro lado, pero no nos deja cruzar. Así se genera un sentimiento de curiosidad y deseo, al mismo tiempo que se crean superposiciones que enriquecen la presencia de cada obra.  

La exposición despliega su belleza, al mismo tiempo que nos enfrenta con una frontera física. De esta manera se ponen en diálogo las dos dimensiones más relevantes del concepto de jardín: lo hedonista y lo político. 

El cargo En el Jardín: museografía en el Museo Marco apareció primero en Arquine.

Un solo módulo, simple y sencillo, articula una serie de estancias de las mismas dimensiones. El recorrido, lineal, conecta dos calles a través de la experiencia del ladrillo repetido hasta la saciedad. Inspiración, un poco equivocada quizás, en el libro Especies de espacios de Georges Perec, que nos recuerda:

Los apartamentos están construidos por arquitectos que tienen ideas muy precisas sobre qué debe ser una entrada, una sala de estar (living-room, recepción), una habitación de los papás, una habitación del niño, una habitación de la criada, un pasillo, una cocina o un cuarto de baño. Sin embargo, al principio todas las piezas se parecen poco o mucho, no vale la pena tratar de impresionarnos con historias de módulos y otras pamplinas: sólo son una especie de cubos, digamos son unos paralelepípedos rectangulares (…)

“Tipos de espacios” de Hanghar + Palma, en el Pasaje Chimenea. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

Con la cerámica se marca el espacio, se delimita, se expande y se contrae, nos separa y nos junta. Tres bancos circulares se posan sobre una plaza triangular con soportales en sus lados cortos: es la plaza del Ayuntamiento. El ladrillo, mampuesto sin argamasa, lo invade todo, se cuela y discurre sobre la piedra, dura y desoladora de la plaza. Tres circunferencias, indeterminadas, aparentemente aleatorias, son banco, juego y valla, separan y obligan al encuentro. La plaza, ese espacio público en el que la gente se encuentra, ha sido colonizada por el ladrillo.

“1973-2021” de Lanza Atelier, en la Plaza del Ayuntamiento. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

Lo mejor del colapso y la ausencia de argamasa es la dispersión del material. El ladrillo se reutilizará y será como si estas intervenciones continuasen existiendo, desmembradas y dispersas. Todo es efímero, la ciudad se deshace y se vuelve a hacer con su propia materia. La escala temporal queda en entredicho. ¿Cuánto dura un momento? 

Recorrer Logroño y encontrar reflexiones sobre el espacio es un regalo para todos. Que además del recorrido y la sorpresa, haya diálogo entre quienes pensaron las intervenciones y los vecinos, es necesario. ¿Cómo podemos acercar la experimentación espacial a la gente?

El festival internacional de arquitectura y diseño Concéntrico crece y evoluciona con la ciudad, no sólo con el número de intervenciones en el espacio público, sino también en actividades destinadas a afianzar la experiencia propia del evento. Concéntrico no se limita en cada edición, cambia y cuestiona su propio funcionamiento. El festival se difumina, encontraremos trozos de él diseminados por la ciudad, ya no solo como reflexiones que quedan en los vecinos, sino también como trozos físicos que por un momento formaron parte de las intervenciones realizadas. De esta manera se alcanzan múltiples dimensiones, temporales, físicas e incluso emocionales. Bancos de madera fabricados por los mismos vecinos acercan el oficio de carpintero a los participantes, los niños juegan con los módulos, sencillos y dinámicos. Este hacer con las propias manos dota de valor la pieza creada, hay una conexión a través de la experiencia. ¿Cuánto cuesta hacer un mueble? ¿Y tirarlo luego?

“Lea” de Hermann & Coufal, en la Biblioteca de La Rioja. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

La ciudad tendrá mobiliario, nuevos espacios de juego, menos estacionamiento y más vegetación que harán crecer las viviendas de Logroño gracias al festival. Han ganado verde y experiencia, soporte y vivencias. La experiencia del espacio ha ganado al ser desintelectualizada a través de su acercamiento, de recorrerla y cuestionarla.

