Una celebración del cielo como algo común. El techo de cristal actúa como una lente, invitando a la gente a conectar con su entorno inmediato, al tiempo que pone de relieve las cualidades efímeras de la atmósfera: el cambio de las estaciones, la luz moteada y las formaciones nubosas. La alternancia de espejos y paneles de cristal transparente enfatiza el movimiento físico como medio para modelar el espacio, haciendo visibles a los visitantes dentro de la obra e incitándoles a cocrear perspectivas fragmentadas hacia dentro y hacia fuera. Los distintos ángulos de los espejos proyectan reflejos complejos y caleidoscópicos que enmarcan vistas inesperadas a medida que la gente se desplaza por el patio.

“Common Sky es una declaración escultórica dinámica que combina un lenguaje geométrico con un enfoque lúdico y poético”, afirma Olafur Eliasson, artista y cofundador de SOS. “Como obra de arte, te sensibiliza con el mundo exterior, con el entorno de Búfalo. Llama tu atención sobre cosas que son difíciles de medir y que dependen de la emoción y de tu implicación activa. Si no te implicas, nada cambiará”.

La geometría de la marquesina forma una trayectoria a través del patio, desde un patrón triangular en los bordes del tejado hasta un patrón hexagonal hacia el centro. En sección transversal, la estructura del tejado tiene dos niveles, que están cubiertos por superficies de espejo alternadas. Éstas reflejan la luz solar y minimizan la ganancia de calor, algo necesario por razones medioambientales. La distribución de hexágonos y triángulos sirve también para equilibrar la apertura y el cierre del tejado. Aunque casi la mitad de la superficie está cerrada, el espacio parece abierto y aireado. La estructura se curva y llega hasta el suelo en un único punto de apoyo descentrado, manteniendo la asimetría del espacio. Esta columna en forma de embudo marca el lugar donde antes se erguía un espino solitario, plantado en los años sesenta, evocando un monumento a lo que hubo antes. La presencia de este elemento permite que la estructura del tejado no imponga un nuevo sistema de apoyo al edificio. Además, añade movimiento y, como un tronco hueco, atrae los elementos exteriores, ya sea lluvia, nieve, hojas o luz.

Inspirado en los intensos patrones climáticos de la ciudad de Búfalo y en el exuberante parque diseñado por Frederick Law Olmsted, se esfuerza por formar el espacio con elementos arquitectónicos no clásicos ya inherentes al lugar, al tiempo que honra la arquitectura original. El estricto modernismo del edificio Seymour H. Knox, diseñado por Gordon Bunshaft y terminado en 1962, se complementa con la forma orgánica de Common Sky, que rima con las formas del paisaje circundante, como los árboles, los senderos serpenteantes, las nubes y los rayos de sol. Cada elemento del techo se desarrolló especialmente para el Museo de Arte AKG de Búfalo, en colaboración con el ingeniero Herwig Bretis, de ArtEngineering, y el constructor de acero Hahner Technik, con sede en Petersberg.

El cargo Un cielo común apareció primero en Arquine.

Puede que quieran una casa como un parque infantil, para poder corretear libremente. Dejando a un lado todas las exigencias prácticas en las que se centrarían los adultos, les gustaría maximizar el espacio para poder jugar y hacer todo lo que quieran. Algunos querrán tener tanto como ventanas, para poder sumergirse en estrellas imaginarias y el cielo nocturno. Y todo ello en un departamento de 68m2.

El proyecto es un departamento sin terminar que está casi vacío. Para reducir el trabajo de construcción, el diseño mantiene el emplazamiento tal y como estaba. También se mantiene el techo de concreto desnudo para aprovechar al máximo la altura del espacio. En el centro, se colocó una caja escultórica de madera de 3 m x 3 m x 2,2 m que alberga una litera, espacio de trabajo, espacio de estudio y estanterías.

Los espacios del interior de la caja están conectados vertical y horizontalmente, para que las actividades puedan desarrollarse sin interrupción. También se giró la caja 45 grados para crear ángulos abiertos, de modo que el espacio fuera mayor y la luz del sol pudiera penetrar más profundamente en zonas interiores como la cocina y el aseo.

