Tierra demolida

El martes 19 de septiembre de 2017 a las 13:14 horas, un temblor de 7.1 grados en la escala Richter hizo retumbar la tierra del centro de México. En poco menos de tres minutos de violentas oscilaciones, la capital del país, junto con varias localidades cercanas, quedó seriamente dañada. En lo fatídico de esa jornada (centenares de fallecidos y heridos, derrumbes parciales y totales), la fecha del sismo parecía subrayar un mensaje cifrado previamente en la historia de la urbe: exactamente 32 años antes, en 1985, la ciudad sucumbió cuando a las 07:19 horas, la placa de Cocos se encontró con la placa Norteamericana provocando un terremoto de 7.8 grados. Si en 1985, el 19 de septiembre se grabó en la memoria de los mexicanos como una fecha trágica, el eco de este día en 2017 configuró múltiples narraciones colectivas: unos lo llamaron casualidad, otros apelaron al fatal destino de una ciudad construida sobre suelo lodoso y geologías inciertas.

Para Tercerunquinto, dicho evento impulsó una exploración en torno al destino de las ciudades y sus habitantes una vez que ocurre un evento natural u otro con grandes repercusiones en la transformación del entorno. Los sismos, sabemos, no se recuerdan por sus efectos en el mundo natural si no por su capacidad de destruir las construcciones que el hombre ha edificado. Entre el cielo y la tierra, las ciudades crecen y desafían la geología que les rodea. Cuando tiembla, por escasos minutos ese espacio intermedio entre el firmamento y el suelo que llamamos urbe, se vuelve frágil y, a veces, se desmorona haciendo evidente lo efímero de la civilización humana y, por ende, de la arquitectura. A partir de una búsqueda y rescate de materiales de desecho producto de los sismos del 2017, así como de demoliciones posteriores consecuencia de este desastre y otros eventos relacionados, Rolando Flores y Gabriel Cázares establecen un catálogo de materiales residuales que sirven de origen de las piezas aquí mostradas. Del cielo que cae.

Lápida vertedero

Desde nuestra propia altura indaga en los fragmentos de ciudad que se desprenden y que a su vez tienen la capacidad de reorganizarse para generar nuevas constelaciones espaciales. Bajo esta premisa, se realiza un ejercicio de relectura del entorno construido con los materiales caídos que nos conduce a la idea de la ruina: lo que queda de algo que ha sido destruido, abandonado o arruinado. La ruina es un testimonio de algo que estuvo en pie.  Para el antropólogo Marc Augé, “Contemplar unas ruinas no es hacer un viaje en la historia, sino vivir la experiencia del tiempo, del tiempo puro”. A través de los vestigios y del recuerdo cierta nostalgia asoma, pues en virtud de un fragmento recordamos una idea de la totalidad. Tiempo, espacio y memoria gravitan en torno a los materiales que luego de ser recolectados renuevan el orden espacial.

En un primer momento, a partir de la coincidencia de los mapas celestes de los sismos ocurridos en 1985, 2017 y 2021, Flores y Cázares trazan la posición de los astros sobre un mural que incorpora técnicas de marquetería. Maderas de deshecho y diversos metales recuperados se agrupan en Efemérides como un gesto o invitación para contemplar la belleza que surge de una fecha sombría. Por su parte, en Terrazos se aglomeran pequeños restos de la destrucción sísmica para configurar un área que señala o mapea los sitios donde alguna vez hubo una construcción derribada por los sismos de 1985, 2017 o por otros motivos. Sobre estas superficies, donde el tiempo se inscribe con fragmentos, la memoria late a través de la reconfiguración del residuo. En una urbe que suele barrer con prisa el cascajo para erigir las obras que sustituyan a las caídas, los terrazos amalgaman restos (de concreto, piedra, latón y teselas de mosaico), y rememoran, señalando una ruina.

