Nacida en 1958 en Maputo, Mozambique, creció en Sudáfrica en un momento en el que los países del continente africano comenzaban su independencia tras diversos años de colonialismo. Este hecho, aparece como eje fundamental en la propuesta artística de Ferreira, que aborda principalmente a través del papel que jugó la arquitectura como parte del proceso. Las obras de Ângela Ferreira, a medio camino entre la arquitectura y la escultura y que incorporan otros formatos como video, sonido, texto o fotografía, se configuran como dispositivos para la transmisión de una investigación sobre el lugar, su historia y sus políticas.

Mariana Barrón + Pedro Hernández: ¿Por qué te interesaste por la arquitectura a la hora de abordar tu trabajo artístico?

Ángela Ferreira: Es interesante. Cuando empecé a hacer arte estaba viviendo en Sudáfrica y estaba inclinada en pensar lo que significaba ser africana, estar rodeada de arte africano debido mi educación muy occidental, muy europea. Quería realizar mi trabajo de la forma más pertinente allí y a la vez integrarlo en un discurso global de arte contemporáneo. Escogí la arquitectura como un referente.

Los edificios son cosas increíbles porque son estéticos, sociológicos, antropológicos, políticos y tienen una cualidad increíble en la que casi todos están en función a un lugar. Representan el tiempo en el que fueron construidos, representan el panorama político y pertenecen a todos. Aquí en México debe de haber algún edificio que pertenece y representa a todos porque la gran mayoría de ustedes lo ven diario, no es algo que les es muy ajeno. Sus edificios mexicanos de cierta manera se vuelven como otro lenguaje visual. Por esta razón quise realizar trabajos conceptuales en este sentido, que esto se entendiera en un contexto Africano. Empecé a trabajar con la arquitectura como referencia. De las primeras estructuras que trabajé no eran precisamente arquitectura en un sentido convencional, eran más que nada encargos de edificios con el estado. Por ejemplo trabajé en un plan urbano donde se intentaba hacer calles, avenidas, escuelas y clínicas para las migraciones que hubo en los años 80 donde después de que la gente se asentara empezaron a crearse unas especies de favelas, asentamientos irregulares con servicios básicos. Mis primeros trabajos tienen referencia a partir de esto. Entendí que era una forma de comunicarme con la gente porque todos desde los más pobres hasta los más ricos reconocen las imágenes de estos edificios, pero el tipo de lenguaje que usaba siento que era particular con lo que estaba pasando en el medio de arte contemporáneo. Así fue como empecé a desarrollar mi práctica y arquitectura en cierto sentido es algo más allá que un edificio, así fue como empecé a ver la arquitectura. Tengo la visión de que un edificio es un evento político, me gusta leer los edificios; si es progresivo, si es fascista, etc.

MB + PH: La actual Bienal de Venecia curada por Rem Koolhas con el tema Absorbing Modernity, donde se busca de analizar la evolución de la arquitectura moderna en través de diferentes países. Por otra parte, tu trabajo aborda también la condición del colonialismo a través de esa arquitectura. ¿Podrías contar un poco como fue la evolución de ésta en los contextos como el africano?

AF: En cierta manera ese tema es de lo que más trabajo en mi proyecto artístico. El modernismo en África fue usado como un proyecto colonialista; ejercido por un sistema político muy problemático. Los gobiernos colonialistas construyeron edificios que pretendieron ser avanzados y modernos, algo que, me imagino, ustedes como mexicanos también sufrieron, pero la diferencia reside en que sus propios arquitectos los construían y no eran impuestos por otros. En el caso de África fue diferente, había un gobierno colonial decidiendo que construir en Mozambique, Senegal, etc. para civilizar a los habitantes. Estos edificios fueron usados para demostrar al mundo lo fantástico de un gobierno colonial por un lado y para demostrar a los africanos como era vivir en mejores lugares por otro.

