Este diseño refleja un profundo entendimiento del entorno del MET, su colección y su conexión con Central Park. Su fachada exterior cuenta con una “celosía” de piedra caliza que interactúa con la luz del día, mientras que en el interior, las galerías ofrecen versatilidad para exhibir obras de todas las escalas. Además, incluirá un jardín en la azotea y terrazas con vistas al parque y el skyline de Manhattan.

Este proyecto representa un avance en sostenibilidad, accesibilidad e innovación, solidificando a la oficina mexicana como un equipo relevante a nivel global. Su diseño dialoga con la historia arquitectónica de la institución mientras introduce una perspectiva contemporánea y diferente.

Entre los comentarios destacados sobre este anuncio; el alcalde de Nueva York, Eric Adams, celebró el proyecto por reflejar la diversidad cultural de la ciudad. La comisionada de parques de Nueva York, Sue Donoghue elogió la integración del diseño en el contexto de Central Park y los miembros asociados a la institución destacaron la contribución de esta nueva sección al enriquecimiento cultural y a la inclusión artística.

“Nuestro objetivo ha sido crear un edificio que satisfaga plenamente las necesidades y aspiraciones de The MEt, entrelazando conexiones fundamentales entre las galerías de Arte Moderno y Contemporáneo y otras áreas del museo, al mismo tiempo que se expresa la importancia especial del lugar que ocupa la Tang Wing en la ciudad. La ala está en Nueva York, pero también pertenece al mundo; refleja la naturaleza global de esta gran colección e igualmente se inspira en el entorno único de The Met. Una ambición de este tipo solo puede realizarse a través de una colaboración cercana y constante. Estamos profundamente agradecidos con nuestros extraordinarios socios en The MET y con todos los miembros de equipo de diseño”, expresó Frida Escobedo.

Este ambicioso proyecto abrirá en 2030, marcando un nuevo capítulo para el MET.

El cargo El MET da a conocer las primeras imágenes de su nueva sección de Arte Moderno y Contemporáneo diseñada por Frida Escobedo apareció primero en Arquine.

Hoy se anunció que dicha renovación estará a cargo de la oficina francesa Moureau Kusonoki, asociada con la mexicana Frida Escobedo.

La oficina francesa fue fundada en 2011 por Nicolas Moreau, egresado de la Ecole Nationale d’Architecture de Bellville, en París, quien trabajó en Japón, en las oficinas de SANAA y Kengo Kuma, lugar donde conoció a Hiroko Kusunoki, arquitecta por el Shibaura Institute of Technology de Tokio. En su relativamente corta carrera han ganado varios concursos importantes, como el del diseño del Museo Guggenheim en Helsinki, en 2015 —proyecto que no fue realizado pues el consejo municipal rechazó la inversión de dinero público en asociación con la franquicia Guggenheim—, y en 2019 fueron seleccionados, en sociedad con el despacho local Genton, para llevar a cabo el proyecto del Nuevo Museo Powerhouse, en Sídney, Australia. En su sitio web se puede leer lo siguiente:

La arquitectura de Moreau Kusunoki tiene sus raíces en la dualidad cultural de sus orígenes. Esta reconciliación creativa se expresa en el constante juego de escalas en el espacio y el tiempo, en una suave oscilación entre razón e intuición. Diseña con la creencia de que la arquitectura se concibe mejor en reserva e introspección, lo que permite el surgimiento de visiones poéticas hacia un “en medio” arquitectónico: espacios indefinidos que crean el potencial para nuevos significados y experiencias personales a través de la apropiación del usuario.

Por su parte, la mexicana Frida Escobedo, quien abrió su estudio en 2006 y ha desarrollado proyectos como la ampliación de La Tallera Siqueiros, en Cuernavaca (2012) y el Serpentine Pavilion de 2018, fue seleccionada en 2022 para desarrollar el diseño de la nueva ala del Museo Metropolitano de Nueva York.