El espacio de almacenamiento, la cocina y el aseo están diseñados con todas las funciones necesarias. Hay espacio para todo, de modo que la casa puede mantenerse sencilla y limpia en todo momento. El resto del espacio alrededor de la caja queda libre para actividades de ocio. Puede ser una cafetería, un parque infantil o una biblioteca.

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Kabakov nació en Dnepropetrovsk, hoy Dnipro, en Ucrania en 1933, hijo de una contadora y un cerrajero. Estudió en el Instituto Ilya Repin para Pintura, Escultura y Arquitectura, en Leningrado, y luego en el Instituto Estatal de Arte Surikov, en Moscú. Empezó a trabajar como ilustrador de libros infantiles al mismo tiempo que encabezaba un grupo de artistas que empezaban a trabajar en arte conceptual. En 1987 dejó la Unión Soviética y emigra a los Estados Unidos, donde reencuentra a su sobrina, Emilia Kanevsky —nacida en Kiev, en 1945, y que tras pasar por Israel se mudó a Nueva York en 1975. Ilya y Emilia Kabakov se casaron en 1992 y establecieron su estudio en Long Island.

Cuando Groys lo interrogó sobre su interés por una forma artística que dice es de “formación occidental”, Kabakov respondió:

En 1985 Kabakov realizó la instalación “El hombre que voló al espacio desde su apartamento”:

“Siempre, desde que tengo memoria y aun cuando no recuerdo (esto me lo contó mi madre cuando tenía tres años), ha habido un deseo de correr, de alejarme de ese lugar en el que estás. ahora; correr sin mirar atrás, para no volver jamás; huir tan lejos que no puedan traerte de allí; correr tan rápido que no pueda ser atrapado; correr tan repentina e inesperadamente que nadie podría anticiparlo e interferir; saltar en el momento más inesperado cuando nadie lo espera; saltar por la ventana que siempre está cerrada, por la puerta que probablemente esté cerrada…”

En un largo ensayo, Groys escribe sobre esta obra:

La instalación de Kabakov sobre el hombre que voló hacia el cosmos transmite básicamente el mismo mensaje:
esta terminado. El vuelo fue exitoso; el cuerpo de nuestro héroe ha desaparecido. Es cierto que esto no responde a la pregunta de si ha volado hacia la ingravidez cósmica o se ha precipitado hacia la muerte. Y esa es en realidad la pregunta: ¿qué significa cuando la gente dice que una historia ha llegado a su fin, que un proyecto está terminado o se ha completado? La figura del héroe de cualquier proyecto de este tipo siempre es en parte ficticia: simplemente encarna un papel que se puede desempeñar una y otra vez. Y, del mismo modo, la historia de la realización de un proyecto se puede contar una y otra vez. Ya que todo relato, toda autoría y todo arte es en última instancia utópico, es decir. semi-real y semi-ficticio, no puede haber certeza de lo que realmente sucedió —en última instancia, los protagonistas están vivos o muertos. Más allá de eso sólo se puede suponer o presumir, contar más historias y hacer más instalaciones que documenten estas narrativas y suposiciones. Sea como fuere, es ciertamente más fácil desaparecer de la realidad que liberarse de la utopía.

Ilya Kabakov murió el pasado 27 de mayo, a los 89 años.

El cargo Ilya Kabakov (1933–2023) apareció primero en Arquine.

“Materia Verde” reunió obras de 17 artistas que establecieron un diálogo y relectura del patio-jardín desde la habitabilidad. “Pensar al patio como un lugar de trabajo, retomar a la naturaleza como referente creativo, pensar la relación del cuerpo y la cultura con la ciudad y el mundo natural, y cuestionar la falta de lugares verdes en los espacios urbanos contemporáneos”. 

