Chicago Horizon Kiosk, Ultramoderne, 2015 Chicago Architecture Biennial.

CAB 5 (Chicago Architecture Biennial 5) se presentará en una constelación de lugares repartidos por toda la ciudad, desde el Centro Cultural de Chicago hasta el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte Contemporáneo, la Graham Foundation, el Centro Puertorriqueño de Artes y Cultura, el DuSable Black History Museum and Education Center, el Centro de Arquitectura de Chicago, etc.

La temática de esta edición se llama “This is a Rehearsal” (Esto es un ensayo) se centrará en el proceso y la comunidad a través de un amplio lente curatorial, reuniendo una red de actividades que investigan cómo la arquitectura forma parte del cuidado colectivo y la mejora de la vida urbana. Bajo los estatutos de Floating Museum, que incluye a Jeremiah Hulsebos-Spofford, Faheem Majeed, Andrew Schachman y avery r. young, los participantes de este año explorarán cómo los problemas medioambientales, políticos y económicos trascienden las fronteras. Con más de 100 actividades, desde instalaciones a gran escala y performances, la CAB 5 invitará a la participación y el debate público de la infraestructura, la historia y la estética.

Los integrantes de Floating Museum consideran la ciudad como un marco de ensayo, donde el campo horizontal se convierte en un palacio de convivencia para la innovación, la memoria y el cambio; “Desde este punto de vista, los individuos, las organizaciones comunitarias, las instituciones y las autoridades municipales municipales a participar en pie de igualdad, lo que abre nuevas posibilidades de colaboración entre disciplinas, geografías e historias. Nos entusiasma tener la oportunidad de pensar junto con una red ampliada de artistas, arquitectos, diseñadores, poetas, cineastas, antropólogos, historiadores, instituciones y líderes cívicos”.

Entre los artistas y arquitectos presentes en la CAB 5 se encuentran; Chris T. Cornelius, quien cuestiona la idea de proceso en una disciplina, studio:indigenous presentará un proyecto que se sitúa en el espacio entre la instalación y la construcción, incitando al espectador a reflexionar sobre el uso de la tierra indígena. Igualmente interesada en mostrar procesos para imaginar futuros mejores a través de la arquitectura, Anupama Kundoo presentará un proyecto de vivienda social en la India.

Intervenciones y performances interdisciplinares de Christine Jones, Directora Artística de Theater for One, y el estudio de diseño neoyorquino LOT-EK, colaborarán con la Fundación de Poesía. Por su parte, Ruth De Jong explorará la función cinematográfica de la arquitectura como un personaje propio a través de una instalación basada en su escenografía para la película NOPE, escrita y dirigida por Jordan Peele.

Otros participantes ampliarán proyectos locales que ya están en marcha; Erika Allen, agricultora urbana y artista del cambio social Urban Growers Collective, se asociará con el estudio de diseño The Living para construir un edificio de residencias semipermanente en el sur de Chicago. CAB 5 hará hincapié en la multidisciplinariedad e invitará tanto a las comunidades locales como al público mundial a forjar conexiones inesperadas. Entre los proyectos latinoamericanos seleccionados desde se encuentran; Leticia Pardo de México, Gamaliel Rodriguez de Puerto Rico y SKETCH de Panamá.

CAB 5 Permanecerá abierta hasta el 2 de enero de 2024.

El cargo La 5ta. edición de la Bienal de Chicago y sus participantes apareció primero en Arquine.

Fotografías: Arturo Arrieta y Enrique Aguilar

LAS POSIBILIDADES DE NUEVOS MATERIALES CON EL HUEVO COMO MATERIA PRIMA

Un tercio de la producción de los alimentos destinados al consumo humano se pierde o desperdicia en todo el mundo; lo que equivale aproximadamente 1,300 millones de toneladas al año. Se estima que el 17% del total de alimentos disponibles para los consumidores en 2019, terminaron en los basureros de hogares y otros servicios alimentarios. Esto según una nueva investigación de la ONU realizada como parte de los esfuerzos mundiales para reducir el desperdicio alimenticio a la mitad para 2030. El peso equivale aproximadamente a 23 millones de camiones de 40 toneladas completamente cargados, suficiente para dar siete vueltas a la Tierra (1).

México es un país con hambre que desperdicia toneladas de comida. El total del desperdicio en México, un país con 53.4 millones de personas en pobreza, alcanza las 20.4 millones de toneladas anuales. (El 37.98 por ciento de lo que se produce en el país) (2). También México, es considerado el principal consumidor de huevos frescos a nivel mundial; el consumo per cápita es 28.0 Kg por año, considerado el cuarto mayor productor de huevo a nivel mundial. Y es responsable de 1/27 huevos producidos en el mundo (Sader).