Piedra por vida / Piedra poema

El ánimo por llevar el despojo a otros niveles de significación prevalece en la serie Anagramas. En este ejercicio lúdico, las escrituras halladas en el espacio público y el intercambio de sus caracteres sirven para integrar nuevas grafías, reafirmando el poder de la reconstrucción y/o conformación a partir de lo ya existente. El anagrama ofrece una posibilidad de recombinar fragmentos -en este caso, letras- guardando similitudes con las recombinaciones materiales de otras piezas de la exposición. Así, el lenguaje se convierte en vehículo para la resignificación y la subversión del orden establecido. Los caracteres encierran por sí mismos un potencial reconfigurativo, casi material, en el que la piedra se vuelve poema. 

Si el efecto del tiempo es la acumulación de materiales sobre el universo, a momentos la naturaleza se hace presente cimbrando la tierra, borrándolo todo. De acuerdo con Andreas Huyssen, luego de un desplome, viene el escombro, y al final, la ruina, que se constituye una vez que se interpreta el lenguaje de los residuos. Siguiendo esta idea, Desde nuestra propia altura se posiciona en un tiempo incierto, en el que la nostalgia flota (nostalgia por lo que estaba en pie, por quienes ya no están, por la modernidad y sus materiales, entre otros), y apela así al inevitable ciclo de comenzar a construir lo caído, funcionando como un catálogo de gestos y ensayos, de ejercicios de memoria en tiempos de fragilidad en donde lo que prevalece es la posibilidad de recomponer el orden material tomando como punto de partida el desmantelamiento de viejas estructuras.

La muestra Desde nuestra propia altura se exhibe en la galería Proyectos Monclova hasta el 1º de marzo de 2025.
Lunes a Viernes 10:00-18:00
Sábado 11:00-16:00
Lamartine 415, Polanco, Ciudad de México. 

El cargo Desde nuestra propia altura apareció primero en Arquine.

Hay pintores que juegan con las formas, colores y líneas; que hacen figuras, que cuentan leyendas o anécdotas, que comparten historias a partir de formas, figurativas o no, o de texturas. Hay otros que trabajan las superficies y los colores, y, con simpleza, cuentan también sus historias. Digo simpleza a falta de un mejor adjetivo, porque no hay nada simple en el concepto de un Rothko. Porque no hay nada simple en el concepto del todo. Cuando el color ocupa toda la superficie de un cuadro, todo queda supeditado a la imaginación de quien observa. Esto pasaba, salvando las evidentes distancias, con Rothko y con Tàpies y con Reinhardt y con Malévich y con Soulages y hasta con Klein. Hay una especie de valentía en decidir pintar el todo usando un único color. 

Cuando yo llegué a México no conocía a Beatriz Zamora. No sabía que aquí había una mujer que pintaba. Digo “pintaba” por decirlo de alguna manera, solo negros sobre negros. Pero aquí estaba. La mujer que trabajaba con pinturas, acrílicos, tintes naturales, carburo de silicio, carbón orgánico, carbón de piedra, negro de humo, grafito, obsidiana, piedras semipreciosas y un gran etcétera de materiales de ese color que, dicen, es la ausencia de todo. Cuando llegué a México, Beatriz llevaba más de 40 años cubriendo lienzos únicamente con ese color. Hoy, con 88 años, sigue haciéndolo hasta donde le permitan las manos y los ojos y el cuerpo que ya le cuesta mover. 

Beatriz habla del negro como su eje vital. Como la belleza sublime, como el todo del universo, como lo absoluto. “Todo lo hermoso es profundamente negro, el negro es la esencia de la vida”, ha dicho alguna vez. Y es que en sus cuadros está toda su existencia y puede estar también la del que los mira. Imposibles de fotografiar con justicia, los cuadros de Beatriz hablan de lo humano, en definitiva. Si se miran con calma, con paciencia, los ojos se pierden en el lienzo intervenido que brilla, se cuartea, a ratos es gris oscuro, a ratos deviene escultura. En las piezas de Beatriz sí está reproducido el todo, la esencia misma de la vida, de la Tierra que, como ella dice, es y será siempre el principio. 