El Centro Pompidou fue inaugurado el 30 de enero de 1977, con un proyecto de Renzo Piano, Richard Rogers, Su Rogers, Gianfranco Franchini y John Young, seleccionado entre 681 proyectos provenientes de 46 países, en lo que fue el primer concurso internacional de arquitectura en Europa, con un jurado igualmente internacional, con Jean Prouvé como presidente.

En el sitio web del Centro Pompidou se puede leer sobre la renovación:

El imponente proyecto, que prevé el cierre total de su edificio a finales del verano de 2025 y durante 5 años, responde a cuestiones de seguridad, desarrollo sostenible y accesibilidad, ligadas al deterioro del edificio construido allí hace casi cincuenta años, y a las exigencias actuales de normas medioambientales, sanitarias y energéticas. Se trata de la parte denominada técnica, además de patrimonial, del proyecto, realizado por AIA Ingénierie desde 2020.

Punta de lanza, sin embargo, de una segunda vertiente denominada cultural, llevada a cabo en estrecha adecuación, que cuestiona las posibilidades de reurbanización espacial y funcional de un edificio que se ha convertido en un icono de la arquitectura en cuanto a necesidades y usos que también han evolucionado. Tras un concurso de arquitectura para la dirección del proyecto del componente cultural, éste fue confiado a la agencia Moreau Kusunoki, asociada al estudio de Frida Escobedo, diseñadora.

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La arquitecta francesa Charlotte Perriand es conocida por sus diseños de mobiliario y sus colaboraciones con arquitectos franceses como Le Corbusier y Jean Prouvé, pero es más que eso, la caracterizó su espíritu descarado, inconformista y juvenil.

Perriand en su silla larga basculante, 1928. © FLC/ADAGP/AChP, París, 2019.

Muchas de sus piezas de su autoría se han convertido en clásicos del siglo XX: el sillón Grand Confort de forma cúbica, la chaise longue de piel de poni (una “máquina para relajarse”), o el sillón giratorio de cuero. Estos muebles llevaban la marca LC Collection (Colección Le Corbusier), pero su verdadera autora siempre fue Perriand, encargada de diseñar los muebles.

Frida Escobedo fue la arquitecta más joven en diseñar el Pabellón Serpentine en 2018, que también fue la primera vez que una mujer en solitario se encargaba del proyecto desde el encargo inaugural a la fallecida Zaha Hadid, en 2000. Otros proyectos destacados incluyen la Tallera de David Alfaro Siqueiros, el pabellón que hizo para el Viktor & Albert Museum de Londres y próximamente inaugurará el Ala Oscar L Tang y HM Agnes Hsu-Tang del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

El programa anual de premios del CDA celebra los logros en los campos de la arquitectura, el diseño de interiores y de productos, así como el periodismo, la curaduría y la fotografía. Frida Escobedo recibirá el premio durante la ceremonia de los Créateurs Design Awards, que tendrá lugar en París el 20 de enero de 2024.

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Jeanne Toussaint se paseaba por París con un abrigo de piel de pantera y ocultaba su miedo detrás de la risa, como hacen casi todas las mujeres valientes. Quería ser dueña del mundo, pero nació en uno dominado por hombres. Hombres temerosos de su fuerza y su temperamento. Panpan, como la llamaba Pierre de Quisonas, el primero de sus amantes, fue siempre una mujer disruptiva; que traicionada por su familia, se construyó a sí misma. Louis Cartier quiso casarse con ella, pero las reglas sociales, escritas por los hombres temerosos, no lo permitieron y todo quedó en un romance arrollador y una amistad que duraría hasta la muerte de él en 1942. Ella, su eterna confidente, lo sobrevivió por más de treinta años. Murió en 1976, apenas seis años después de su retiro definitivo de la Maison joyera que había sido su corazón.