“Arbre” de Laurent Martin, en la Gran Vía. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“39186 Habitaciones vacías” de VAPAA Collective, en la Casa Farias. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Soucoupe Populaire” de École Supérieure de Design de Troyes, en la Chimenea Parque del Ebro. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Paisaje topográfico pintado” de 44 Flavours, en la Villanueva. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Pabellón Concéntrico” de Sauer Martins + Mauricio Méndez, en la Plaza Escuelas Trevijano. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Support your local landscape” de Vivian Roti – Pablo Saiz del Río, en Viña Lanciano Bodegas LAN. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“La vida después” de Hori-Zonte, en el patio del Museo de la Rioja. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Intermedio” de ESDIR / Nerea Illana + Guillermo Botella, en los Jardines ESDIR. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Eclipse” de SpY, en la Cúpula de la Estación Intermodal. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“La cúpula” de Matteo Ghidoni – Enrico Dusi, en la Plaza del Mercado. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Conversación sin palabras” de Radu Abraham, en la Plaza del Revellín. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“La contemplación de un límite” de Chávarri Estudio, en el Paseo del Ebro. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Monumento a las Hermanas de la Revolución” de Aleksandra Wasilkowska, en el Patio del COAR. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Circum” de P + S Estudio de Arquitectura, en el Parque del Ebro. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

“Cabaña de San Bartolomé” de Paradigma Ariadné, en la Plaza de San Bartolomé. Fotografía: Concéntrico 07 / Josema Cutillas.

El cargo Concéntrico crece apareció primero en Arquine.

Casa Jajalpa se sitúa en un bosque de pinos cerca de la Ciudad de México. La intención inicial fue domesticar un fragmento de ese bosque para convertirlo en parte de la casa. Un muro orgánico que se adapta a las posiciones de los árboles preexistentes y que, a veces, opera como pasillo y otras como celosía, delimita un área dentro de la naturaleza. Los dos volúmenes que forman la casa, el principal de una altura y un anexo de dos, se relacionan con este muro, o bien adosándose o bien siendo atravesados por él. De esta forma se vuelcan hacia el bosque interior, dejando afuera el ruido de la carretera y la presencia de otros vecinos.

El proyecto está construido con tabique blanco artesanal de Puebla, el cual permanece aparente. Las losas de concreto del volumen principal se curvan para dejar entrar la luz de la mañana en todas las habitaciones de la casa a través de ventanas altas y domos. El conjunto, ciego hacia el exterior, es también rico en patios interiores. Así se crea una relación con fragmentos abstractos del paisaje a través de las vistas de los altos pinos y el cielo que ofrecen estos patios. La diversidad de ventanas y puertas hacia el espacio abierto permiten que la naturaleza esté siempre presente en el interior.

El cargo Casa Jajalpa apareció primero en Arquine.

Narciso.

Tu olor.

Y el fondo del río.

Quiero quedarme a tu vera.

Flor del amor.

Narciso.

[…]

(extracto)

Federico García Lorca

En este proyecto se explora la idea del color como material.

En la búsqueda de una conexión, tanto concreta como simbólica, que remitiese sutilmente a la relación entre México y España, nos deparamos con el color rojo como hilo conductor de la historia común entre ambos países.

La utilización, con diferentes gradaciones de intensidad y con diferentes texturas, de esta familia tonal nos conecta con muchos arquetipos ibéricos y nos transporta tanto al pasado prehispánico como al muralismo mexicano del siglo XX, movimiento artístico al que tantos expatriados republicanos se adherirían como metáfora de la crucial acogida de México a los españoles.

Este no-material, eminentemente visual, entra a formar parte del piso en forma de pequeñas piezas de mármol violeta, de los paneles de 3 cm de espesor de concreto prefabricado con agregado de tezontle que visten las paredes, y del mobiliario tapizado de burdeos del banco en L, que recorre gran parte de la fachada a la calle.

Los mismos colores aparecen en la barra en forma de L, en los taburetes de metal del bar y la herrería de las ventanas.