El negro encontró a Beatriz en los 70, cuando ella vivía en París. Estaba buscando algo que la sacara del desasosiego, y su búsqueda empezó justo ahí, en un banco afuera de un museo parisino. Lo que vino después, fue experimento y valentía. Zamora ha estudiado la materia y el negro como principio de todo, como explicación de lo infinito. Es más que un color en sus manos, es el medio para ilustrar su discurso, para dialogar con el mundo y con ella misma. En su proceso, los materiales son libres. Los coloca y espera a que ellos, por capricho, se sequen, expandan y acomoden. Por eso, a veces, hay líneas y agujeros, relieves y superficies que se cuartean, y a veces hay un polvillo negro que vuela en el ambiente donde se acumulan la obras. Y también hay veces en las que la atmósfera de las salas brilla con sutileza, porque hay fragmentos de negro en el aire, conviviendo con quien observa. 

Mirar las obras de Beatriz es mirar hacia adentro, mirarse uno mismo, como aquella frase del abismo que te devuelve la mirada. Con eso debería alcanzar para que estuviera en todas las enciclopedias de arte abstracto del mundo. No está, para sorpresa de nadie. Pero me emociona tantísimo tenerla cerca. Detenerme frente a sus piezas me provoca esa misma emoción y sorpresa que el Rothko gris y negro que sí está reproducido en mi enciclopedia de pintura abstracta. 

En 1978 Beatriz Zamora ganó el Premio Nacional de Arte, un galardón importantísimo en México. Sin embargo, su pieza se cayó al suelo e impactó con fuerza en los extintores, y recibió patadas por otros artistas, hombres a quienes había vencido en el certamen. Contra todo pronóstico, la pieza negra sobrevivió intacta y aún existe en la colección del Museo de Arte de Moderno de la Ciudad de México. Lejos de abandonar su romance, Beatriz abrazó el negro con más fuerza y continuó su viaje de (re)conocimiento con él. Siguió haciendo y quizás esa haya sido la mejor respuesta a lo que para muchos fue un vaticinio de un final anunciado. Beatriz permanece igual que sus negros. Lo he dicho antes. Yo no creo en vaticinios. 

Actualmente hay dos muestras de la obra de Beatriz Zamora en la Ciudad de México, una en Galería Enrique Guerrero y la segunda en el Museo de la Ciudad de México. Ambas permanecerán abiertas al público hasta marzo de 2025. 

El cargo ¿Pintar en negro es pintar? Beatriz Zamora o el hacer de un único color apareció primero en Arquine.

Su trabajo podría comprenderse a partir del desarrollo de distintas etapas en las que coincidieron tipologías y colonias. El primer periodo se conformó exclusivamente por viviendas ubicadas en la colonia Condesa y de residencias aisladas; el segundo, de edificios habitacionales de mayor tamaño en Polanco y Tecamachalco; el tercero, casi siempre en colaboración con Teodoro González de León y en ocasiones con Francisco Serrano, se caracterizó por la construcción de numerosos edificios públicos, como auditorios, salas de conciertos, instituciones y oficinas, con un estilo propio basado en el uso casi exclusivo del concreto aparente, que contribuyó a definir una nueva arquitectura institucional, y por último, una etapa en la que se desenvolvió con mayor libertad formal, en la que fue autor de algunos inmuebles de carácter cultural.

La muestra propone un recorrido por algunas de las obras que sembró en varias de las ciudades del país, abarca tres núcleos temáticos: vivienda, el espacio íntimo del arquitecto y la arquitectura de carácter monumental. Las piezas que se exhiben provienen de la colección particular de la familia, así como del Acervo de Arquitectura Mexicana de la Facultad de Arquitectura de la U.N.A.M, institución que hizo posible esta exposición.

El cargo Abraham Zabludovsky. 100 años apareció primero en Arquine.