No existen demasiados libros sobre la vida de Madame Toussaint, aunque su influencia en la joyería moderna merecería enciclopedias enteras. Dirigió creativamente la Maison desde 1933. Ese año Louis Cartier le dio la mayor muestra de confianza posible: le entregó el control creativo absoluto de la casa situada en La Rue de la Paix 13 en Paris. Pero no fue esto un premio de consolación, ni signo de un aburrido nepotismo. Nadie conocía a Jeanne mejor que Louis y él sabía que bajo su mirada entrarían de lleno en la Modernidad. No se equivocó. La mujer transformó la identidad de la casa joyera. Colores, volúmenes, diseños atrevidos, tintes políticos; todos pasaron a formar parte de un lenguaje que sería identitario en la época. Un lenguaje pensado para la mujer moderna. Un leguaje pensado para la mujer ferozmente independiente.

No es casual que a esta mujer esté dedicado uno de los núcleos temáticos de la exposición El diseño de Cartier: un legado vivo que se encuentra en el Museo Jumex en la Ciudad de México. La exposición, curada por Ana Elena Mallet y con museografía de Frida Escobedo, busca ilustrar el recorrido histórico de la Casa Cartier a través de algunos de sus diseños más icónicos; casi todos fruto del imaginario de Madame Toussaint. Y es que Jeanne no fue una simple diseñadora de joyas, Jeanne fue todo lo que le faltaba a Cartier.

Desde la penumbra de la sala los ojos recorren las piezas que se llenan de luz. Un collar enorme de citrinas de diversos tamaños. Volumétrico. Casi arquitectónico. Hermosísimo. Una pulsera colorida de diseño tutti frutti. Poderosamente barroca en su visualidad. Lujosa. Igual a la que se subastó por más de siete millones de dólares hace algunos años. Broches articulados donde las piedras son las manchas de los felinos. Neceseres con cierres de lapidázuli. Ya no hay líneas simples para Cartier. Madame Toussaint prefiere la pesadez de los diseños. Romper con la delicadeza pero sé que ha identificado al Cartier fundacional. Su visión es innovadora. Las piezas trasladan a quien las porta a una modernidad de la que no se puede ya escapar. El mundo ha cambiado. Las mujeres ahora son dueñas de su destino. O al menos eso dicen sus joyas.

Wallis Simpson era un mujer divorciada que se casó en segundas nupcias con el Rey Eduardo VIII, que abdicó por amor a ella. Wallis no era una mujer común. Y tampoco era fácil de complacer. En eso se parecía a Jeanne Toussaint. El flamenco de Bahamas, un broche, quizás uno de los diseños más impresionantes de la época, fue un encargo de Wallis que diseñó Jeanne. Diamantes, esmeraldas, zafiros y rubíes, la pieza pasa a ser unas de las favoritas de su dueña, y también de su diseñadora. La curadora de la muestra del Jumex la ha colocado en la punta de una pirámide conformada por otras piezas semejantes y distintas, como el lenguaje de Cartier.

Hay una pieza pequeñísima en la exposición. Un pajarito tricolor listo para volar. Sola en una vitrina, es quizás la pieza que más claramente habla de Madame Toussaint. De quién fue esta mujer que rompió cánones desde una mesa de diseño en un Estudio en París. Durante la Segunda Guerra Mundial, con la ciudad tomada por lo nazis, Jeanne diseñó varios broches con temática de aves. Las aves que remedan inevitablemente a la libertad. Aves pequeñas, coloridas, presas en jaulas doradas. Pero la temática es considerada provocativa y la Gestapo se lleva a la joyera, la interroga, le pregunta por sus aves. Ella, tajantemente, niega el evidente tinte político. Y ellos parecen creerle. La liberan. Son tiempos difíciles. La pesadez que siente no la deja crear. Cuando los nazis abandonan la ciudad, Jeanne diseña otro pájaro y su jaula, pero esta jaula tiene la puerta abierta y este pájaro expande las alas para echarse a volar. La libertad ha encontrado su camino.