Tendemos a pensar en la cerámica como una industria respetuosa con el medio ambiente y un pasatiempo querido para muchos de nosotros. Pero, ¿es real esta afirmación? Robert Harrison en su libro Sustainable Ceramics menciona (3):

La cerámica con todas sus necesidades de fabricación, materiales, cocción, combustibles y espacio de trabajo ciertamente no es un entorno limpio/verde.

Las emisiones de gases, la gestión de residuos, el transporte y el consumo de energía son solo algunas de las características que hacen de este proceso uno que puede impactar negativamente en nuestro medio ambiente.

The Egghell Project / Un proyecto de huevo es un proyecto de investigación de Manufactura, que busca aprovechar y transformar nuestros residuos para convertirlos en un material edificable. Y así abrir una nueva posibilidad de crear nuestro modo de vida de forma responsable con el medio ambiente. En este proyecto creamos una biocerámica a partir de cáscara de huevo y la combinamos con agregados sustentables, dando como resultado una nueva materialidad que busca reducir el desperdicio de alimentos y generar nuevas oportunidades.

Egghell: nuevas posibilidades para espacios arquitectónicos

Decidimos reevaluar las potencialidades de la cerámica, manteniendo la conexión entre la materialidad y la naturaleza, amplio acceso a materias primas, libertad geométrica y resistencia. Pero reduciendo algunos de los rasgos dañinos mediante el uso de un producto de desecho liviano de origen local que se encuentra en gran medida: el huevo; junto con bioaglutinantes que permiten que la mezcla se solidifique sin necesidad de cocción.

Nuestro proceso se basa en la impresión 3D con un brazo robótico KUKA KR-150, un extrusor y un proceso de fabricación aditiva, que nos permite dar forma a nuestros bloques con diferentes geometrías para proyectarlos en distintas aplicaciones arquitectónicas. También permite el uso eficiente del material (menos desperdicio), libertad geométrica, precisión y repetibilidad, proyectándose en diferentes aplicaciones arquitectónicas.

En esta investigación hemos realizado dos aplicaciones: Un muro (Eggshell Bricks, presentado en la colección de INÉDITO por Design Week México 2022). Hecho de un total de 105 bloques diferentes que se van ensamblando con base a su geometría; y una columna (Eggshell Column, presentado en la colección de DISEÑO EMERGENTE por ZONA MACO 2023). Está hecho de 26 piezas que se abrazan y van creando estabilidad a través de su forma.

Cada ladrillo está hecho de forma 100% sustentable y circular ya que la materia prima se obtuvo a través de la recolección y donación de los desperdicios de más de dos meses de producción del varios restaurantes de la Ciudad de México como Rosetta, Rosetta Panadería, LARDO y Rancho Rio Blanco.

Los alcances de la biocerámica

Desde la perspectiva cultural, este proyecto enmarca un nuevo material que no existe en el mercado actual, lo que genera un valor agregado como material de construcción, ya que no se puede encontrar ni producir de otra forma. La tecnología nos permite la innovación de los mercados actuales en materia de construcción, que eso económicamente y culturalmente tiene un peso muy grande en la sociedad porque nos abre nuevas posibilidades de construcción y materialidad en nuestra hábitat, generando un sistema circular desde donde se obtiene hasta su uso, al darle una nueva vida a nuestros residuos.

Este proyecto se logró gracias al diseño computacional y las oportunidades de la fabricación digital, la tecnología y la innovación de materiales para transformar nuestros desechos. Es entonces que se cuestiona nuestro método de fabricación creando ciclos de vida circulares. Se generaron nuevas fuentes de empleo desde el reciclado e higienizas, hasta su fabricación con impresión 3D robótica y su colocación en sitio. Es por ello que se tuvo que buscar nuevo talento para producir este material y producto en serie. Por ello se abrieron nuevas oportunidades en la construcción de futuros espacios arquitectónicos.

CRÉDITOS:

INVESTIGACIÓN DEL MATERIAL: Montserrat Ayala

DISEÑADORA INVITADA: Maria Pia Assaf

COLABORADORES: Santiago Rangel, Aleida Rahel Merkel y Natalia Juan

DONACIONES DE MATERIAL: Rosetta Panaderia, Restaurant Rosetta, Rancho Rio Blanco, LARDO y BOU

REFERENCIAS:

1. Food and Agriculture Organization of the United Nations, 2019
2. ¿Sabes Cuántas toneladas de Comida Tira México a la basura? El Universal. (2018, January 2). Retrieved February 13, 2023, from https://www.eluniversal.com.mx/nacion/sociedad/mexico-desperdicia-20-millones-de-toneladas-de-comida
3. Harrison, R. (2013). Sustainable ceramics: A practical approach. Bloomsbury.
4. . Home | Food and Agriculture Organization of the United Nations. (n.d.). Retrieved February 13, 2023, from https://www.fao.org/3/i2697s/i2697s.pdf