Enmarcado, aunque no de manera directa, en el año del centenario de Zabludovsky, la muestra no sólo aprovecha el recinto, sino que también lo sitúa ante la crítica. Por ejemplo, APRDELESP, plantea una reflexión directa al ordenamiento espacial del museo que privilegia las soluciones plásticas y funcionales, mismas de donde proviene la fama de este edificio. Su pieza, Prototipo de AE-EX-01, es una banca ideada para que los vigilantes del museo puedan cargar sus teléfonos celulares, tener sus pertenecías a la mano y alcanzar con facilidad un extintor de incendios.

Como clausura para 2025, la exposición “imagina al museo como un instrumento musical a través del cual una serie de intervenciones dispares examinan las condiciones institucionales y experienciales específicas de sus espacios. La exposición se desarrolla como una secuencia cacofónica de sucesos y encuentros que reflejan el estado actual del pensamiento artístico en México.”

Esa es, precisamente, una de las características principales de la muestra: su interdisciplinariedad, que ha convocado a creadores más allá de las artes plásticas y con nombres (algunos más consagrados que otros) como Aureliano Alvarado Faesler, Ricardo Martínez, Miguel Fernández de Castro, Carolina Fusilier, Abraham González Pacheco, Noé Martínez, Alberto Rubi, Juan Sant, Andy Medina, Francesco Pedraglio, Ana Pellicer, Renata Petersen, Magdalena Petroni, Calixto Ramírez, Jaime Ruíz Martínez, Nahum B. Zenil. También hay músicas como Luisa Almaguer, Mabe Fratti, El Muertho de Tijuana, Conlon Nancarrow, TAYHANA & Dolores. O prácticas individuales y colectivas como las de Andrea Ferrero, Hooogar, APRDELESP, MEXICAN JIHAD | DEBIT | IMAABS y Radio Nopal. La muestra incluso ha dado cabida a una crítica de arte e influencer como Baby Solís (quien dirige la iniciativa de divulgación del arte Obras de Arte Comentadas).

Cabe destacar que, casi al mismo tiempo, se inauguró la exposición Tamayo: Mujeres, en la que se seleccionaron pinturas que se centran en el cuerpo femenino y la mirada particular que el artista oaxaqueño dirigió sobre este tema canónico de la pintura universal.

OTR^S MUND^S y Tamayo: Mujeres se exhiben en el Museo Tamayo desde el 28 de noviembre de 2024 y estará abierta al público hasta el 23 de febrero de 2025.

El cargo OTR^S MUND^S en el Museo Tamayo apareció primero en Arquine.

En estas cuencas se han asentado algunas de las ciudades más pobladas del país, como Guadalajara, León, Morelia, Querétaro, Toluca, Cuernavaca, Ciudad de México, Puebla, Xalapa y Veracruz, que concentran aproximadamente el 50% de la población nacional. Estos centros poblacionales con crecimiento incontrolado viven en desbalance hídrico. La desforestación, urbanización y la expansión agrícola han causado un significativo deteriorio ambiental, afectando lagos como el de Texcoco, Chalco y Xochimilco, entre muchos otros.

Los mapas que muestra esta exposición tienen una visión en la cual las ciudades viven en balance hídrico con sus cuencas. La reforestación de los bosques, el cuidado de los ríos y lagos y la delimitación de zonas urbanas, agrícolas y forestales, permitirá restaurar el ciclo del agua.

El cargo Cinturón Volcánico. Visión futura apareció primero en Arquine.

La colección Inputs surge de la investigación continua de Maurici Ginés sobre el color, la reflexión y la composición abstracta de la luz tal como la percibimos. La luz emerge de cada obra, cambiando de color según el punto de observación, estableciendo una relación conjunta entre la obra y el espectador; un tema recurrente en su trabajo. Inputs nos invita a reflexionar sobre la naturaleza efímera de la luz y su capacidad para transformar lo estático en algo vivo y mutable.