Las dos L mencionadas, la barra y la banca, organizan el espacio y los flujos de operaciones y público en el restaurante que, a su vez, se conecta con el área de bar. La nueva atmósfera rojiza impregna sutilmente el exterior a través de contraventanas metálicas que dan a la nueva fachada blanca. Y, finalmente, al entrar a los baños, todo se vuelve azul.

El cargo Vera apareció primero en Arquine.

Dentro de un jardín, en una pequeña área de 16 m² que antes se usaba como tenderero, se nos encargó construir un consultorio de nutrición.

Ya que queríamos crear un espacio generoso pero la superficie era muy reducida, decidimos proponer un volumen que se extiende en altura. La sala de consultas se amplia con un gran domo y en la cubierta de la construcción instalamos una nueva área de tendedero a la que se accede por una pequeña escalera helicoidal. Con esta operación superponemos dos programas que difieren entre sí (uno de cara al público, otro para atender lo doméstico), para que convivan en simbiosis.

Para evitar visuales directas a la casa existente, el pequeño volumen que además de la sala de consultas contiene un vestidor y un baño, propone una fachada principal casi ciega, con pequeñas aberturas estratégicas. Y una fachada lateral que se abre generosamente hacia la vegetación existente. Por último, el gran domo que permite observar el cielo y baña el espacio principal con luz cenital.

El aplanado exterior con mortero y pigmento rosa, hace identificable el consultorio entre otras construcciones del jardín y funciona como telón de fondo para el verde de las plantas. Los otros acabados son sencillos, pintura, madera, azulejo y comparten una misma paleta de color creando una atmósfera cromática que envuelve a los usuarios.

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Exposición de Mauricio Limón Dientes Rotos | Museo Universitario del Chopo, UNAM

El artista mexicano Mauricio Limón presenta Dientes Rotos, exposición integrada por una pieza en video a dos pantallas en la que explora la similitud entre el box y el baile, prácticas cuyo eje es el cuerpo en movimiento. Durante un año y medio el artista trabajó con un grupo de aficionados al baile y un amante del boxeo que imparten clases a interesados en la Alameda de Santa María la Ribera. El propósito fue documentar ambas actividades y generar experiencias de intercambio con diversas comunidades del barrio.

Viernes 20 de septiembre | 7:00 pm – 9:00 pm

Museo Universitario del Chopo, UNAM
Calle Dr. Enrique Gonzalez Martinez 10,
Colonia Santa María la Ribera, Ciudad de México

Exposición de Mariana Dellekamp El sentido de lo habitado | Museo Universitario del Chopo, UNAM

En la exposición El sentido de lo habitado, la artista hizo una invitación en redes sociales en la que solicitó en préstamo objetos y mobiliario que tuvieran implícito un significado emotivo o una historia importante para compartir, más allá de su función o utilidad. El resultado de esta convocatoria reunió 23 objetos que integran la exposición, donde plantea una reflexión sobre el paso del tiempo y la memoria.

Viernes 20 de septiembre | 7:00 pm – 9:00 pm

Museo Universitario del Chopo, UNAM
Calle Dr. Enrique Gonzalez Martinez 10,
Colonia Santa María la Ribera, Ciudad de México

Exposición de Teresa Serrano Amapola | Museo Universitario del Chopo, UNAM

Esta videoinstalación aborda, de manera reflexiva y crítica pero no menos poética, las políticas asociadas a la guerra contra las drogas, partiendo de la flor de la amapola para evidenciar el imaginario que gira alrededor de su cultivo y la demonización de la naturaleza asociada a los narcóticos.

Viernes 20 de septiembre | 7:00 pm – 9:00 pm

Museo Universitario del Chopo, UNAM
Calle Dr. Enrique Gonzalez Martinez 10,
Colonia Santa María la Ribera, Ciudad de México

Exposición de LANZA Atelier Otro Reino | AGO Projects

La muestra Otro Reino está compuesta de piezas inéditas y conocidas del taller de arquitectura Lanza Atelier de Isabel Abascal y Alessandro Arienzo – complementada por un grupo de cerámica “Neo-neo” basado en accidentes urbanos en concreto de MT Objects.