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En su “Manifiesto ciborg”, la bióloga Donna Haraway planteaba que la manera de aproximarse al territorio que habitamos debía ser mediante una mirada que desmontara las certezas científicas, ya que el punto de vista humano es la única manera de entender lo que nos rodea, lo que trae como consecuencia que sólo miremos nuestro entorno para poder someterlo y explotarlo. Décadas más tarde, cuando es más que necesario repensar nuestra relación con el territorio, Brigitte Baptiste, igualmente bióloga, afirma que la lectura del territorio tiene que ser diversa y multiescalar, ya que los humanos cohabitamos con lo vivo y lo no-vivo, con un ecosistema del que sólo representamos una mínima parte. En esta conversación, la rectora de la Universidad EAN da algunas claves sobre su pensamiento respecto al territorio, las consecuencias de la arquitectura y las posibilidades que tiene el diseño ante un mundo cada vez más convulso. 

Christian Mendoza: Las maneras de entender el territorio son diversas y amplias. Disciplinas como la arquitectura y el urbanismo, tal vez hayan tenido una visión reductiva o limitada del territorio. Desde tu práctica científica, ¿cómo entiendes el territorio?

Brigitte Baptiste: Hace muchos años, yo inicié mi carrera como estudiante de arquitectura. Fui pasando del proceso creativo del hábitat humano hacia una construcción que fuera sensible al sitio. Hay muchas escuelas que hablan de eso. Sobre todo, recuerdo a Kevin Lynch, quien influyó mucho en lo que hice después: convertirme en bióloga y en ecóloga del paisaje. Con esto, cambia un poco la lente con que uno mira lo que llamamos “territorio”. Fundamentalmente, creo que el descubrimiento que hice fue que el territorio es un poco más complejo de lo que siempre creemos y requiere un análisis que lea simultáneamente varias escalas, que es a veces lo que la arquitectura no logra, sobre todo cuando no se conecta bien con el urbanismo y con procesos que se dan cuando se agregan otros fenómenos que rebasan a la arquitectura misma. La lectura que yo hoy hago del territorio está muy basada en la ecología del paisaje, la cual a su vez reposa en la complejidad física de procesos biológicos, así como en procesos culturales que no pueden controlarse y que, de hecho, son a menudo espontáneos. Si uno interfiere, se arriesga a muchas sorpresas.

CM: Has dicho que “nada es más queer que la naturaleza. ¿Cómo puede ayudar la teoría queer a entender un territorio cada vez más convulso y en disputa?

BB: La imagen que tengo es que los componentes del territorio los hemos tratado de definir demasiado. Hemos tratado de exprimir la cualidad ontológica de las cosas con las que nos encontramos para poder operar sobre ellas. Eso ha generado una ruptura. Diría yo que incluso un congelamiento de la realidad. Entre más tratas de definir los objetos como objetos puros, pierdes la noción de los efectos que tiene la conectividad y las relaciones que se pueden establecer a partir de la funcionalidad. La ecología queer intenta mirar a los objetos de soslayo. Si no tratas de iluminarlos de frente, probablemente se verán un poco más difusos y, por ende, más dispuestos a formar parte de una red de sentido de un ecosistema que ya está en movimiento. Este método puede ser muy pertinente porque reconoce que no hay nada puro, que no hay nada que cumpla las expectativas al cien por ciento. Es muy bueno ese gesto irónico que tenemos que hacer para acomodarnos a la realidad. Es una mirada torcida que, obviamente, tiene que ver con el deseo y con el temor a lo desconocido, pero también con la búsqueda de experimentar cosas raras. Eso es muy inspirador para mí. 

CM: Has hablado sobre cómo la ciencia moderna ha vuelto al territorio mero objeto de estudio. ¿Cómo se puede superar esa visión y entender, de otras maneras, la relación entre el territorio, los cuerpos que lo ocupan o los sujetos políticos que buscan controlarlo o gestionarlo?

BB: Hay que ablandar nuestra posición. Debemos confiar menos en las taxonomías, en el ordenamiento basado en la estructura. Hay que preferir una mirada relacional entre los sujetos que forman parte de un sistema. Hay que buscar pensar siempre más en sinergias que se establecen constituyendo niveles superiores de estabilidad o de funcionalidad. Sobre todo, se debe reconocer la complejidad de que el territorio es inabarcable e inagotable, además de que es perjudicial la pretensión de agotar al mundo con el conocimiento. Pareciera que siempre estamos a un paso de controlarlo completamente y esa aspiración simplemente es destructiva, porque deja en claro que no queremos formar parte de un sistema capaz de evolucionar y desplegarse a lo largo del tiempo para poder disfrutar lo que significa la vida. En este sentido, por eso creo que es tan importante la visión artística en la ciencia, la cual debe tener la capacidad de innovación y de interpretación libre de la realidad que esté lejos, por ejemplo, de la mera mímesis. Debe crearse un espacio que busque crear puentes entre las ideas de la funcionalidad territorial, la sostenibilidad y el futuro de lo humano. Definitivamente, se necesita una visión artística capaz de interpretar nuestra posición en él. 