El recorrido en el Jumex termina con la relación de la Maison Cartier con otra mujer. Una que andaba por las calles de Paris con un cocodrilo en sus brazos para que le hicieran un collar, único y feroz, como ella misma. No sé si ella y Jeanne se conocieron, probablemente sí. Quizás compartieron alguna charla sobre piedras preciosas o animales exóticos. Quizás se odiaron como se odian a veces las mujeres divinas. O quizás se amaron. El caso es que esas vitrinas almacenan panteras, serpientes, cocodrilos que son también cinturones, pulseras, collares articulados y pendientes. Son piezas dramáticas, fuertes, sinuosas, complejas de ver en su totalidad. Son fragmentos de la historia de María Félix, la mujer valiente que se compraba sus propios diamantes. Como Jeanne Toussaint, que adornaba sus manos con piedras invaluables como señal inequívoca de empoderamiento.

Yo creo que El diseño de Cartier: un legado vivo, más que de joyas, que también, habla del legado de mujeres valientes. Una reina que no fue. Una heredera que buscaba amor en los diamantes. Una actriz que escondía sus miedos tras una serpiente articulada. Y una mujer de dudosa reputación, que llegó a ser joyera de reyes. La muestra sirve de testigo de como en el siglo XX las mujeres eran capaces, lo fueron siempre, de ser. Sin asombro, sin miedos. Jeanne Toussaint se paseaba por París con un abrigo de piel de pantera. Era su animal favorito y las había visto en su hábitat natural en un safari en Kenya. Quería ser dueña del mundo.

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Escobedo señaló que su arquitectura surge de ideas que combinan ética y estética y que tocan temas de género y medio ambiente. Habló de su entendimiento de la arquitectura como un lenguaje, como una acreción —que el diccionario define como el “crecimiento por adición de materia, como en los depósitos minerales o en los continentes”—, lo que la llevó a reflexionar sobre la relación entre la materialidad y el significado y la idea de compromiso —usó en inglés el término engagement, hablando del compromiso social de la arquitectura y la arquitecta, pero también de la manera como una obra arquitectónica involucra a quienes la usan o la ocupan.

Al explicar esas ideas, Escobedo hizo referencia a distintos proyectos que han sido importantes en su carrera de ya casi veinte años —estableció su oficina en el 2006, pero en 2004, junto con Alejandro Alarcón, diseñó la Casa Negra—, como el pabellón del Eco y La Tallera, ambos del 2010, la intervención en la Trienal de Arquitectura de Lisboa, Civic Stage (2013), el pabellón de la Serpentine Gallery (2018), o El Otro, investigación que se presentó por primera vez en el 2012, en Liga, y en una versión distinta en el 2018 en el Museo Guggenheim de Bilbao y, un año después, en el Museo Franz Mayer en el marco del Festival de Arquitectura y Cuidad MEXTRÓPOLI. También se refirió al pensamiento de escritores y pensadores como Roger Caillois, Octavio Paz y Édouard Glissant, de quien mencionó el libro Trité du Tout-monde y el concepto de mundialidad —el hacer presente las culturas desde el respeto a lo Diverso.

Sobre la nueva ala del Met, Escobedo señaló como una idea central la fluidez, aclarando que sus proyectos “no se piensan para organizarla sino casi para instigarla” y afirmó: “mi arquitectura no es una arquitectura del control.”

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Con ese subtítulo dio la noticia hoy el New York Times la decisión tomada de que sea la arquitecta mexicana quien diseñe la nueva ala del museo, con un presupuesto para su construcción de 500 millones de dólares. En marzo del 2015, tanto el Museo Metropolitano como la oficina de David Chipperfield habían anunciado el triunfo de éste en un concurso organizado por el Patronato del Met para diseñar el ala sureste del museo. Dos años después, el mismo NYT publicó una nota explicando que el Met había pospuesto la construcción de la nueva ala, entonces presupuestada en 600 millones, que se esperaba estuviera lista para la celebración de los 150 años del museo en el 2020. Tras haber recibido una importante donación de parte del empresario de origen chino Oscar L. Tang y su esposa, la arqueóloga e historiadora del arte Agnes Hsu-Tang, el Met retomó los planes de construir un ala nueva, considerando para esto a cuatro oficinas de arquitectura: Ensamble Studio, Lacaton & Vassal, SO—IL y de nuevo a David Chipperfield, por lo que la decisión por Frida Escobedo resultó sorpresiva. La nota del NYT agrega que, en entrevista telefónica, Max Hollein, director del Met desde el 2018, dijo de Frida Escobedo: “Es una voz fuerte en el discurso arquitectónico que realiza edificios contemporáneos anclados en el canon moderno.” 