Designova, la pieza principal de esta muestra, es una estructura tridimensional en evolución que recuerda la imagen icónica de una estrella fugaz. Una instalación que refleja el poder de la luz para crear nuevas narrativas visuales. En Designova, la estructura física se disuelve a medida que la luz toma el control, generando un entorno dinámico y envolvente. A través de proyecciones que varían en intensidad y color, y de una banda sonora creada especialmente para la pieza e inspirada en el sonido de las estrellas tal como lo imagina la NASA, Maurici Ginés logra que el espacio se transforme continuamente, invitando al espectador a participar en una experiencia multisensorial donde la luz es tanto el medio como el mensaje.

El cargo Interferencias inesperadas apareció primero en Arquine.

A finales del siglo XX, la ciudad de Barcelona se convirtió en un referente urbanístico debido a la recuperación de sus espacios públicos. La ciudad se dignificó y embelleció hasta convertirse en una ciudad muy visitada y con un poderoso atractivo para la inversión. Un modelo de éxito económico y turístico que, tras el bonito escenario de fachadas y espacios públicos, escondía un grave déficit habitacional.  El aclamado “modelo Barcelona” se olvidó de atender el derecho más fundamental de la ciudad, que es el acceso a una vivienda digna. En 2015 hubo un cambio político radical, cuando Ada Colau llegó a la alcaldía y puso en el centro las políticas de la atención a la emergencia habitacional, con un plan ambicioso de múltiples estrategias. 

Esta exposición es solo una pequeña muestra de dos de estas estrategias. La Vivienda Industrializada que tiene que permitir una construcción más rápida, con mayor flexibilidad tipológica, con menor huella ambiental y con menos recursos económicos; y la Vivienda Cooperativa, que debe romper la dicotómica concepción de la vivienda como un refugio en propiedad o alquiler, para encontrar nuevas formas de cooperación y coproducción comunitaria en cesión de uso.

VIVIENDA INDUSTRIALIZADA:

CURADURÍA | Barcelona Regional, Josep Bohigas, Arquitecto / Ex Director General de Barcelona Regional (BR), Jordi Castelló, Berta Cormenzana. 

COLABORADOR CIENTÍFICO | Ignacio Patricio

VIVIENDA COOPERATIVA:

CURADURÍA | LaCol, Barcelona Regional, Josep Bohigas, Arquitecto / Ex Director General de Barcelona Regional (BR)

El cargo Vivienda industrializada + Vivienda cooperativa en Barcelona apareció primero en Arquine.

En una secuencia atemporal y no lineal, en la exposición se descubre el método de trabajo y la arquitectura del estudio EMBT y su capacidad a lo largo del tiempo para adaptarse a los diferentes contextos, lugares geográficos y a situaciones cambiantes. A través de diversos objetos e historias relacionadas con sus proyectos emblemáticos, nos adentramos en el universo de diseños y pensamientos del estudio de Tagliabue y Miralles, conformado por un colectivo de jóvenes arquitectos de todo el mundo.

Para sus fundadores, entrelazar y tejer son palabras clave, que articulan su trabajo; un tejer fundado sobre el juego imaginativo y la integración con la realidad y la historia. Tejer el conjunto preexistente y la nueva intervención arquitectónica, eje de trabajo del estudio EMBT, que surgió con la dirección conjunta de los dos creadores y su continuidad con Benedetta Tagliabue en solitario, tras el fallecimiento de Miralles en el año 2000.

La Mesa inestable, obra icónica de EMBT, acoge a los visitantes en la primera sala y los invita a sentirse en casa y conocer el espacio domestico de Enric y Benedetta en Barcelona, auténtico laboratorio de transformación que se convierte en la traza creativa, para después llevar a cabo grandes proyectos de regeneración urbana. Tejer arquitectura invita a conocer los proyectos de EMBT como una forma de entender el espacio de manera integral, que conecta personas, historias y lugares en una trama arquitectónica y contemporánea.

El cargo Tejer Arquitectura apareció primero en Arquine.