CM: ¿Crees que la arquitectura y el urbanismo también tengan que ablandar sus posiciones?

BB: Por supuesto. En retrospectiva, mi experiencia en la arquitectura me reafirmó esa idea de una arquitectura más emparentada con el arte que una arquitectura cercana con la ingeniería. Estoy segura de que han sido los últimos años en los que la arquitectura ha tenido que resolver problemas prácticos muy urgentes, como la vivienda popular, la vivienda para millones de personas desplazadas. Eventualmente he tenido que hacer ciertas concesiones y ciertos sacrificios, pero esto también tiene que ver con la formación de los arquitectos y el poder del mercado sobre la arquitectura, ya que se da prevalencia al costo-efectividad y no necesariamente a las soluciones creativas, a las alternativas que pueden establecerse en todos los campos de la acción humana, entre un pensamiento creativo y un pensamiento eficiente.

CM: El diseño puede jugar un rol muy importante ante la crisis que ya llegó. ¿Cómo entiendes, desde tu propio trabajo, al diseño y de qué manera piensas que puede incidir positivamente para atender tal crisis?

BB: El diseño nos va a permitir crear nuevos mundos siempre y cuando se permita la libertad en la experimentación. El diseño tiene que ser experimentado, correr riesgos que tuerzan su sentido. Tiene que reorganizar los sistemas de relaciones que están presentes partiendo de una intervención que se hace bien con un objeto, bien con una institución, bien bajo la idea de que uno puede diseñar políticas o, incluso, diseñar planetas. Lo importante es el efecto disruptivo del diseño y los principios que guían su actividad. Es muy importante la premisa de que hay que sanar el planeta, de que hay que sanar las relaciones entre los seres humanos, reconstituir la viabilidad de la forma del habitar. Siendo más estrictos, hay que reconstituir el hábitat: nosotros tenemos la responsabilidad de compartir esto con otros seres vivos. El diseño tiene una potencia gigantesca en la medida en que, guiado por principios éticos y políticos, puede proponernos esas nuevas alternativas a partir de nuestra experiencia histórica, por lo que el diseño obviamente puede ser retro, puede ser lateral, puede ser queer, puede ser muchas cosas. Lo importante es que exista la voluntad del diseño.

CM: Por otro lado, cierta concepción del diseño, desde objetos hasta ciudades, ha tenido una cara hoy ya no tan oculta: colonial, extractivista, excluyente en muchos casos. ¿Cómo podemos pensar otras ideas de diseño? ¿Y cómo lograr que esos diseños atiendan a los lugares donde surjan y entiendan las historias que les dan origen, más allá de la hegemonía del diseño “moderno” posterior a la revolución industrial?

BB. Lo primero que debemos hacer es rescatar el papel de la complejidad y la relación de esa complejidad con la diversidad. Igualmente, debemos reconocer la diversidad como un producto de la historia larga. La diversidad que se consolida a lo largo de los siglos y de los milenios tiene un componente biológico, geológico, climático y, por supuesto, un componente de relacionamiento. Esta capacidad de volver a historizar  al territorio con otros ojos es muy importante. Por ejemplo, el sur estaba abocado a recuperar esa visión de sí mismo ante otras múltiples visiones, ante el multiverso. Todas esas lecturas que resultan invisibilizadas o exterminadas por el colonialismo tienen que resurgir en la medida que los discursos externos puedan ayudar a descubrir ciertas cosas o a innovar. Se deben crear perspectivas híbridas. Por supuesto que se puede evolucionar mediante las evidencias, pero eso puede llevar a que se implante un esquema completamente violento que destruye o desaparece a la diversidad. Ese proceso causa mucho daño. Todos los días trato de que las personas sean más sensibles al contexto en el cual están habitando y entiendan o construyan una interpretación propia, afectiva e interesada consigo mismas, y no una extractivista, temporal o efímera. Concluyo con eso porque estamos trabajando en una zona de deforestación en la Amazonia. Ahí decían que la gente es la que tumba la selva, buscando asentarse y hacer una vida. Pero, al momento siguiente, dicen que ese habitar es temporal y que quieren volver a la civilización. No tenemos ni siquiera un proyecto colonizador con aspiraciones de permanencia en donde hasta podamos ver una semilla de futuro, pero no por eso deja de ser un proyecto colonizador expropiador. Necesitamos hacer muchos experimentos con base en conocimientos que provengan de muchos frentes diferentes porque, de no ser así, el experimento lo único que va a hacer es tener un efecto recalcitrante sobre la línea de pensamiento que busca rediseñar el mundo. Una escuela de pensamiento unívoco sólo profundiza los problemas y no entrega un conjunto de soluciones posibles. Los experimentos debemos hacerlos hibridando puntos de vista.

