Una instalación diseñada por Odile Decq Studio para el FuoriSalone 2023.

Un viaje y una experiencia de bienestar estimulada por el 6º sentido.

El cargo Un remolino sinestésico apareció primero en Arquine.

Su inauguración se llevó a cabo el 1o. de julio de 2022 resultando ser una exposición-homenaje al diseñador. Es como estar en una mezcla de taller de maquetas y archivo personal, ya que, presenta prototipos y objetos terminados de sus proyectos, de todo lo que trastocaba su genialidad y sus inspiraciones. Al mismo tiempo, el nombre de esta exposición está inspirado en un lenguaje gráfico identificable de Virgil, inspirado por la señalización y comunicación urbana de las ciudades. Esta visualidad tipográfica se aprecia en todos sus diseños, específicamente los que continúa comercializando su marca OFF White. Figuras de discursos, es el nombre que le da Virgil a sus usuarios, a los que usan sus prendas, pensándolos como discursos que se personifican al caminar en una pasarela en Paris, en las calles de la Ciudad de México o al estar en un museo en los pies de los cuidadores de la sala de esta exposición.

Esta narrativa abarca 5 universos de la obra de Virgil: la arquitectura, la música, el diseño, la moda, iglesia & estado, para terminar con una instalación llamada Escultura Social.

Situada en uno de los museos más antiguos de Estados Unidos y con una colección enciclopédica bastante peculiar, el Museo de Brooklyn de Nueva York, es casa de la icónica instalación “The Dinner Party” de la artista Judy Chicago. Un recinto que apoya su escena cultural inmediata y que abrió sus salas a “Figures of speech” hasta enero del 2023.

El primer universo presentado es el dedicado a “ARCHITECTURE”  y a la oficina especializada en arquitectura que fundó Virgil, quien propiamente se formó como ingeniero civil e hizo un master en arquitectura por el Instituto de Tecnología de Illinois, esta oficina es conocida como ALASKA ALASKA. La filosofía integral de este estudio es la de construir espacios para nuevas voces, generar nuevos procesos y cuestionar la idea de “autoridad”. Hacer nuevos estatutos de nociones desactualizadas mediante experimentos espaciales.

Después viene el universo “MUSIC” donde Virgil conectaba con muchas subculturas del arte. No se iba a quedar atrás en cuestión de música. Es más, me atrevo a decir que su figura fue crucial en la forma en que la industria de la moda hoy en día avanza de la mano de los lanzamientos de nuevos discos o sencillos de raperos, cantantes pop, rock o r&b.

En paralelo a lo que trabajaba en OFF-White y Louis Vuitton (fue el primer director creativo afrodescendiente de las colecciones masculinas de 2018 a 2021) permanecía haciendo redes de colaboración en la construcción de escenografías para festivales o participando como DJ en fiestas high end de la industria de la moda y la música. Por otro lado, Kanye West le confió la dirección creativa de DONDA, donde coordinaba los ejes artísticos de las giras del rapero, todos los artículos de venta para sus giras mundiales, diseño de escenarios, etc. No sólo lo empezó son West, sino que expandió colaboraciones con muchos más artistas en la escena.

“DESIGN”. Sin preguntas o cuestionamientos, el diseño no existía para Virgil. La transparencia en cada uno de sus procesos y métodos de diseño tenían mucho que ver con su formación técnica en arquitectura. Tenía una gran admiración y múltiples referencias hacia Mies van der Rohe. El homenaje que hace al Pabellón de Barcelona en su aclamada pasarela de la colección otoño-invierno 2021 de Louis Vuitton “Peculiar Contrast, Peculiar Light” fue muestra de ello.

El universo dedicado al “FASHION” es el más esperado de la exposición. La carrera de Virgil en el mundo de la moda empezó con una prenda básica, una playera. Al inicio del nuevo siglo, en los 2miles, sus diseños le llamaron la atención a un Kanye West, con quien hizo equipo y no dejaron de colaborar desde entonces. Su primera marca de ropa la lanzó en 2012 y se llamaba Pyrex Vision, totalmente inspirada en la calle, la ropa deportiva, imágenes provocativas y arte contemporáneo.

En 2013 lanzó la afamada OFF-White estableciendo un estudio en la ciudad de Milán, capital tradicional del diseño y la moda. Ese mismo año empezó a presentarse en las semanas de la moda en Europa. El nombre de la marca alude a su ojo crítico hacia su preocupación social, y apuesta por un estado ambiguo que no es ni blanco ni negro, es OFF-White. Casi todas las colecciones son investigaciones temáticas que abordan la calle, la raza, historia, etc.