Se plantea el discurso expositivo desde tres puntos, tres entradas que definen el trabajo del estudio. Cada uno de estos tres subtemas está definido por un tipo de contenido concreto y acotado espacialmente en los espacios del museo. El primero es “espacio libre”, entendido como espacio arquitectónico como idea de espacio. De una forma abstracta, el proyecto se piensa en términos máximos: espacios generosos, eficiencia y confort. Este es el principio fundamental, base de todos los proyectos del estudio de Lacaton&Vassal.

La exposición muestra una selección de planos de proyectos realizados en diferentes escalas – viviendas unifamiliares, vivienda colectiva y edificios de uso público – poniendo en valor el espacio libre.“Habiter” se trata de una serie de diez películas de espacios habitados, filmadas en proyectos realizados, mostrando el uso, la vida y a los habitantes. Creada por la directora Karine Dana como parte de la serie titulada “construire l’échappenment” (construir el escape). La vida que ocurre en los espacios formados por el “espacio libre” y confrontados a las limitaciones del contexto existente.

Por último, “transformación”, en este caso la adaptación del “freespace” o concepto abstracto a una situación real. Se trata de analizar y respetar lo existente: nunca demoler, adaptarse, intentar no modificar, o casi. Es la aplicación del “freespace” a una situación real. Esta parte se centra en mostrar proyectos desde inicios de la práctica de Lacaton&Vassal en los que esta adaptación es evidente, algunos de ellos nunca construidos.

El cargo Espacio Libre, Transformación y “habiter” apareció primero en Arquine.

En este sentido, el desierto chihuahuense toma un papel central. En Chihuahua las temperaturas son extremas, la humedad es mínima y las lluvias muy escasas, la vegetación es austera pero resistente y la fauna es tan diversa como huidiza. La arquitectura en este contexto debe responder a necesidades de supervivencia y comodidad muy condicionadas y, a la vez, abonar a la construcción de la identidad del habitante del desierto en una sociedad globalizada.

La exposición aborda una serie de cuestionamientos a la comunidad chihuahuense sobre su entender, su imaginar y su sentir sobre la arquitectura y la vida en el desierto. En esta itinerancia en el contexto de Mextrópoli, el propósito se extiende a difundir el patrimonio arquitectónico, a destacar la importancia del desierto como ecorregión y a ser detonante para la reflexión sobre las interacciones entre la arquitectura, el entorno y la comunidad. Esta exposición permanecerá abierta al público hasta el 25 de octubre, 2024.

Selección de proyectos para MEXTRÓPOLI 2024:

TAX / ALBERTO KALACH / HOSPITAL EN PARRAL

GDU MARIO SCHJETNAN / MUSEO DE LAS CULTURAS DEL NORTE

CARLOS GONZALEZ LOBO & MARIA EUGENIA HURTADO / IGLESIA DEL PINOLE

COA ARQUITECTOS / ERMITA DE NUESTRA SEÑORA DE GUADALUPE

URBÁNIKA / GIMNASIO DE BOX RIBERAS

SIQUEIROS Y VALENZUELA / MUSEO CASA REDONDA

TOSCANA ARQUITECTOS / MUSEO DEL DESIERTO CHIHUAHUENSE

EB ARQUITECTOS / FECHAC

PRODUCTORA / CASA CHIHUAHUA VOID STUDIO / CASA ESTUDIO

LABor STUDIO / CASA C2A URBAN OPERATIONS / CASA EF

SANTOS ARQUITECTURA / CONJUNTO TALAVERA

JORGE URIAS STUDIO / VILLA SERENA

ARQNP + IMPLAN / PLAZA DE ARMAS NÓMADA STUDIO / BASKETCOLOR

BARRO VIVO et al / PARQUE METROPOLITANO PRESA EL REJÓN

TALLER DEL DESIERTO ISAD / PABELLÓN ANTELIA

Fotografía de los proyectos | Iwan Baan, Rafael Gamo, Zaick Moiz, Delfoz, Raúl Villalobos et al

El cargo Habitar el desierto. Arquitectura contemporánea en Chihuahua apareció primero en Arquine.