Esta exposición forma parte del programa de diseño de AGO Projects – un espacio multidisciplinario enfocado en promover diseño, fotografía y arquitectura, con base en Nueva York y que abrió sus puertas en la Ciudad de México hace apenas unas semanas.

El objetivo de Lanza es cuestionar la relación corporal con la arquitectura y los objetos en el espacio. Son objetos que se relacionan entre ellos, mostrando afinidades y modificándose al combinarse.  Los arquitectos están interesados en el constante movimiento y manipulación de objetos que se informan y responden a la interacción humana y su impacto en el espacio doméstico.

Sábado 21 de septiembre | 12:00 pm – 6:00 pm

Av. Paseo de la Reforma 382,
Int. 501 (acceso por Oxford)
Colonia Juarez, Ciudad de México

Exposición Emisarios de Cosas Abandonadas por los Dioses. Curaduría Elena Filipovic | Estancia FEMSA – Casa Luis Barragán

Construida en 1948 por el famoso arquitecto mexicano Luis Barragán como su residencia privada y estudio, Casa Luis Barragán es hoy considerada un hito de la arquitectura moderna. En la casa se encuentran todas las obras de arte y los artefactos que Barragán instaló en ella durante su vida. Estos han sido mantenidos fielmente a como estaban cuando la residencia estaba habitada por su autor. Reconociendo el especial aprecio que el arquitecto tenía por el poder de estas imágenes y objetos, la exposición que ocupa la Casa Luis Barragán del 21 de septiembre al 15 de diciembre de 2019, titulada Emisarios de Cosas Abandonadas por los Dioses y curada por la estadounidense Elena Filipovic, busca llenar la casa con obras de arte de artistas contemporáneos. Todas las obras de arte existentes en la Casa Luis Barragán (incluidas todas las pinturas, fotografías, imágenes, copias de obras de arte, esculturas y artefactos) serán remplazadas temporalmente por equivalentes contemporáneos o «emisarios», seleccionados por sus correspondencias formales y/o conceptuales con los originales. Estas obras comisionadas y recientes se colocarán precisamente en los lugares en los que cada uno de los originales retirados había estado previamente en la casa.

Sábado 21 de septiembre
Exposición hasta el 15 de diciembre

Casa Luis Barragán
Gral. Francisco Ramírez 12-14,
Ampliación Daniel Garza, Ciudad de México

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El sábado 13 de octubre se inauguró Centro Comunitario, un pabellón para Design Week México diseñado por TO (José Amozurrutia y Carlos Facio), LANZA Atelier (Isabel Abascal y Alessandro Arienzo) y Alberto Odériz. El proyecto consiste en una estructura efímera provocadora, que intriga e invita a ser visitada. Se plantea como un elemento que se posa levemente sobre un estanque, el cual reinterpreta la condición geográfica de la Ciudad de México, conformado por doce mil tabiques de tierra compactada que recogen ecos de los sismos de 2017 y las propias tareas de reconstrucción.

Este material apilado de la misma manera en la que se colocan los bloques para secarse, será utilizado después en la construcción de un Centro Comunitario en Ocuilan, dando así una segunda vida al material utilizado, convirtiendo la instalación en una pieza que se posiciona como un ejercicio cívico más amplio.

El pabellón tiene una pasarela sobre el agua, misma que posteriormente se enclaustra entre muros, construyendo un recorrido simple, incierto y a su vez evocador. En medio de esta exploración se niega —en cierta medida— la visión del contexto al espectador, levantando un espacio confinado e intimo que se posa sobre el agua y en donde, al final, el usuario se topa con una piedra que levita sobre el estanque, dialogando de forma complementaria, ajena pero cercana, con los muros que la confinan.

En este ejercicio los arquitectos son capaces de entender y tejer las complejas interrelaciones del oficio de la arquitectura con la sociedad y el medio ambiente, llevando el diseño de una pieza temporal a un ejercicio que se redefine en un objeto que se habitará, que se vivirá y que generará nuevas condiciones para los habitantes de Ocuilan.