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Bozeman se ha convertido en una comunidad muy buscada para vivir durante la diáspora de la pandemia. Con la llegada de las tecnologías de comunicación digital (Zoom, etc.), ciudades atractivas como Bozeman se han vuelto más viables como lugar para vivir y trabajar.

Esta casa con patio es  extrovertida, ya que aprovecha las hermosas vistas a las montañas del norte y al arroyo. Igualmente, es introvertida al orientarse hacia un jardín de roca en el atrio central plantado con álamos temblones locales sobre grava y roca de río. En un sitio de cinco acres en forma de L, la casa ofrece vistas y privacidad en caso de que el vecindario se vuelva más denso. La casa con patio, una tipología inusual para Montana pero típica para el suroeste, es una buena respuesta para crear privacidad mientras permite amplias vistas y orientaciones.

La casa está situada sobre una losa de concreto de planta cuadrada sobre una pendiente que desciende y sube gradualmente la inclinación del sitio en forma diagonal. El garaje es el punto más alto y el dormitorio principal está en el más bajo. Un muro de contención de tierra de concreto continuo con una chimenea exterior define el borde al sur de la casa y protege a un vecino cercano. El techo plano construido con madera laminada se organiza como un molinete en planta con vigas paralelas a los bordes del techo. Esto significa que las habitaciones crecen en altura y progresivamente hacia el punto más bajo (dormitorio principal).

Dos alas cerradas separadas de la casa en planta se oponen entre sí. El más grande contiene el garaje para 2 autos, el vestíbulo de entrada, los dormitorios de invitados, la cocina, las salas de estar y el dormitorio principal, mientras que el más pequeño contiene un estudio de diseño y un baño/sauna, orientado hacia el arroyo. El techo unifica las dos áreas del programa cerrado, y el jardín del atrio central proporciona un espacio común para toda la casa. El techo continuo cubre dos terrazas al aire libre, una frente al arroyo y la otra enmarcada por el muro de contención y la chimenea al aire libre.

La casa está construida con madera: la construcción ha aumentado su relevancia para nuestra práctica como uno de los medios más sostenibles para proyectos de poca altura y gran altura en el planeta. La estructura de globos de madera  y las vigas del techo, además del revestimiento de madera contrachapada y el revestimiento de cedro (interior y exterior) determinan los elementos de construcción principales. Cuando está bien aislado y combinado con ventanas y puertas de madera personalizadas con vidrio aislante 3x, éste es un sistema de construcción viable, robusto, rápido y económico, además de tratarse de un material con cero emisiones de CO2. También es un medio de construcción que es fácilmente comprensible y edificable por una mano de obra local. Como complemento de la construcción central, se encuentran los gabinetes de carpintería de madera personalizados y los complementos empotrados. La losa de cimentación y piso es un concreto pulido que también es la fuente de calor para el edificio.

La casa puede “cerrar” las áreas calentadas seleccionadas en invierno para ahorrar energía según sea necesario y de manera simple. Además, las terrazas cubiertas al aire libre se pueden encerrar como espacios con calefacción en el futuro, si así se desea.

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En el centro del edificio hay un atrio acristalado que une visualmente los diferentes espacios, actuando como un patio compartido con el objetivo de conectar a todos los empleados bajo un mismo techo. Realizar actividades en espacios de trabajo compartidos abiertos permite el diálogo y el intercambio de conocimientos y experiencias entre departamentos. La intención de una mayor colaboración se enfatiza aún más con un jardín delantero común, creando espacios al aire libre compartidos, calidades de luz natural y vistas para todos.

El diseño se basa en un esquema de interacción que reúne a los investigadores, productores y diseñadores en un solo lugar para reunir a trabajadores, administración, liderazgo, clientes, clientes y visitantes para crear un sentimiento de apertura e inclusión. Estar tan cerca unos de otros estimula la interacción y la colaboración entre disciplinas. Esta nueva sede tiene como objetivo permitir nuevas formas de alinear los procesos con los requisitos técnicos de producción, y el diseño establece un nuevo estándar para las instalaciones de fabricación.