“La segunda casa: esquema de vivienda unifamiliar del INFONAVIT” aborda la habitabilidad, el trabajo doméstico y la memoria familiar. Comenzó como un ejercicio de narrativa, ya que forma parte de un proyecto vivo de la autora, en la que explora y realiza aproximaciones literarias vinculadas en las que se contrapone el espacio doméstico y la ciudad. La instalación de lazo de tendedero traza la planta arquitectónica de un prototipo del INFONAVIT de los años 90 ubicado en el estado de Hidalgo en el que se mancharon con cloro y polvo las áreas de patio de servicio y cochera. 

A la instalación le acompañó el siguiente texto:

La casa transitoria más larga de mi vida representaba el esquema de vivienda unifamiliar de INFONAVIT de los años noventa en México.

Esquema: 

-Solo una planta baja (no hay escaleras)

-Una cochera que a la vez es patio frontal y que con el tiempo también se convierte en el hogar de una cachorra labrador

-Acceso para las personas con un espacio desperdiciado de metro y medio

-Sala, comedor y cocina, todo en un mismo bloque

-Patio de servicio al final del bloque, única entrada de iluminación natural en la que, en teoría no te ve nadie

-Habitación de adultos que da hacia la calle con ventanas grandes (del vidrio más delgado que tengan, por favor)

-Pasillo que te muestra el camino al baño y en el que los adultos acomodan muchas cajas, por lo mientras

-Baño que nadie recuerda, nadie ve y nadie quiere, pero se debe tener

-Cuarto del mismo tamaño que el de los adultos, pero para dos hermanos de distinto sexo

Esquema

Esas casas estaban proyectadas y construidas hacia el futuro, pero el de las inmobiliarias y de la ciudad, no el nuestro: nosotros no veíamos el futuro, nosotros vivíamos en el por lo mientras. Es decir, estaban construidas en lugares donde inicialmente no había nada. Todas las casas de la cuadra eran muy similares a la nuestra, de otros colores, con otros portones, con más hijos y más perros, pero al final con el mismo esquema. Todas eran habitadas por familias, todas las familias tenían muchos problemas cruzando el metro y medio del acceso. 

Ficha técnica:

Instalación, lazo de tendedero, clavos, cloro y polvo.

Medidas variables, 2022

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Instalada en un invernadero, recientemente destruido, se levanta una gran estructura de malla metálica. Ésta alberga a grupos de individuos de todas las épocas, desde comerciantes de pieles hasta refugiados climáticos, constantemente en desarraigo. Existe todo un diseño de iluminación y cuando los usuarios se apropian de este espacio, los arcos de malla metálica adquieren un aspecto vaporoso y fantasmal gracias a los efectos de iluminación. A veces cálidos, a veces fríos, los tonos luminosos acentúan la sensación de urgencia o de serenidad que se siente durante la representación, permitiendo que la estructura evolucione al mismo ritmo.

Este proyecto está construido de forma artesanal y sus costos de construcción son bajos gracias a sus materiales modestos. El concepto adquiere todo su significado principal cuando se ilumina, y cobra vida al ser habitado. Este colosal decorado permitió a los artistas, así como a los espectadores, sumergirse en un mundo casi de fantasía.

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La forma se inspira en la tipología de los patios, propia del tejido urbano de Praga. Cada uno de los patios, caracterizados por componentes únicos como el mobiliario, la iluminación y la vegetación, ofrece experiencias significativas a los visitantes y a la comunidad local, creando un espacio público entre el mercado y las calles. Las activas fachadas frontales impactan en el entorno inmediato, atrayendo a los transeúntes sin entrar en el centro alimentario.

Manifesto en Andel es un ejemplo de diseño reversible, y la filosofía de reutilización es crucial para su concepto. Las unidades modulares diseñadas para las necesidades del antiguo mercado de Manifesto en Smichov respondían plenamente al concepto de espacio temporal y operaciones diarias sostenibles del actual y efímero mercado.

Los componentes del edificio, como las unidades revestidas con láminas de aluminio ondulado, la iluminación y el mobiliario utilizados en la anterior ubicación, recibieron una segunda vida en el marco de un nuevo concepto. Una plataforma de madera elevada permite el acceso sin barreras a las unidades y oculta la infraestructura técnica temporal situada debajo. Esta colección de componentes antiguos y nuevos se reúne bajo una maraña de andamios azules. En el corazón del mercado, el andamio sirve de terraza que flota sobre los contenedores, con vistas a los vibrantes espacios para eventos del nivel inferior.