“CHURCH & STATE”. Es un universo no muy claro, pero que muestra la postura que Virgil tuvo a lo largo de su carrera sobre la poca distinción entre el arte y el consumo, pues consideraba que el capitalismo y el consumo estaban inevitablemente presentes en la invención y la creación de objetos. En su práctica, cuestionó si es que realmente existían diferencias entre lo comercial y lo artístico. Para él, no hay diferencia entre sus obras artísticas y sus diseños puestos en el aparador, ambos tienen el mismo valor cualitativo.

Y al final, cierra con SOCIAL SCULPTURE diseñada por ALASKA ALASKA. Una instalación que formalmente asemeja una casa donde diseñadores, artistas, arquitectos, estudiantes, activistas y la comunidad del Museo de Brooklyn puedan intercambiar ideas y reunirse continuamente. La premisa de diseño está sentada en lo que David Hammons denominó como “arquitectura de la negritud” por cómo los afrodescendientes trabajan en Harlem, la forma en que ellos hacen carpintería, nada encajando pero todo funcionando. Sin esa pulcritud que los blancos tienen. Virgil consideraba esta escultura como una representación del espacio negro, un monumento vivo que tiene el potencial a través del intercambio de ideas para inspirar la creación de más espacios diversos.

El legado de Virgil Abloh no sólo trastocó disciplinas, sino esquemas políticos y representativos. Una leyenda que en poco tiempo nos hizo cuestionarnos TODO.

El cargo Figuras y discursos apareció primero en Arquine.

“Mientras pensábamos en un hogar para el futuro, tuvimos que regresar a lo que hemos perdido.”
Pérez Palacios Arquitectos

Los hogares del mañana deben responder a una necesidad urgente de sostenibilidad y valores mejorados por la tecnología disponible. La arquitectura necesita recuperar la idea de presencia, de ser parte de un lugar y de un tiempo. Siempre ha estado relacionada con su contexto, los recursos disponibles y el método de construcción local, todo esto debe seguir siendo parte esencial de ella. En este proyecto se apostó por el uso de recursos locales y métodos de construcción, así el proyecto ganó un sentido de lugar y una verdadera relación con su entorno natural y artificial.

En Infinite Openness existen diferentes métodos de construcción que podrían aplicarse en la mayoría de los contextos y, al mismo tiempo, reducir la cantidad de mano de obra, aprovechando la tecnología. Así, esta propuesta y el uso de un sistema de enmarcado estructural y su recubrimiento responden a los recursos y métodos constructivos locales. Esto es para mejorar aún más la conexión entre la construcción y la naturaleza.

En un momento, donde la presencia humana sobre la naturaleza nunca ha sido tan extrema, la arquitectura debería ser la clave para crear esta conexión. Los humanos construyen, los humanos abandonan, pero la naturaleza se queda. Ya no podemos pensar en la arquitectura sin pensar en la naturaleza, la concisión hacia el entorno natural. Construir en la naturaleza crea una contradicción. La presencia humana en los paisajes naturales es un juego de escalas, una yuxtaposición de refugios arquetípicos contra los vastos escenarios, así como una negociación entre el acceso al paisaje y la conservación ambiental.

El cargo Infinite Openness apareció primero en Arquine.

IO hace realidad la conciencia a través del espacio presentando una instalación escultórica de laberinto a gran escala, un espacio de alteridad simultáneamente físico y mental, una analogía de la vida, por el que los visitantes pueden navegar.

Puzzle Photos Mo’ Rezk

“Consideramos que esto es el ‘renacimiento moderno’ en lo que respecta a la escultura. Las herramientas digitales de hoy en día nos permiten evitar el largo y laborioso proceso que tendrían que soportar los escultores del siglo XVII, manteniendo la integridad de los detalles”.

En la instalación, las paredes del laberinto, formadas por piezas de rompecabezas individuales encajadas entre sí, se esculpieron digitalmente para crear curvas y ondulaciones muy detalladas y elaboradas con precisión para imitar la superficie suave y sinuosa del cerebro. Cada pieza se fabricó individualmente de modo que no hay dos piezas iguales, las piezas se encajan cómodamente para ensamblar el conjunto de paredes que componen el laberinto. La decisión de subdividir el muro en piezas de puzzle estuvo motivada por el deseo de crear un nuevo tipo de “ladrillo de construcción” que no requiriera ningún otro tipo de carpintería.

“Los laberintos son portales a otro mundo, cuando estamos en nuestra mente, estamos en otro mundo. Expresamos este sentimiento en nuestro deseo de crear un cuerpo de trabajo que ejemplifique la ‘otredad’ en el mundo físico: caminar por el laberinto es un símbolo de la comprensión de uno mismo”.