El edificio se caracteriza por una forma curva. La curva como elemento actúa como un gesto estructurante, creando asociaciones con el movimiento y la dinámica de la industria del automóvil y las carreras de automóviles, uniendo el paisaje y el edificio. El edificio tiene una protuberancia fuera del volumen principal de la fábrica para crear áreas para oficinas, comedores y un centro de visitantes. Verticalmente, la fachada se eleva para acentuar las entradas del edificio.

Una característica distintiva de la fábrica es el centro de visitantes. Al ingresar a las instalaciones, los invitados pueden experimentar el “circuito de visitantes” de Polestar, caminando por el entresuelo donde se obtiene una vista de toda la fábrica, así como de los diferentes departamentos y las exposiciones en curso. El circuito de visitantes está destinado a cualquier cosa, desde clientes potenciales, empresas y estudiantes que estén intrigados por aprender más sobre Polestar.

Los espacios interiores están dominados por una paleta de colores claros y limpios que se asemejan a un laboratorio de fabricación de automóviles que se centra en la tecnología y la producción. Una carcasa exterior de acero negro contrasta con los luminosos interiores, dando al edificio un carácter distintivo en el paisaje circundante.

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El objetivo del proyecto no era construir un hotel en sí, sino crear un lugar para vivir, un hábitat para recibir a las personas y llevarlas a un viaje sensorial donde experimentaran un nuevo universo en un entorno natural. Un lugar donde los huéspedes vienen a conocer gente y tener un momento, ya sea para compartir una comida, un fin de semana de descanso o para caminar por las colinas y valles de los Vosgos El diseño limpio del proyecto evocan inevitablemente al paisaje de los países nórdicos. Sin embargo, la visión es también difundir un arte de vivir en armonía igualmente con el paisaje. A pesar de su sencillez, el Hotel 48 ° Nord no pasa desapercibido, aunque esté rodeado de naturaleza.

En medio de árboles, setos naturales y pastos silvestres, 14 cabañas, herederas del hytte noruego, salpican la ladera como rocas en una pendiente, equilibrando la privacidad y la perspectiva. Pequeñas, ligeras, discretas, simplemente se colocan en la ladera. Construidas sobre pilotes, incluso son extraíbles, por lo que el paisaje se mantiene preservado y natural, intacto. El castaño sin tratar y de origen local (cortado en la colina frente al hotel) reviste todos los volúmenes, combinado sólo con grandes aberturas de vidrio. Cuatro tipologías distintas componen una familia de formas con diversas cualidades. Los hytte Grass, en un nivel universalmente accesibles, se agrupan cerca del edificio principal. El  tipo Árbol y Hiedra, delgados y esbeltos, combinan verticalidad y vistas panorámicas. Por último, el Fjell, en la cima de la colina, recibe a las familias con espacios protegidos al aire libre. Los interiores son mínimos y rústicos, calificados por la madera clara, los cómodos muebles empotrados, las vistas enmarcadas y los contrastes espaciales que encarnan perfectamente el concepto nórdico de hygge.

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El edificio original data de principios del siglo XX. Bajo los techos de los pasillos laterales, se han agregado 12 pabellones de madera para dar cabida al nuevo programa. Estos pabellones crean una nueva estructura de bulevares y calles, parques y plazas que sigue de forma natural el contexto urbano y la estructura del edificio. El espacio central en el corazón del edificio se ha mantenido abierto para eventos públicos.

Los nuevos pabellones se han construido en Cross Laminated Timber (CLT), con una enorme reducción en la cantidad de cemento como resultado. La elección de la madera también tuvo un efecto favorable en el proceso de construcción: gracias a la prefabricación y al método de construcción en seco, el tiempo de construcción fue considerablemente más corto.

Gare Maritime es totalmente neutral desde el punto de vista energético y libre de fósiles. Las fachadas de vidrio de Picardstreet están provistas de células solares y se han instalado 17,000 m2 de paneles solares en los techos. A todos los niveles se han implementado medidas de sostenibilidad de gran alcance, como la energía geotérmica y la reutilización del agua de lluvia.

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El diseño exterior de la casa flotante es el resultado de un estudio extensional del espacio dentro del interior y viceversa. Todas las áreas están en conexión abierta con el atrio, el cual consta de tres pisos. El diseño se amplía con una conexión de dos niveles a una terraza con logia justo por encima del nivel del agua. El interior y la fachada juegan con las vistas del exterior. Las vistas aparecen y desaparecen conforme uno se mueve por la casa. El sótano ofrece vistas directas al nivel del agua, mientras que la sala de estar sólo ofrece una vista de los alrededores cuando se sienta en el salón. La cocina en el piso superior tiene vistas directas hacia el lado sur y norte del canal. En el último piso, un corte en el techo permite  una terraza abierta con vista hacia el puerto en el oeste.

