Presentación del libro: La casa es una idea | Complejo de Innovación Académica, Campus Pontificia Universidad Católica de Perú

Presentan:

Patricia Llosa
Rodolfo Cortegana
Jose Luis Villanueva

Lunes 18 de noviembre | 7.00 pm

Biblioteca del Complejo de Innovación Académica
Av. Universitaria 1801,
San Miguel, Lima, Perú

FOTOMÉXICO Festival Internacional de Fotografía 2019: Mujeres

En esta tercera edición de FOTOMÉXICO, que lleva por título Mujeres, propone generar reflexiones sobre los afectos y efectos que desde lo político y lo social, lo privado y lo público inciden en la vida personal y colectiva de las identidades femeninas, donde la autoría no es limitada a un único género ni a una mirada binaria. El objetivo de esta muestra es contribuir al desarrollo de estos importantes temas mediante un programa variado y contundente de exposiciones, mesas de diálogo y actividades educativas, donde participan destacadas fotógrafas, artistas, galeristas, coleccionistas, escritoras, activistas y académicas, cuyo trabajo ha sido determinante en la construcción del universo artístico actual, en las aportaciones de manera sustancial a las discusiones alrededor del género.

Consulta el programa de actividades aquí

Sábado 23 de octubre hasta diciembre de 2019

Exposición: Pasajes de luz de James Turell | Museo Jumex

El Museo Jumex presenta Pasajes de luz, una exposición del artista James Turrell (EE.UU., 1943). Reconocido internacionalmente por sus instalaciones inmersivas que involucran a los espectadores con los límites de la percepción humana, la práctica de Turrell desafía la clasificación simple del canon artístico.

Al emplear la luz como medio, los campos saturados de color que el artista crea adquieren una presencia física. A través de una comprensión científica de los efectos de la luz y una visión artística singular, Turrell incita a meditaciones silenciosas sobre el tiempo y el espacio, las cuales son tan relevantes hoy en día como lo han sido a lo largo de la historia de la humanidad. Extendiéndose más allá del espacio físico de la galería o museo, el artista crea estructuras monumentales que hacen que el cielo y los cuerpos celestes parezcan tangibles para el espectador.

Pasajes de luz incluye nueva obra de las series más importantes de Turrell, que se distribuirán en dos de las galerías del museo.

Para visitar la instalación Ganzfeld, parte de la exposición James Turrell: Pasajes de luz, reserva tus boletos aquí

Viernes 22 de noviembre
Exposición hasta el domingo 29 de marzo de 2020

Museo JUMEX
Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303,
Granada, Ciudad de México

Pabellón Eco 2020: Convocatoria abierta | Museo Experimental el Eco

Cada dos años el Museo Experimental El Eco promueve y produce una intervención arquitectónica como parte de su programa expositivo. El Pabellón Eco 2020 convoca a arquitectos radicados en México para que dialoguen con la programación del museo. El Eco fue concebido por el artista Mathias Goeritz (1915-1990) en 1953, por invitación del empresario Daniel Mont. Este espacio es un ejemplo del programa de “arquitectura emocional” que Goeritz propuso, como crítica ante el funcionalismo que imperaba en Europa en este período. El Eco fue concebido como un espacio para la exhibición e integración de la arquitectura con las artes. Su arquitectura única y su carácter interdisciplinario han inspirado a varias generaciones de actores culturales en México.

Con esta edición se cumplen 10 años del Pabellón Eco, un concurso que se inició en alianza con Buró-Buró con la misión de ofrecer una plataforma para la producción arquitectónica con énfasis en la experimentación y la reflexión espacial. Consiste en una intervención temporal a la arquitectura emocional de Mathias Goeritz, la cual albergará durante dos meses actividades que combinan artes visuales, escénicas, música y conversatorios derivados de la forma y los temas propuestos por el diseño ganador.

El Pabellón Eco es una convocatoria abierta en la que podrán participar arquitectos radicados en el país. En la primera parte de la convocatoria, los interesados deberán enviar únicamente un portafolio que muestre su producción de forma concisa y con intereses afines a la convocatoria. Los portafolios de los participantes deberán ser de máximo 6 páginas (máximo 10 MB).