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Lina Bo Bardi en la construcción del MASP en Avenida Paulista junto al prototipo del caballete de vidrio con la reproducción de El estudiante de Vincent van Gogh en 1967. Colección Instituto Bardi/Casa de Vidro São Paulo. Fotografía: Lew Parrella.

Casas, revistas, mobiliario, escenografías. Habitat alberga las incursiones de Bo Bardi en tipologías y en instrumentos culturales diversos, como el diseño industrial enfocado en asientos y el diseño editorial, con la labor que emprendió en la revista homónima a la exposición, fundada con su esposo, Pietro Maria Bardi, y editada en la década de 1950. Se incluye también a la Lina vestuarista y escenógrafa, que aventuró nuevos espacios teatrales que difuminaran los límites entre los actores y el público, y que establecieran un diálogo entre la dramaturgia occidental y la identidad textil del Brasil profundo. Aparece también una Bo Bardi museógrafa: sus ensayos museográficos en los espacios expositivos que ella misma proyectó fundían el soporte físico con un discurso militante. Para la arquitecta, el museo debía cumplir un programa pedagógico que no fuera exclusivo de las clases medias, al tiempo que afirmarse como espacio público. También son abordadas algunas de las soluciones estructurales que implementó en proyectos como el Solar do Unhão, escaleras que demuestran las posibilidades para resolver una estructura con la mayor sencillez.

Lina Bo Bardi. Estudio preliminar –Esculturas practicables para el Belvedere del Museu Arte Trianon, 1968. Colección Museu de Arte de São Paulo (MASP). Donación, Instituto Lina Bo y P.M. Bardi, 2006. Fotografía: MASP.

Del cristal esbelto de la modernidad a los museos-escuelas, de las retículas a los programas en planta libre, Bo Bardi, según Julieta González, desaprendió de la modernidad. Afiliada al Partido Comunista, Bo Bardi, junto a otros intelectuales brasileños como Glauber Rocha, reivindicó el pasado africano de Brasil y cuestionó, partiendo de la cultura material de las “culturas originarias”, algunos de los preceptos sobre la artesanía bauhasiana y del arts & crafts de William Morris. ¿Qué lugar tienen los objetos rituales en la industrialización moderna? Estas reflexiones políticas son fundamentales en su labor, como explica Cindy Peña en su texto Teoría, experiencia, práctica: Los modelos pedagógicos de Lina Bo Bardi: “El tiempo de Bo Bardi en Bahía fue de profunda reforma para su filosofía, ya que la ciudad se había convertido en hogar de intelectuales, músicos, bailarines y artistas que enseñaban en la Universidad Federal. Bo Bardi se interesó en ver a Brasil desde una perspectiva antropológica, lo que influyó en su enfoque en la arquitectura. Viajó por toda la región conocida como el Nordeste, y rápidamente notó cómo las necesidades cotidianas eran diferentes de las de la ciudad. Su lectura de Gramsci le permitió ver la cultura popular como la expresión de un tiempo y una sociedad, y adherirse al proyecto popular-nacional del filósofo. Siguiendo la idea del intelectual orgánico de Gramsci, Bo Bardi diseñó sus proyectos con lo popular en mente.”

Vista de la escalera del Museu de Arte Popular en el Solar do Unhão, 1959. Colección Instituto Bardi/Casa de Vidro, São Paulo.