Centro Comunitario se realizó con el apoyo de PienZa Sostenible, Échale a tu casa, Fideicomiso Fuerza México, LoveArmyMéxico, ReConstruir MX, FICA Feria de las culturas Amigas y Fundación Origen, y se encuentra en el Parque Lincoln, Polanco, Ciudad de México y podrá ser visitado hasta el 21 de octubre de 2018.

El cargo Centro Comunitario. apareció primero en Arquine.

El despacho mexicano LANZA Atelier, formado por los arquitectos Alessandro Arienzo e Isabel Martínez Abascal, fue seleccionado recientemente por el SFMOMA como parte de su programa New Work, que revisa el trabajo de jóvenes artistas –y arquitectos– con ideas y visiones innovadoras, abriendo su espacio a nuevas propuestas. En el caso de LANZA, la exposición –abierta desde el pasado 31 de marzo, y visitable hasta el próximo 29 de julio– reúne tres de sus proyectos: la Mesa Nómada –más información aquí–; Shared Structures, donde se revisitan diversos edificios de vivienda del siglo pasado en la Ciudad de México para presentar una historia gráfica sobre la rápida densificación urbana que sufrió la capital, y S/N, una investigación realizada por Alessandro Arienzo para la Beca Jóvenes Creadores de FONCA que busca repensar la amplia infraestructura obsoleta que ofrece la ciudad para construir, desde ella, una alternativa al espacio público.

Conversamos con ellos sobre este último proyecto:

Pedro Hernández: S/N nace atendiendo a una infraestructura actualmente obsoleta, ¿qué es exactamente esta infraestructura y cuáles son los motivos por los que parecen haber llegado a esa condición?

Alessandro Arienzo: La red de módulos de seguridad del Distrito Federal, fue construida por la Secretaria de Seguridad Pública en los años 80 como centros de vigilancia desde los cuales los ciudadanos pudiesen llamar a los bomberos o contactar a la policía. Hoy en día el propósito original ha quedado completamente obsoleto ya que la Ciudad de México cuenta con un avanzado sistema de vigilancia a través de cámaras llamado C4, además de que la mayor parte de la población tiene acceso a un teléfono celular que puede usar ante cualquier emergencia.

Cada delegación tuvo originalmente una tipología para diferenciar y dar identidad a las mismas. Estas tipologías tienen dos niveles, y su área promedio es de 16 metros cuadrados por nivel. Estas arquitecturas no están sembradas dentro del lineamiento urbano, es decir que se encuentran en espacios urbanos residuales como camellones y parques.

Hoy en día los módulos se llaman “Módulos de Seguridad y Participación Ciudadana” con la intención de dejar de ser sólo centros de vigilancia barrial y convertirse en centros donde la gente pueda acercarse a inscribirse a un taller o poner una queja. Sin embargo, la realidad es que la mayoría de estos módulos son herméticos y cerrados, y esta condición no propicia la participación ciudadana.

PH: ¿Cuál es el potencial de su recuperación y transformación para la ciudad?

AA: El potencial de estas construcciones es enorme. En primer lugar, los módulos en su totalidad suman un área de alrededor de 7000m² de infraestructura construida y subutilizada dentro de la Ciudad de México, esto sin contar el terreno residual a su alrededor, el cual no se integra como tejido del módulo. Todos los módulos juntos podrían funcionar como un sistema de infraestructura urbana para los ciudadanos, no simplemente para la policía. Partiendo de la idea de que la seguridad se logra gracias a la participación ciudadana, el potencial de que existan diferentes programas interconectados puede llegar a ser un experimento exitoso. La distancia entre módulos es de entre 1 y 2 kilómetros. Esto permite crear una red urbana que cuente con bibliotecas, jardines elevados, centro de acopio, centros de compostaje urbano, tanques de agua de emergencia, gimnasios, juegos infantiles, foros públicos. Estos módulos igualmente podrían proporcionar WiFi a los habitantes de la ciudad.