Con intervenciones simples pero inteligentes, este proyecto se realizó con un presupuesto ajustado, pero con una arquitectura y un diseño de interiores unificados que dejan una fuerte impresión. Al mismo tiempo, la casa flotante es extremadamente eficiente desde el punto de vista energético, ecológico y ocupa un espacio reducido.

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El edificio se encuentra en un tramo del muelle portuario propiedad de la municipalidad, un sitio con potencial para la estrategia climática de la ciudad. The Braunstein Taphouse está diseñada para el desmontaje: para hacer que el reciclaje de los componentes del edificio sea una opción realista, si es que el proyecto no pueda permanecer, dejando como opción que sea pueda completar todo el proyecto en una ubicación diferente o que los materiales se utilicen en otros proyectos.

The Braunstein Taphouse se encuentra en el punto de transición entre la ciudad y el puerto, actuando como una puerta de entrada que subraya la conexión entre el agua y la ciudad. La planta baja del edificio alberga una cafetería en un extremo y un restaurante en el otro, mientras que los espacios de arriba se utilizan para actividades de la comunidad local y eventos privados.

Taphouse se compone de un número reducido de materiales, todos sostenibles. Esto ha reducido considerablemente el volumen de residuos de la construcción, a diferencia de otras obras similares. El edificio se basa en principios tectónicos simples y se completa únicamente con articulaciones mecánicas.

Todas las superficies de las paredes primarias no tienen pintura ni lechareda. Los suelos de madera se colocan con productos de desecho, provenientes de Junckers, fabricante de suelos local. Asimismo, Taphouse tiene una autosuficiencia energética parcial generada por un sistema de electricidad de paneles solares, mientras que la ventilación natural reduce la necesidad de ventilación mecánica.

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Dentro del marco de la décima edición de Design Week México se presenta la novena edición de Design House, ejercicio creativo en el que participan más de 20 despachos de arquitectura y diseño que busca mostrar las propuestas que marcarán las tendencias de diseño de interiores en México. Este año destaca la presencia de propuestas interesadas en la generación de espacios sustentables que respondan a las necesidades ecológicas de la ciudad. Durante la apertura, tuvimos la oportunidad de hablar con los arquitectos y diseñadores que están detrás de los espacios verdes de la casa.

Fernanda Rionda, fundadora y directora de Jardín Sustentable y responsable de la intervención del jardín principal de la casa, nos habló de la importancia de fomentar la biodiversidad en el diseño de paisaje.

Natalia Contreras: La casa de este año para Design House es muy distinta a la de años anteriores. En esta ocasión hay un jardín principal muy amplio que permite otro tipo de intervención. ¿Cuál fue tu proceso y cómo lo vinculaste a tu vocero?

Fernanda Rionda: Es uno de los jardines más grandes que hemos hecho para Design House, a mí me tocó un vocero que se dedica a la conservación de la biodiversidad en los mares de México, se llama Octavio Aburto, quien además de ser un gran fotógrafo es un gran biólogo marino. Me inspiré en su trabajo por el rescate de la biodiversidad en México y lo interpreté en un medio terrestre, haciendo plantaciones silvestres como praderas que parecieran un mar de plantas, esto lo hice enfocándome en plantas nativas de México como la dalia, diferentes tipos de salvia, la trompetilla, entre otras, con la idea de retomar este discurso de incorporar plantas de México en el diseño de paisaje contemporáneo.

NC: ¿Cuál es la importancia como diseñadora de integrar espacios verdes al interiorismo más allá del atractivo visual?

FR: No se trata nada más de una moda o una estética particular, aunque me gusta mucho lo estético, tiene mucho más de fondo ya que un jardín biodiverso es un jardín sustentable, entre más biodiversidad haya en un espacio mucho más duradero será, ya que si tú introduces especies de diferentes familias puedes hacer muchas cosas como evitar plagas y crear pequeños ecosistemas dentro de la ciudad.

NC: ¿Cómo crees que este tipo de eventos vinculan al público con la importancia de integrar de manera sustentable la naturaleza a sus espacios cotidianos?

FR: Design House me parece una oportunidad increíble porque no estamos trabajando para un cliente real sino que es más un jardín de autor en el que podemos mostrar propuestas realmente diferentes, fuera de lo tradicional y de lo que siempre piden los clientes. Para mí Jardín Sustentable realmente se dedica a hacer praderas biodiversas, ya lo hemos incorporado a diversos proyectos y me parece que es el mejor ejemplo para poder crear escuela con futuros diseñadores y clientes.

El despacho de arquitectura y paisajismo Vertebral en colaboración con la galería ÑÚ propuso el espacio Terraza Verde que es la terraza que conecta con la habitación principal de la casa. El proyecto busca generar una sinergia entre arte, arquitectura y vegetación. En conversación con Teddy Nanes y Elías Kalach (Vertebral) comentaron lo siguiente del proyecto.