Consulta las bases del concurso aquí

Convocatoria abierta hasta el viernes 29 de noviembre a las 11:00 pm 

Museo Experimental el Eco
Calle James Sullivan 43,
Colonia San Rafael,  Ciudad de México

Instalación: Flying Carpet de Go Hasegawa | Jardín 17

Jardín 17 Casa Barragán presenta la primera edición de Programa Arca 2019, cuyo invitado será Go Hasegawa, quien exhibirá (durante tres meses) su pabellón, Flying Carpet, junto a una galería de imágenes y bocetos de sus procesos de diseño dentro de la práctica.

El arquitecto japonés estableció su despacho, Go Hasegawa and Associates, en 2005. Su estilo destaca por su mezclar la tradición y la modernidad, acumulando a lo largo de su carrera numerosos premios, como por ejemplo: el proyecto House in a Forest ganó, en el 2005, el Kajima Prize; House in Sakuradai recibió el Premio de Oro en la vigésimo octava edición del INAX Design Contest (2007); y fue galardonado con el AR Design Vanguard en el 2014. A su vez, Hasegawa participa activamente como conferencista  en numerosas instituciones académicas; la Escuela de Graduados de DIseño de la Universidad de Harvard, el Instituto de Tecnología y la Universidad de Ciencias de Tokio y el Politécnico de Milán.

El Programa Arca 2019 consiste en una colaboración entre algunos de los miembros de la Fundación de Arquitectura Tapatía Luis Barragán y Grupo Arca. El objetivo: dar exposición a la arquitectura internacional en México. Cada uno de los eventos de dicho programa se componen por presentar el diseño y la esencia del arquitecto invitado.

Hasta el 31 de enero de 2020 (4:00 pm – 8:00 pm)

Jardín 17
Gral. Francisco Ramírez 11,
Ampliación Daniel Garza,
Miguel Hidalgo, Ciudad de México

El cargo Agenda de la semana apareció primero en Arquine.

La intervención del arquitecto japonés Go Hasegawa en los jardines de Barragán en la Ciudad de México, suspende un corredor entre la vegetación plantada por Barragán mismo. Un marco estructural de perfiles metálicos serpentea por el espacio, cubierto por una superficie de tubos de acero pulido, que se asemeja a un río plateado corriendo por el jardín. La propuesta busca explorar –en palabras del arquitecto– una equilibrada coexistencia entre naturaleza y arquitectura. De igual manera, hace eco de uno de los elementos más icónicos de la Casa Barragán: la escalera en cantilever que conecta la estancia con el tapanco. El zigzag en madera que sobresale del muro, convierte una simple conexión linear en todo un evento que estéticamente, e incluso aventuradamente, desafía la gravedad. El recorrido ondulanre plasmado por Hasegawa en Jardín 17, tiene un objetivo similar: escapar de la lógica pragmática de una circulación en favor de una composición espacial poética. En contraste con la expresión material tectónica del lenguaje de Barragán, Hasegawa recurre a la cualidad ligera y etéreo de la arquitectura contemporánea japonesa, para lograr el “embrujo, magia y encantamiento”, que Luis Barragán invocó en su discurso de aceptación del premio Pritzker en 1980.

Proyecto arquitectónico: Go Hasegawa & Associates
Equipo de diseño: Go Hasegawa, Tachi Asai, Hikari Masuyama, Virgina Grimaldi, Henry Peters
Coordinación general Jardín 17: Salvador Macías
Producción: Alejandra Rodríguez, Santiago Llamas
Ingeniería Estructural: Ohno Japan | Hirofumi Ohno, Ryuhei Fujita
Construcción y ejecución: Factor Eficiencia | Francisco Espinosa, Fermín Espinosa, Gerardo Salinas
Iluminación: Gabriela Bermeo
Diseño gráfico y de arte: Jacobo Mendoza
Fotografía: Jaime Navarro

El cargo Go Hasegawa: Flying Carpet apareció primero en Arquine.