PH: El proyecto, podría decirse, es un proyecto no solicitado, en la medida que no hay un cliente. Como arquitectos, ¿cómo creen que puede la arquitectura ir más allá de la noción de encargo y establecerse como una disciplina activa en la discusión crítica de la ciudad?

AA: La arquitectura no requiere necesariamente de un cliente, responde a una situación y tiene un propósito en un lugar concreto. A través de maquetas, fotos y planos se pueden representar las ideas y lograr mostrar las diferentes maneras posibles de habitar una ciudad o una casa. La arquitectura para ser arquitectura no tiene que estar construida. Puede vivir dentro de collages como en el ATLAS de Alberto Kalach (sobre la relación del agua y el paisaje en el entorno urbano) o en maquetas que evidencien la espacialidad, escala, material de la idea. Hoy en día es importante como arquitectos estar despiertos y saber ver y entender el potencial de lo que ya existe, de lo que ya está construido y analizar cuál sería la manera más adecuada de aprovecharlo. Para que la arquitectura logre establecerse como una disciplina activa en la discusión crítica de la ciudad es necesario dejar de pensar que la arquitectura debe ser sólo para clientes privados, es fundamental entender que está al servicio de un propósito común. Ser activo en el proponer, hacer ver y cuestionar de manera profesional lo que constantemente sucede en la ciudad para entender y localizar dónde con arquitectura se puede ayudar a mejorar nuestro día a día.

PH: Por otra parte, ¿cuál es la importancia de atender a los espacios residuales de la ciudad y de establecer una mirada activa sobre las posibilidades del diseño?

AA: Hoy en día las grandes ciudades están muy saturadas. Casi no hay terrenos vacíos. Hay que voltear la mirada a las oportunidades y contextos actuales. Tener la habilidad de entender por ejemplo que una antigua infraestructura abandonada podría funcionar como espacio público y ofrecer una relación con la ciudad y el peatón diferente y propositiva. Los espacios residuales de la ciudad se tienen que entender como los nuevos vínculos de la arquitectura con el tejido urbano existente. La arquitectura puede tener una presencia activa motivando que los lugares crezcan y mejoren aceptando las capas de la historia y usándolas a su favor.

PH: Desde el punto de vista de las estrategias arquitectónicas, ¿qué puede hacer el diseño por incorporarlos para la ciudad y la ciudadanía? ¿Cuáles son las operaciones que se proponen para poder recuperarlos como espacios sociales? Habláis de que el proyecto debe garantizar la apropiación ciudadana: ¿cómo se hace –desde el diseño– esto?

AA: La primera premisa es abrirlos. Eliminar los muros en planta baja que obstaculizan la mirada y la circulación. Dejar la escalera visible para acentuar la posibilidad de acceso. El nivel superior debe ser igualmente un espacio abierto que alberga el programa arquitectónico propuesto. Ya sean libreros con bancas o un tobogán.

Esta propuesta trata las construcciones existentes de manera muy lúdica. Pareciera casi arquitectura para niños, pero es una invitación a que los adultos también se apropien de estos espacios de manera distendida. Simbólicamente, representa un fuerte cambio que una construcción dedicada a la vigilancia y al control se abra para la gente, para que se sientan seguros activándola.

PH: Hace unas semanas hablaba con un arquitecto sobre la idea del reúso de la arquitectura. Él apuntaba que “la gran arquitectura, la de espacios generosos, permanece incluso más allá de que el uso se transforme”. S/N apunta a una arquitectura de poca importancia disciplinar –son espacios pequeños, ubicados en lugares desatendidos y actualmente inaccesibles. Sin embargo, la propuesta lanza una mirada positiva y propositiva hacia dicha arquitectura. ¿Creen que las posibilidades del reciclaje pueden actuar también sobre edificios y espacios de estas otras cualidades?