Para la Galería 3 del museo, Frida Escobedo, encargada del diseño museográfico de la exposición, recreó algunas de las estrategias de Bo Bardi para espacios expositivos, como los caballetes de cristal, e instaló muros de madera que se pueden modular en otros espacios y separan a la obra de las paredes del recinto, en un gesto que retoma las ideas de la arquitecta respecto al museo como un organismo vivo y lúdico. El recorrido, además de los proyectos, explica las posturas políticas de Bo Bardi. El espíritu antropológico de su práctica y de sus metodologías, de inspiración marxista, continuaron como una práctica de gabinete etnográfica: la recopilación de los objetos de la cultura negra. Las nociones sobre las raíces africanas, sobre el pueblo, afirmaron el papel protagónico de ella como intelectual, más que de los pueblos a los que pretendía representar. Sin embargo, su trabajo y el de otros colegas no fue aprobado por la dictadura militar brasileña. Su mirada hacia los objetos populares le proveyó de un lenguaje arquitectónico vanguardista al tiempo que vernáculo. Lejos de los esencialismos ideológicos, la muestra Habitat es una prueba de cómo la modernidad latinoamericana, y sus principales figuras, tendrían que ser observadas bajo perspectivas necesariamente matizadas.

El cargo Militancia de gabinete: Lina Bo Bardi apareció primero en Arquine.

Como respuesta al proyecto típico de vivienda vertical basado en balcones estrechos e ineficaces como extensión de la vivienda, el proyecto los pliega hacia dentro en patios privados, para dar como resultado una serie de casas de patio verticales, que juegan con grados de intimidad con la celosía de la fachada.

Los departamentos se entrelazan tanto en plan como en sección para lograr la mejor iluminación natural y privacidad. Esto produce un conjunto de casas individuales distintas, unificadas por la serie de patios privados y el corredor de entrada principal.

La fachada de bloques de hormigón es como un velo que cubre y unifica, y hace las veces de celosía. El corredor de la entrada principal, que evoca las vecindades mexicanas, crea una zona de interacción para los habitantes del edificio.

El conjunto funciona como la casa-patio tradicional, con la actividad concentrada en el interior, en lugar de hacia la calle, para lograr hogares íntimos e introspectivos.

El cargo Mar Tirreno de Frida Escobedo apareció primero en Arquine.

Graham Foundation anunció recientemente los ganadores de 63 subvenciones para proyectos que iban desde exhibiciones en viviendas suburbanas hasta investigaciones sobre los efectos de MTV en el espacio posmoderno. La fundación con sede en Chicago otorgó más de 460,000 dólares a los premiados de todo el mundo, seleccionados de entre más de 500 propuestas. En total, más de 4,500 proyectos han sido financiados por la Fundación Graham desde 1956.

Las nuevas formaciones domésticas, la topografía de las epidemias y un examen de la relación de la arquitectura con los disturbios se encuentran entre los proyectos que obtuvieron financiamiento de Graham.  Entre algunos de los 63 subvencionados este año por Graham Foundation se encuentran los proyectos: La necesaria redensificación de la vivienda colectiva en México de Miquel Adrià ;  Auroville: Sobre la construcción de un sistema de creencias de Santiago Borja; Tipologías: Estado actual de la vivienda tradicional en México de Onnis Luque y Mariana Ordóñez; Un atlas de nuevas ruinas mexicanas de Frida Escobedo y Xavier Nueno, y Casas de Memoria de Robert Hutchison publicación editada por Arquine.

La lista completa de beneficiarios se encuentra en el sitio de la Graham Foundation.

La Graham Foundation es fundada en 1956 para mantener el legado de Ernest R. Graham (1866-1936) y promover proyectos y eventos relacionados a la arquitectura y el diseño.

El cargo Graham Foundation anuncia los ganadores de becas de investigación arquitectónica 2019 apareció primero en Arquine.