Preguntarnos cuáles son las reglas actuales, nuevas o renovadas, del diseño y si como dijo en su momento Bruno Munari, el diseñador no es más que un planificador con sentido estético y el diseño, volviendo a las ideas de Simon, “un punto de encuentro —una interface en términos actuales— entre un medio ‘interior’, la substancia y la organización del artefacto mismo, y un medio ‘exterior’, el entorno en el que opera.” Un momento adecuado para volver a aquella pregunta que le hiciera, entre muchas más, madame L. Amic a Charles Eames: ¿cuáles son los límites del diseño?

PETRA BLAISE

No hay límites para el diseño y cualquier límite dado es una inspiración para cuestionarlo, probarlo y estirarlo, hasta que los propios límites del pensamiento se abran y consigan libertades inesperadas y de amplio alcance que invitan a la improvisación y la sorpresa.

Fuimos invitados por Niels Olsen y Fredi Fischli, comisarios a cargo de exhibiciones en el eth, en Zürich, Suiza, para agregar pantallas vistosas a una exposición seria, “en papel”, sobre 50 años de teoría, arquitectura y trabajo de investigación de diseño. En tono de broma dije allí: “¡Hagamos una cortina de oro, jaja!”. Y eso fue todo: inmediatamente se decidió que eso era exactamente lo que necesitaba esta “exposición de aniversario en papel”.
Conocíamos el espacio de la galería por un encargo anterior, en que habíamos instalado un sistema de cuatro rieles paralelos a través del techo de madera esculpido existente, rebajado, en la estructura de concreto. Este sistema de rieles puede soportar grandes cargas como objetos de arte y pantallas, pero cargaría principalmente tres cortinas ligeras de algodón blanco y otra de plástico negro para, de manera flexible, transformar el gran espacio en una serie de galerías más pequeñas. Cada artista fue invitado a “jugar” con las cortinas a su gusto, incluso cambiando sus posiciones o eliminándolas por completo.
La cortina dorada pronto se convirtió en dos de “piel sintética”, rica y cálidamente brillante. Cada una con doble capa, una ligeramente plisada y otra con más pliegues. Se colocaron como “marcos” verticales vibrantes para una exposición que consistía en un plano horizontal continuo de mesas con cubiertas de vidrio reflejante. Grandes paneles acrílicos, que exponían dibujos arquitectónicos, colgaban en el espacio, agregando una capa reflejante al conjunto.

Petra Blaise comenzó su carrera en 1979 en el Museo de Stedelijk en Ámsterdam en el Departamento de Artes Aplicadas. En 1991, fundó Inside Outside, estudio que trabaja en proyectos de creciente sofisticación técnica, ambición y escala; ha colaborado con varios arquitectos y diseñadores. Su trabajo se ha incluido en diversas exposiciones internacionales de diseño y arquitectura. 

GUILLERMO HEVIA

En el diseño los límites son necesarios. Al momento de diseñar, suelen ser vistos como restricciones – palabra con carga negativa – en oposición a la libertad, que representa de alguna manera un ideal. Muchas veces el diseñador busca – equivocadamente – operar con total libertad, sin restricciones, para que su creatividad y el resultado, que es la obra puedan aparecer y ser plenos. Creo, sin embargo, que no hay nada más irreal que diseñar sin límites o en total libertad, eso se llama utopía o ingenuidad.

Especies de espacios es la configuración de un pequeño habitáculo o refugio. Este lugar se configura y construye con base en curvas y contracurvas que permiten contener un espacio único y fluido, en el que se van alternando una serie de espacios menores e interrelacionados, en los que se va midiendo y graduando el nivel de intimidad de los distintos recintos, dependiendo del punto de vista. De esta manera se superponen un espacio para estar, uno para trabajar, uno para descansar y uno para asearse, pero con un grado de ambigüedad que sólo se concreta con algunas piezas de mobiliario específico y donde se van construyendo una serie de relaciones visuales inesperadas. El habitáculo, más que ser una forma cerrada, es un sistema abierto de configuración que permite construir distintos órdenes espaciales en función de los requerimientos programáticos, sus usuarios o el lugar en el que se emplaza. La geometría se configura con base en curvas y contracurvas de diámetros de 20 cm y 40 cm que pueden adaptarse a múltiples situaciones y contextos. Estas curvas se generan a partir de planchas de aluminio lacado de 2 mm que han sido facetadas cada 3 cm, lo que permite rigidizar una pieza de espesor mínimo, casi bidimensional, para armar un lugar mayor y de rápido montaje.