La Modernidad, según lo pienso, fue concebida en Europa como un proyecto político para mejorar la forma de vida de la gente, para hacerla simple, clara, limpia entonces fue algo en progresivo en términos políticos. En el caso de África se convirtió en algo muy reaccionario y en muchas formas es una de las razones de los principales problemas que hace a ese continente lo que es hoy en día. No todo lo que te dice la gente que es bueno es en realidad bueno para uno. Creo que africanos como yo necesitamos sentarnos y reflexionar qué parte de este proyecto político nos hace bien. Tenemos que cuestionarnos cómo está esto funcionando en nuestras ciudades con lo que es hoy en día, no con lo que fue en tiempos del colonialismo.

No sólo es la arquitectura uno de mis intereses, sino el uso particular de la arquitectura moderna en África lo que más me interesa. También la transición del gobierno colonialista al moderno lo que resulta interesante en términos de arquitectura. Muchos edificios modernos que fueron construidos en 1955; para la independencia –que fue en 1959– llevaban 4 años de construidos y con el nuevo gobierno independiente africano se empezó a usar con otros motivos. La realidad es que el edificio no fue construido para el gobierno africano.

Todas esas historias se han vuelto simbólicas para mí y por ello es que vuelvo siempre a ellas. De una forma siempre vuelvo a ellas y tengo la esperanza de que a partir de ellas pueda entender los problemas que África tiene hoy en día. África es un desastre, un lugar con dificultades económicas, democráticas, corrupción y, como mucha gente, queremos respuestas ante esto. Por eso la arquitectura es como un texto para mí donde trato de entender esas respuestas.

Otra cosa muy interesante en la modernidad es que hay varios niveles de contradicción. Por ejemplo, en el sistema colonial portugués se construían edificios modernos extraordinarios en África y había veces que lo hacían de una forma más interesante ahí que en Portugal. Era evidente que en África podías ser más aventurado, en Portugal el gobierno era demasiado fascista para permitirles hacer cosas de esa forma.

MB + PH: Eso recuerda un poco a lo que dice un filósofo sobre lo qué es el centro y la periferia. Por ejemplo en el centro todos tienen reglas y al ir a la periferia uno es más libre porque justamente nada tiene que ver con el centro.

AF: Claro, esa libertad varias veces te permite hacer decisiones increíbles, productos, creatividad, y avances pero no deja de ser una contradicción muy extraña.

MB + PH: En algunos textos sobre tu trabajo se alude a que trabajas con “esculturas arquitectónicas”, ¿qué quiere decir este concepto?, ¿dónde acaba una cosa y empieza la otra?

AF: Algunos de mis trabajos tienen más referencia en edificios. El trabajo que presenté en esta exposición –Cape Sonnets– tiene una referencia más hacia una estructura arquitectónica sin ser un edificio. Cuando empecé a trabajar con los edificios como referencia había veces que permanecía a medio camino entre lo que es arquitectura y lo que es la escultura porque se puede leer el edificio en la escultura, pero al final siempre fue una escultura.

Maison Tropical –que parte de un edificio industrializado diseñado por Jean Prouvé para ser trasladado y montado en diversas partes de África- es un ejemplo. Cuando hice esta escultura la dividí en las piezas que iban a ser almacenadas en un contenedor y después las guardé en órdenes diferentes. La casa siempre está ahí y la arquitectura también, pero empacada. Cuando ves esta pieza se ve como un contenedor con partes de un edificio y se puede reconocer los diferentes elementos donde al final no hay edificio. Comencé a darme cuenta que las esculturas que hacia tenían algo de arquitectura. Por ello la idea de las esculturas arquitectónicas empezaron a aparecer en mi mente. También me encontré con el uso de otros medios, como fotografía, sonido o video, y entonces las esculturas se volvieron un marco arquitectónico para presentar otros materiales, como lo puedes ver en este trabajo -señala la estructura que conforma Cape Sonnets– no puedes desasociar una cosa con la otra. Siempre ando en la búsqueda de este marco arquitectónico que después se vuelve una escultura para albergar otros materiales con un significado muy fuerte.