El mercado funciona todo el año y se alimenta de energía limpia procedente de fuentes renovables. El concepto modular del Mercado Manifiesto lo hace compatible con varios espacios, lo que permite su reutilización en futuras ubicaciones.

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Con el proyecto Máquinas Bióticas, AGA estudio y Escuela Radical proponen el uso de “máquinas”, entendidas como dispositivos vivos, que llevan a cabo funciones biológicas necesarias tanto para su propia existencia como para la nuestra. Al mismo tiempo son “bióticas”, ya que se encuentran en diálogo con la vida –como ciclo de transformación– más que con la obsolescencia –propia de la lógica del desecho–.

Particularmente esta Máquina Biótica es mico-friganista ya que su principal agente, el pleurotus djamor, es un hongo que metaboliza nuestros desechos en la ciudad, así como también respira el aire contaminado, regenerándolos en forma de frutos –setas– que sirven de potencial sustento para distintos seres vivos. Todo esto nos presenta oportunidades por activación biológica y relacionamiento con sistemas activos humanos y no humanos.

Esta es una invitación a cambiar de modelo, ante los escenarios de incertidumbre que se producen asentados en una normalidad que destruye las condiciones que permiten el desarrollo y la reproducción de la vida. La crisis ambiental hace indispensable proponer y asumir cambios y transformaciones, apuntando a perfilar una radicalidad acorde con los retos que tenemos por delante, vías para imaginar y accionar formas otras de coexistir donde lo humano no es necesariamente central, situadas críticamente ante el Antropoceno.

Es un punto de partida es reconocer la urgencia de narrativas pluriversales, lo cual significa entendernos como parte de un espacio planetario que no es solo uno, sino resultado de relaciones múltiples e incesantes entre organismos y objetos diversos. Al mismo tiempo es un llamado a actuar al interior de la lógica lineal de explotación-consumo-desecho para afectar y regenerar críticamente dicha linealidad. Ambos casos bajo la firme intención de problematizar el lugar que ocupamos en la biosfera y en las ciudades, y promover nuevas narrativas ambientales y ecológicas. Por tanto, frente al cambio climático proponer el cuido climático; es decir, donde el cuidado –el guardar distancia y protegerse de la amenaza– se convierte en “cuidarnos”, es decir, en interdependencias y en el interrelacionarse con distintas formas de vida. Esto a partir de prácticas/procesos espaciales resilientes para la transformación, y de co-creación para la experimentación.

El cargo Máquinas Bióticas | mico-friganista apareció primero en Arquine.

La realidad mixta es un medio muy adecuado para una experiencia colectiva, que puede ser fundamental para ayudar a las audiencias a desarrollar conexiones más profundas y personales con el arte y la interpretación. Una producción de tambor de hojalata permite la agencia de la audiencia, la fluidez, la curiosidad y la presencia porque la audiencia está presente en el espacio, compartiendo y observando sus reacciones. No se puede lograr esa misma agencia e intimidad cuando reemplaza su realidad física por una virtual.

Medusa es una exploración de la traducción del pensamiento arquitectónico a un medio completamente nuevo, al que nos referimos colectivamente como realidad mixta. El arte y la arquitectura se superponen cuando se eliminan las barreras que los arquitectos tradicionalmente tienen que sortear, como la gravedad y el refugio. En un medio de realidad mixta, las estructuras se construyen completamente con luz, por lo que tiene más espacio para el comportamiento dinámico. Nuestro concepto creativo se centró en el papel de la arquitectura en la creación de espacios para compartir narrativas y desarrollar la cultura, que está implícita en el diseño de iglesias, mercados y edificios de oficinas.