Guillermo Hevia es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile en 2011; desde 2012 es Profesor de Taller de la Escuela de Arquitectura de esta universidad. En 2014 gana la IX Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo en Rosario, Argentina, y en 2017 recibe el Premio Promoción Joven del Colegio de Arquitectos de Chile.

GO HASEGAWA

Los límites del diseño están cambiando todo el tiempo, pero a los arquitectos les gusta decir que su papel se ha expandido en los últimos años. Probablemente necesitan justificarse a sí mismos. Ciertamente su papel parece haberse expandido, pero en muchos casos los arquitectos sólo combinan otras habilidades, como constructores, líderes comunitarios y activistas sociales, etc. Creo que no es fundamental preguntar qué hacen los arquitectos, porque eso depende de la persona y la situación. Quizás el rol del arquitecto se esté expandiendo horizontalmente al examinar categorías y campos, pero creo que también debemos ser conscientes de los límites verticales del diseño. Vertical significa historia, apilamiento de tiempo: esa es una gran ventaja y tesoro para los arquitectos, uno de los campos creativos más antiguos de la historia de la humanidad. Pero tenemos una especie de dilema entre lo viejo y la novedad, lo que significa que los edificios deben evolucionar en reacción a nuevas ideas de cómo vivir, nuevos programas, nuevas tecnologías, etc. Sin embargo, la construcción tiene sus raíces en nuestra cultura e historia. Yo llamo a este dilema los límites verticales del diseño, porque muchos arquitectos piensan que eligen lo nuevo o lo viejo. Creo que es muy interesante luchar con estos límites verticales, pero no deberíamos elegir ninguno de ellos y generar una posible combinación de nuevo y viejo más allá de tal dilema. Ese es mi límite de diseño.

Una casa en un barrio residencial de Tokio. Al otro lado de la calle, en el lado este, hay un gran huerto de ciruelos. Al adoptar la forma familiar de una casa de madera de dos pisos con techo a dos aguas, el diseño reconfigura la relación entre los pisos superiores e inferiores. El primer piso está nivelado con el suelo del sitio, como los pisos doma, de tierra o de piedra, en las casas japonesas tradicionales. Es un espacio libre y abierto, con un techo alto y vistas al huerto de ciruelos vecino a través de un ventanal. Los muebles y las plantas se pueden organizar libremente en el suelo empedrado. El segundo piso es un espacio similar a un loft, formado por la pendiente del techo a dos aguas. Tres vigas de acero están suspendidas del marco del techo, soportando, a su vez, una hilera de vigas de 2 × 3 (38 × 64 mm), dispuestas a intervalos de 30 mm. La mitad del segundo piso está amurallada con madera contrachapada y se utiliza como dormitorio y espacio sanitario, mientras que la otra mitad es un estudio con piso de láminas. Este piso conecta la ventana grande en el primer piso y la claraboya en el segundo piso, proporcionando al primer nivel una vista del cielo y al segundo, una vista lateral hacia abajo, hacia la calle del vecindario, a través del suelo. El primer piso gana luz cenital y una sensación de amplitud, mientras que el segundo piso puede participar en la atmósfera pública situada más abajo. El objetivo fue permitir que los dos entornos se reforzaran entre sí en un nuevo tipo de experiencia para una casa de dos niveles.

Go Hasegawa es un arquitecto japonés graduado como ingeniero del Instituto de Tecnología de Tokio en 2002. Fundó su estudio Go Hasegawa & Associates en 2005. Ha recibido diversos premios que incluyen el Premio Shinkenchiku 2008 y el AR Design Vanguard 2014. En 2015, recibió su doctorado en ingeniería del Instituto de Tecnología de Tokio.

El cargo Los límites del diseño apareció primero en Arquine.