La gente luego me comenta que mi trabajo es muy político, a lo cual yo siempre les respondo que no hay nada más que lo político. Si tomas un poeta que escribió sobre política para ser después expulsado de África y haces una escultura de ello al final es algo político. Aunque en los poemas no haya explícitamente cosas sobre política. Yo no estoy interesada en la arquitectura porque sea bella, sino que la arquitectura me interesa porque es política. En el proyecto de Maison tropical, la estructura fue hecha en Francia para ser trasladada y construida en África, donde estuvo 15 años; luego en 2002 unos galeristas  franceses decidieron venderla por mucho dinero. Eso es algo político y nos habla mucho de la relación entre Europa y África durante el colonialismo en el tiempo presente, que se vuelve en neocolonialismo. ¿¡Cómo vas y robas una casa que pusiste ahí hace 15 años y la vendes en NY por 5 millones de dólares!?

El cargo Arquitectura y colonialismo apareció primero en Arquine.

En 2005, Heidrun Holzfeind y Christoph Draeger viajaron a ciudad de México para realizar un proyecto que consistía en visitar los edificios recomendados por una guía turística de arquitectura para refotografiarlos desde el mismo ángulo y evidenciar las diferencias producidas por el paso del tiempo. Nueve años después dan a conocer este trabajo en la exhibición El teatro del mundo que se desarrolla en el Museo Tamayo.

Durante su visita a la ciudad pudimos platicar brevemente acerca de este proyecto y la relación de sus trabajos individuales y colectivos.

Mariana Barrón: ¿Cómo trabajan la relación del arte y la arquitectura como testigo de hechos sociales o desastres naturales?

Christoph Draeger: Me gustaría empezar diciendo que el trabajo de Heidrun y el mío son diferentes a lo que hacemos como colaboración. Cuando trabajamos juntos usualmente nos une la pasión por la arquitectura y sus implicaciones sociales, su relación con lo catastrófico o lo urbano dentro de lo que se puede expresar como arquitectura en el arte. Particularmente a mí me interesan los cambios abruptos, como el desastre, el caos o la decadencia. Me gusta la idea de la ruina y destrucción. En referente a nuestra obra en esta exposición, cuando tienes una guía de edificios que muestran la intención ideal del arquitecto resulta interesante salir e investigar si esos mismos edificios siguen en buenas o malas condiciones, si su uso es el mismo o si es alterado. A partir de esto uno puede encontrar implicaciones interesantes, que van más allá de mi particular interés por lo catastrófico o la destrucción.

Heidrun Holzfeind: Por otro lado, yo por muchos años he trabajo sobre arquitectura, en términos de espacio social, la relación con el usuario y pensar en arquitectura como una estructura. He hecho algunos trabajos donde retrato edificios a través de la gente que vive en ellos. Ciudad de México es un lugar importante para mí. Aquí desarrollé un proyecto sobre Ciudad Universitaria que enlazaba fotografías del campus con el movimiento estudiantil de 1968. En aquella época, fue una combinación interesante ver una nueva ciudad para nuevas personas con un movimiento social como el de 1968, que quizá no fue conocido en el resto del mundo pero que en México sigue teniendo sus repercusiones y hay una gran generación que estuvo marcada por este movimiento. También lugares como Tlatelolco son significativos debido a su importancia como sucesos históricos, donde las perspectivas de estos eventos se concentran en el espacio, el edificio o el paisaje. Por ejemplo, al hablar de Tlatelolco algunas personas de inmediato pensarán en el movimiento de 1968. Es muy interesante ir a estos espacios y hablar de nuestra lectura acerca de las fotografías o información que las guías de arquitectura no dan. Porque usualmente siempre se concentran en la importancia arquitectónica y no en la importancia social o histórica que representa algo para la ciudad o la cultura.

Arquitectura Contemporánea | Heidrun Holzfeind y Christoph Draeger

MB: Es interesante cómo esto está relacionado con la arquitectura como una forma de comunicar el estado político y social de un país siempre de manera positiva, nunca de forma negativa, por ejemplo las balas que quedaron en los departamentos de Tlatelolco son esa otra cara. Pienso que esto tiene que ver con los procesos que hacen, quiero decir, la documentación que se hace, la investigación y la relación que se tiene con el usuario o el afectado. ¿Qué me pueden decir de ello?