AA: Sí, las construcciones existentes forman parte, en su mayoría, de una red de relaciones de la gente con su ciudad. Tirar y levantar algo nuevo hace que este proceso, esta sinergia ya construida, tenga que recomenzar desde cero. Reciclar construcciones conserva esa relación y propicia una continuidad de la memoria de la ciudad. A pesar de que las estructuras de S/N sean diferentes y de pequeña escala, otorgan una flexibilidad muy amplia para albergar diferentes programas arquitectónicos. Todas juntas construyen un imaginario colectivo de pertenencia. 

PH: Atendiendo a lo anterior, se podría –o debería– pensar que el diseño, especialmente en aquellos edificios destinados al uso público, debiera favorecer estas cualidades de transformación. ¿Cómo sería una arquitectura así? ¿Qué características espaciales o materiales debería tener?

AA: Debería de ser una arquitectura abierta, accesible y honesta.

Pensar en una arquitectura infinita, diseñada para tener la capacidad de modificarse en el tiempo. Prestar más atención a la posibilidad que puede otorgar una estructura en vez de que un programa condicione su uso a cierto momento.

PH: Por último, este proyecto nace en el contexto de la beca FONCA de Jóvenes Creadores. Más allá de este tipo de circunstancias, ¿piensan que existen espacios en México donde poder realizar trabajos reflexivos, que propongan nuevas circunstancias y preguntas para la arquitectura e investiguen?

AA: La labor del FONCA es muy importante no sólo para la disciplina arquitectónica sino para muchas otras. Por otro lado, a través de becas de investigación y creación públicas o privadas y a través de concursos públicos se logran abrir debates en torno a la arquitectura. Todavía son muy pocos y debemos trabajar porque siga ampliándose el rango de oportunidades de dedicar tiempo a la reflexión.

El cargo S/N: recuperar la infraestructura para la ciudad apareció primero en Arquine.

Soporte, como término propio de la arquitectura, es aquello que nos sirve de apoyo, elemento sustentante, que recibe el peso o sobre lo que se apoyan nuevas ideas, formas y oportunidades de acción.

Soportes como interrogante: en un mundo en el cual las formas precarias y los acuerdos sociales están cada día más vigentes, surgen las preguntas: ¿cómo identificar aquello que soporta la arquitectura?, ¿cuál es el rol de la disciplina ante la complicada red de intercambios que existen entre el edificio construido y los diversos sistemas que la enmarcan, asisten y refuerzan?

Soportes es el tema de la 36ª exposición anual de los ganadores del Premio Architectural League para jóvenes arquitectos y diseñadores. Los participantes son escogidos a través de una competencia abierta a todos los arquitectos o grupos de arquitectos residentes en México, Estados Unidos y Canadá, con menos de diez años de trayectoria.

La exposición reúne a sus cinco seleccionados con la idea de mostrar la respuesta que cada uno de ellos ofrece a la realidad a través de su práctica. Curiosamente, todos se han mantenido alejados de la definición literal de la palabra soporte como estructura y exhiben su trabajo a partir de metáforas, apelan a la historia, a las interpretaciones metodológicas, a la colección o al juego de escalas y referencias.

Desde Siracusa, en Nueva York, dos oficinas muestran su trabajo: la dupla formada por Jonathan Loui y Nicole Mclntosh y la oficina SPORTS, constituida por Greg Corso y Molly Hunker. Los primeros exponen sobre nueve tripiés una colección de maquetas de sus proyectos, a la que se suman imágenes, postales y documentación vista a través de binoculares. Los segundos muestran tres proyectos construidos a través de maquetas, imágenes y dibujos. En ambos casos la idea de acumular información sirve para soportar el trabajo y pensamiento de sus prácticas y explora la arquitectura como algo que no es estático y permite establecer relaciones entre diferentes soportes.

Por su parte, el estudio de la ciudad de Nueva York the Lab-lab for architecture, liderado por Mustafa Faruki, muestra su proyecto celebratorium, una casa diseñada como un albergue para solteros o personas permanentemente solas. La instalación incluye un extracto de las páginas que contienen el diseño de la casa, desplegadas sobre la pared, con la idea de ofrecer al visitante los detalles de las implicaciones de una vida subterránea y sus manifestaciones. Mientras, Michelle JaJa Chang, cuya oficina se ubica en Houston, muestra una serie de 24 dibujos que van desde lo más abstracto a lo más técnico, donde se examinan modos de referencia tradicionales para construir los nuevos términos de lo contemporáneo.