El cargo Intentionally Opaque apareció primero en Arquine.

La casa montó en Bristol, Reino Unido, y se abrió al público con una serie de talleres, charlas y oportunidades de ver el interior, de agosto a octubre de 2022. Comenzará como una cáscara vacía que cobrará vida con interiores cambiantes mientras exploramos con el público cómo podría ser una nueva cultura sostenible.

Es un lugar para investigar, experimentar y entablar conversaciones. Un lienzo en blanco para probar cosas e imaginar nuevos futuros en relación con nuestra vida actual. Se trata de un proyecto en constante evolución, en el que se pide a los habitantes de Bristol que aporten ideas y opiniones sobre cómo vivimos ahora y cómo imaginamos que podríamos vivir en el futuro.

El proyecto es interdisciplinar y socialmente comprometido, y depende del trabajo participativo en el entorno comunitario. Building a Martian House está dirigido y concebido por las artistas Ella Good y Nicki Kent, en colaboración con Hugh Broughton Architects y Pearce+.

El cargo Building a Martian House apareció primero en Arquine.

Instalación temporal construida con motivo de la Feria de Arte Urvanity, dedicada al nuevo arte contemporáneo que se celebra cada año en el Colegio de Arquitectos de Madrid (COAM), cuya función era la de ser espacio de presentación, conferencias y charlas públicas, así como de reunión social con un pequeño bar. El proyecto tiene como objetivo abordar los problemas relacionados con las instalaciones temporales y los desechos de la industria de la construcción, así como la apreciación de las personas por ciertos aspectos del entorno construido. El material principal fue el tubo corrugado comúnmente utilizado para proteger los cables eléctricos, elementos generalmente indispensables pero que se ocultan bajo tierra. Situando los tubos en un primer plano donde el color rojo baña la totalidad de la sala para brindar una experiencia inmersiva.

La idea principal era la de transformar por completo la atmósfera de la sala, convirtiéndola en el telón de fondo del evento, pero también en el primer plano. La organización espacial existente comprende tres grandes columnas y cuatro muros con entradas en extremos opuestos. Los espacios se definieron esencialmente por la agrupación de tubos en ciertas áreas y su altura colgante, delineando las diversas partes del programa como el área de asientos central, el área del bar y la esquina del salón. Dado que ocupaba la habitación de un edificio existente, tampoco podía dejar rastro. Así que se utilizó una estrategia no invasiva compuesta por abrazaderas y correas para sujetar a la losa nervada y columnas existentes de las que se suspendían y sujetaban los tubos de PVC.

El cargo Tuberías, alambres y cables, una instalación de Pareid Arquitectura apareció primero en Arquine.

Ubicado entre Broadway, 5th Ave y 23rd Street, el proyecto rebota suavemente entre los estrechos límites de su sitio triangular, haciéndose eco del contexto urbano y arquitectónico.

Una colección de aperturas y umbrales enmarcan las vistas de las muchas atracciones y puntos de referencia del Distrito Flatiron, al tiempo que dan la bienvenida a los visitantes y permiten que un flujo constante de locales pase sin obstáculos. Para aquellos que buscan un momento de respiro, el diseño se ve acentuado por varias “puertas de enlace” que se han volcado para servir como bancos.

Los elementos lineales delgados que definen la composición porosa de Ziggy son ligeros, visualmente transparentes e impermeables al viento. Cuando uno se encuentra con la pieza, sus 8,200 metros lineales de cordón iridiscente convergen visualmente y filtran dinámicamente el contexto circundante con patrones cambiantes, color y luz. Ziggy es un faro caleidoscópico para la gente de Nueva York.

El cargo Ziggy apareció primero en Arquine.

Snøetta presenta una serie de diez elementos arquitectónicos a lo largo del sendero panorámico en el paisaje alpino de la cadena montañosa de Innsbruck, Austria.

Nordkette es la cadena montañosa más grande de los Alpes ubicada al norte de la ciudad tirolesa de Innsbruck. Los funiculares de Hungerburg y Nordkette llevan a los visitantes directamente desde el centro de la ciudad a la estación del teleférico de Seegrube a 1.905 metros sobre el nivel del mar, donde el camino se despliega en un impresionante entorno alpino. Aquí, el sendero panorámico serpenteante de 2.8 kilómetros y sus elementos individuales atraen a los visitantes a dar un paseo.

A lo largo del camino, las sutiles intervenciones arquitectónicas se integran perfectamente en el paisaje, ofreciendo a los visitantes la oportunidad de experimentar las asombrosas vistas del paisaje alpino desde diferentes perspectivas. Cada elemento, desde los bancos hasta la plataforma de observación, marca un punto único a lo largo del sendero o sirve como punto de encuentro. Usando pequeños gestos de diseño, Snøetta destaca elementos sorprendentes del paisaje.