HH: Definitivamente usamos diferentes estrategias, mi trabajo esta basado en metodologías documentales o documentos históricos de primera instancia. En esta piezas que presentamos ahora tratamos con un proyecto más conceptual, donde lo que hacemos es ir a cada edificio que se encuentra en esta guía para tomar fotografías desde el mismo ángulo en el que fueron tomadas. La intención no era tomar fotos de manera artística, muy probablemente lo hubiéramos hecho de otra forma, sino el concepto era tomar la foto del edificio en su estado actual de aquel momento con el mismo ángulo que la guía.

CD: En este proyecto preferimos cualquier fotografía formada por una idea a una fotografía con técnicas compositivas complicadas que nos dieran una buena foto. Soy un artista conceptual convencido de que lo más importante es la idea. Por ejemplo en el proyecto de Tsunami Architecture los sobrevivientes del desastre fueron fotografiados enfrente del océano, la fuente del desastre, cosa particular porque el océano es también en donde reside su trabajo; como los pescadores, gente dedicada al turismo, etc. Por tanto no hubo una idea compositiva, más bien, una idea conceptual. En el proyecto de los edificios sabíamos que teníamos que rehacer las fotografías, pero que no debía de ser la misma fotografía bonita. Ambos sabíamos que teníamos que desarrollar una idea diferente sobre lo que era esta guía de edificios de ciudad de México.

Cuando empezamos a montar la pieza decidimos contar la lectura que obtuvimos de este proyecto. Nosotros decimos nuestra experiencia sobre los edificios y a su vez hacemos una crítica ante los mismos. La autora de la guía, Louis Noel, dice que una guía de arquitectura no puede ser crítica y fue aquí donde intentamos agregarle esa parte.

Tsunami architecture | Heidrun Holzfeind y Christoph Draeger

MB: Es importante saber que para ustedes hacer esta crítica era una acción artística. Entonces, ¿dónde sucede el arte?

HH: Podemos tomarnos la libertad artística de incluir especulaciones, diferentes puntos de vista y problemáticas sobre lo que una guía de edificios no pudo hacer, porque va dirigida para una audiencia de este tipo. Al ser extranjeros se tiene una visión diferente en comparación con gente que ha tenido durante su vida edificios de referencia. Por ejemplo algunos de los arquitectos que salen en la guía son muy reconocidos debido a la importancia en la historia de la arquitectura moderna y además de la propia historia de México con los temblores, los movimientos sociales y los programas de vivienda.

CD: También retomamos la importancia de los grandes edificios del estado. Por ejemplo nosotros no conocíamos el trabajo de Mario Pani. Fue una experiencia que nos hizo recorrer la ciudad de manera exhaustiva donde meticulosamente estuvimos en los 265 sitios que la guía señalaba, así que quizá fuimos los únicos que estuvimos en todos estos espacios. Hay que recalcar que usamos la guía editada en 1991.

HH: Otro interés que tuvimos en esta pieza fue la relación de la arquitectura con la fotografía. Porque demuestra cómo la fotografía es usada como método de representación que cuando se visita en la realidad no representa lo mismo y te da una idea muy diferente de lo que anteriormente habías visto. Pudimos notar que las fotografías fueron hechas en momentos posteriores a la terminación de construcción del edificio y eso nos da una visión más pura que cuando 20 años después de usarse es intervenido por el paisaje urbano, el tráfico, árboles crecieron que te da una experiencia muy diferente del edificio. También las cámaras usadas para realizar estas fotografías son profesionales y convierten todo en algo más dramático.

CD: A veces pasa que tras ver tanto dramatismo en las fotos y vas al lugar no encuentras esos grandes ángulos. Siempre hay una barrera entre la representación y lo representado que fue algo que tuvimos de experimentar. Con este proyecto a la vez estamos intentado hacer realidad una nueva guía de edificios que contenga nuestras opiniones acerca de lo que pudimos ver y que a pesar de ser algo conceptual pueda ser funcional.

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