Kevin Hirth, de Denver, aporta uno de los trabajos más interesantes: un súper mural en el cual se comprimen proyectos y paisaje con imágenes impresas en papel de acuarela o siluetas irregulares que describen la meta-narrativa de su trabajo y, a la vez, la influencia que hay en sus dibujos y proyectos. La instalación deja ver las auto-referencias y la construcción de relaciones no lineales como foco de su trabajo, donde el paisaje se convierte en el protagonista de un modo textual y topográfico. Una serie de maquetas acompañan el mural, desplegándose y materializándose en el mismo.

Por último, y casi de manera imperceptible para quienes visitan la exhibición, aparece el trabajo de Isabel Martínez Abascal y Alessandro Arienzo, LANZA Atelier. Los mexicanos exploran los límites entre la arquitectura y la exhibición de arquitectura al generar un espacio oculto a partir de uno de los muros de la sala, un espesor ocupado por pequeños modelos a escala de su obra. Este espacio se construye al separar el muro del interior con una curva sinuosa que aparenta ser parte integral de la galería; sobre este nuevo soporte aparecen cinco pequeños orificios que invitan al visitante a mirar para descubrir, en ese espacio interior inimaginado —que recuerda la muestra de Pezo von Ellrichshausen para LIGA 01— cinco proyectos recientes de LANZA Atelier a la escala de aquello que sólo un ojo cercano puede abarcar, sorprendiendo con astucia a quienes buscan la respuesta a la pregunta inicial: ¿qué soporta la arquitectura contemporánea?

Soportes estará hasta el 1 de agosto en la Galería Arnold and Sheila Aronson en el Design Center de la Nueva Escuela de Diseño de Parsons en Nueva York.

El cargo Soportes apareció primero en Arquine.

Cada año, y desde 1981, la Architectural League of New York anunció los nuevos resultados de su Architectural League Prize, una convocatoria abierta a estudios de América del Norte (Estados Unidos, Canadá y México), que se caractericen por ser jóvenes –con 10 años o menos de experiencia profesional– pero con una trayectoria destacada, con el fin de compartir ideas, reconociendo la fuerza de su trabajo.

Entre los premiados de este año se distinguió el trabajo del estudio mexicano Lanza Atelier, que conforman los arquitectos Isabel Martínez Abascal y Alessandro Arienzo. Junto a ellos aparecen Michelle JaJa Chang (Houston, EUA); Greg Corso y Molly Hunker, de SPORTS (Nueva York, EUA); Nicole McIntosh y Jonathan Louie, de Architecture Office (Nueva York, EUA); Mustafa Faruki, de theLab-lab for architecture (New York, EUA), y Kevin Hirth de KEVIN HIRTH Co. (Denver, EUA).

Este año el tema de la convocatoria fue “Support” y trata de analizar a quien sirve y apoya la disciplina de la arquitectura.

Michelle JaJa Chang, House A,B, San Francisco, CA | Imagen Cortesía Michelle JaJa Chang y Architectural League of New York

SPORTS, Runaway, Santa Barbara, CA | Imagen Cortesía Elliot Lowndes y Architectural League of New York

Architecture Office, Big Will and Friends, Siracusa, Nueva York y Eindhoven, Paises Bajos | Imagen Cortesía Architecture Office y Architectural League of New York

theLab-lab for architecture, Intake Facility, Arrivals Concourse A (at Castle Williams), Governors Island, Nueva York | Imagen Cortesía Mustafa Faruki, theLab-lab for architecture y Architectural League of New York

KEVIN HIRTH Co., Mother-In-Law’s House, Denver, CO |Imagen Cortesía KEVIN HIRTH Co. y Architectural League of New York

Ver otros proyectos de LANZA Atelier:

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