Medusa permite que Sou Fujimoto comparta su visión y narrativa en un nuevo medio que sigue siendo auténtico para su espíritu, y que el público se involucre con el arte, la naturaleza y la arquitectura de una manera completamente nueva. Su movimiento y exploración están guiados por lo que ven y escuchan, lo que a su vez afecta la forma en que la estructura se mueve y responde. No es un rompecabezas que resolver, sino una conversación continua con el mundo que los rodea, ayudándolos a descubrir cuál es su función particular en ese espacio. Las producciones de tambores de hojalata no sólo traspasan los límites de lo que es posible, sino que también disipan los mitos y prejuicios de la experiencia moderna de los auriculares.

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Fragments room, o Sala de fragmentos es un pabellón itinerante para exhibiciones. Para ello se propone una habitación cilíndrica de madera, capaz de ajustarse como una “cuña” a espacios potencialmente culturales, por medio de un objeto sin dirección aparente, más allá de una ranura como acceso. La autonomía del pabellón tiene como único fin construir una habitación dentro de otra, por un lado, en una remembranza a ese primer cuarto que en el pasado albergó algún “Gabinete de curiosidades”, mientras que, por otro, con el objetivo de indagar sobre posibles mecanismos de progresividad en torno a la habilitación de infraestructura cultural al incorporar una única sala. El cilindro está construido por la repetición sistemática de una sola columna que forma un biombo permeable y semitransparente, haciendo de los visitantes temporales de este lugar partes de lo que allí se exhibe en una relación de fondo y figura. A su vez, debido a su autonomía, este objeto puede entenderse como una extensión de lo que allí se expone, es decir, como una pieza más en exhibición, aunque no exista nada más en el lugar.

El primer montaje que albergó “Sala de Fragmentos” fue una retrospectiva a “Catalejo”, ensayo de Azócar Catrón, en el que se plantea una ruta por los cinco cerros que confinan el centro histórico de la ciudad y un pabellón para cada uno de ellos, dando un total de cinco. La muestra consideró cinco maquetas monolíticas de madera cepillada dispuestas sobre unos plintos a modo de un bodegón. En la cara interior del cilindro se montó una malla utilizada usualmente en construcción, en la cual se plasma la ruta propuesta, unificando así los cinco cerros en un solo perfil. Ambas partes de la exhibición pretendían poner a escala humana una imagen invisible del patrimonio natural de la ciudad de Concepción, con la finalidad de visibilizar estos potenciales espacios públicos. Luego de un periplo por diferentes lugares de la ciudad, Sala de Fragmentos permanece en el Monasterio Franciscano en la ciudad de Chillán. Siendo la inclusión del pabellón lo que motivó la recuperación de un espacio cultural abandonado de lo que, otrora, fue el Museo de la Iglesia. Con ello se sumaron tres elementos; el pabellón, con un par de vigas que apuntan a contener el espacio de la pequeña sala e iluminación para que pudiese funcionar independiente del resto del lugar, un muro de tableros de color blanco y una cortina.

Finalmente, Sala de Fragmentos es una habitación dentro de otra, un promotor de un nuevo espacio cultural abierto al público o por lo menos, un objeto curioso.

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Los cuernos de la instalación se extienden hacia afuera en múltiples direcciones, reflejando los volúmenes en voladizo del museo del arquitecto Fumihiko Maki. Mientras que el diseño de Maki dirige las vistas hacia paisajes distantes, los cuernos del proyecto Social Network Factory suenan y se escuchan en las áreas inmediatamente adyacentes, incluido el paseo marítimo, los jardines y la entrada al museo.

Al funcionar a escala humana, los cuernos pequeños permiten que las personas se hablen indirectamente entre sí, mientras que los cuernos grandes son habitables y brindan cobertura para las actividades sociales. Los tubos retorcidos de la instalación recuerdan el legado marítimo e industrial de Shekou. Se convierten en telescopios, periscopios y mobiliario público que facilitan la reunión de personas.

El público puede explorar la Fabrica de Redes Sociales en sus propios términos. Es un instrumento para descubrir formas nuevas e inesperadas de interacción auditiva, visual y física.

El cargo Fábrica de Redes Sociales apareció primero en Arquine.