La plataforma de observación, que parece crecer fuera del terreno, se proyecta elegantemente sobre el borde del paisaje y enfatiza los cambios topográficos. De pie en la plataforma, los visitantes pueden disfrutar de vistas ininterrumpidas del valle de Inn, mientras que la rejilla metálica debajo de los pies da una sensación de flotar sobre el terreno. En la transición de la madera para frotar la vegetación de pino de montaña, una estructura de escalera marca este fenómeno natural. Un contador permite a los excursionistas la oportunidad de admirar los picos de Langer Sattel y Frau Hitt.

Cada uno de los diez elementos está formado por acero Corten, una elección de material que se inspiró en el contexto y las intervenciones anteriores en la montaña y la madera de alerce, típica de los bosques locales, forma sus asientos y sus plataformas reclinables.

El cargo Caminos de Innsbruck de Snøhetta apareció primero en Arquine.

Presentación – Gabriel Calvillo: Refugio | Archivo, Diseño y Arquitectura

Refugio busca generar una relación más estrecha entre las ciudades y la naturaleza. Este proyecto especulativo consiste en una serie de objetos que proveen refugio, agua y alimento a diferentes especies de abejas solitarias. Éstas no viven en colmena, no tienen reina y por lo tanto no producen miel. Además, la mayoría no son agresivas y muchas de ellas ni siquiera tienen aguijón. Por años, dichas especies han sido ignoradas, sin embargo, estudios recientes demuestran que éstas son de los polinizadores más eficientes que existen.

Refugio formará parte de la Colección Archivo a partir del 6 de julio.

Sábado 6 de junio | 12:00 pm – 4:00 pm

Entrada Libre

Archivo Diseño y Arquitectura
Calle General Francisco Ramírez 4,
Miguel Hidalgo, Ampliación Daniel Garza,Ciudad de México

Instalación : Submergence | Artz Pedregal

Arte Abierto ​presenta ​al colectivo europeo ​Squidsoup con la pieza Submergence: una instalación lumínica y sonora inmersiva​ ​que transforma un espacio físico en ​“​una experiencia envolvente y transitable”.

Sábado 7 de julio | 11:00 am – 9:00 pm

Instalación hasta el domingo 29 de septiembre

Artz Pedregal
Periferico Sur # 3720
Jardines del Pedregal, Ciudad de México

Exposición : Ricos, ricos paisajes de Claire Price | Casa Equis

Casa Equis presenta la exposición individual de la artista inglesa Claire Price: “Ricos ricos paisajes”. ¿Dónde está el paisaje?, Estas pinturas sugieren que se encuentra principalmente en la imaginación. Es otro mundo, una naturaleza paralela, muy alejada del contaminado mundo humano. Un escape, un ideal. Es donde el gallo de Kellogg’s juguetea con la vaca Alpura. Es el lugar donde el Osito Bimbo surge de la nada, listo y envuelto en plástico. Y este es el lugar en donde supuestamente también la basura debería desaparecer, esfumándose en una nube de polvo brillante.

Sábado 6 de julio | 6:00 pm – 10:00 pm

Exposición hasta el domingo 14 de julio

Casa Equis
Calle Dr. Enrique Gonzalez Martinez 7A,
Sta María la Ribera, Ciudad de México

Exposición: SOM: Arte + Ingeniería + Arquitectura | Antiguo Colegio de San Ildefonso

SOM es un despacho fundado en Chicago en 1936, el cual ha realizado más de 10,000 proyectos en 50 países. Sus edificios más icónicos incluyen Lever House, Willis Tower y el edificio más alto en el mundo: Burj Khalifa (Dubai). La exhibición busca capturar la colaboración cercana entre ingenieros, arquitectos y artistas que han producido soluciones de ingeniería para resolver los retos contemporáneos de diseño más complejos.

Exposición hasta el domingo 7 de julio

Antiguo Colegio de San Ildefonso
Justo Sierra 16
Centro Histórico, Ciudad de México

Exposición: Praxis / Manuel Cervantes Estudio | Antiguo Colegio de San Ildefonso

Manuel Cervantes (Ciudad de México) estudió en la Universidad Anáhuac y fundó su oficina en 2004. La exposición PRAXIS | Manuel Cervantes Estudio presenta el proceso de trabajo proyectual con croquis, maquetas y fotografías.

Exposición hasta el domingo 7 de julio

Antiguo Colegio de San Ildefonso
Justo Sierra 16
Centro Histórico, Ciudad de México

El cargo Agenda de la Semana apareció primero en Arquine.