Natalia Contreras: Estamos en una casa que tiene muchas terrazas, a ustedes les tocó una que también funciona como espacio de tránsito. ¿Cuál es la propuesta de diseño para este espacio?

Vertebral: Este espacio es una colaboración entre Vertebral, que es el taller de arquitectura, y ÑÚ que es una agencia de arte. La idea es hacer sinergia entre el espacio construido, el espacio vegetal y el arte. Algo que podría diferenciarnos un poco del resto de los despachos participantes en Design House es que nosotros, más que pretender hacer un espacio sumamente llamativo, procuramos hacer un espacio que se integre a la casa y que parezca que siempre ha estado aquí, una arquitectura un poco más contextual en donde los materiales son sobrios y envejecen dignamente, mientras que integramos la vegetación a la arquitectura. Para nosotros los proyectos de paisaje no son algo aparte de la arquitectura, si no que la arquitectura trabaja para el entorno y el entorno trabaja para la arquitectura.

NC: ¿Cuál fue la guía para la selección de la vegetación?

V: Siempre buscamos especies que funcionen de manera correcta en los espacios donde estamos trabajando. Normalmente trabajamos en la Ciudad de México, entonces ya conocemos la paleta vegetal de especies que se dan bien con un mantenimiento moderado. Por el lado de la arquitectura, uno toma decisiones de materiales y de formas a partir de ciertos lineamientos. Aquí uno de los lineamientos principales era mitigar la vista de los vecinos por lo que usamos mucho bambú plumoso, a partir de esa primera decisión fuimos derivando las siguientes decisiones, tratando de buscar vegetación que fuera responsiva a este tipo de bambú, todo lo que se hace tiene que guiarse a partir de estas reglas que se establecen al principio.

NC: En esta terraza el arte tiene una presencia protagónica. ¿Cómo se hizo la selección de obra?

V: Eso se hizo con la galería de arte itinerante ÑÚ. Decidimos traer a dos escultores mexicanos, Ricardo Regazzoni y a Jorge Yázpik, porque nos gusta la manera en que sus piezas dialogan. Por un lado, Yázpik con sus piezas monumentales y pesadas con mucha contundencia y, por otro, Regazzoni con piezas mucho más sutiles y verticales. Entonces hacemos este juego de contrastes entre el peso y la ligereza. También hay que tomar en cuenta que por un lado Jorge Yázpik usa, al igual que Vertebral, materiales muy honestos en su estado natural y aunque Ricardo no use ese tipo de materiales sí busca ser parte del entorno usando materiales que reflejen la vegetación.

NC: Al no tener vocero tuvieron total libertad creativa, ¿cómo afectó esto su propuesta final?

V: Al tener total libertad, la intención fue tener un espacio que hablara de nosotros como taller de arquitectura y como galería de arte itinerante, entonces generamos un espacio para nosotros y lo que nos gustaría tener, pero también es un espacio para todos. Creemos que las azoteas son un espacio subutilizado, es un espacio que se tiene que ocupar a través de vegetación porque además de aumentar la biodiversidad aumenta la plusvalía del inmueble. Por otro lado creemos que es un espacio que responde a sí mismo ya que, con vocero o sin él, nosotros tomamos en cuenta las necesidades y posibilidades que da el espacio.

NC: Pensando que la tendencia de crecimiento urbano es hacia lo vertical, surge la necesidad de buscar todas las posibilidades para la generación de espacios verdes que funcionen como pulmones urbanos. ¿Cuál creen que es el papel de las terrazas en este esquema de crecimiento?

V: La idea es que sean espacios vegetales que se gestionen por la gente misma, así como la gente cuida su salud yendo al gimnasio debería cuidar su salud teniendo un jardín. Es un tema en el que yo creo que hace falta mucha conciencia. Hace poco tuvimos la oportunidad de estar en un edificio muy alto y ahí pudimos ver la ciudad de arriba hacia abajo y notamos que se ve roja porque solamente hay impermeabilizante. Hace falta aprovechar esa quinta fachada y usarlo como una gran oportunidad. Me imagino una ciudad en la que tomes una foto desde arriba y veas verde y creo que no es mucho pedir. Si reemplazas un terreno natural por un edificio puedes volverlo a insertar en el último nivel del edificio.

Finalmente, tuvimos oportunidad de conversar con Verónica González, de VGZ Arquitectura y Diseño, y Pedro Sánchez, quienes trabajaron en conjunto para la creación del espacio Mini vivienda sustentable que se encuentra en la parte superior de la casa:

Natalia Contreras: Comencemos por el nombre, ¿por qué es sustentable?

Verónica González: Esta fue una oportunidad para trabajar con Pedro Sánchez, que es quien lleva la parte de paisajismo y para platicar sobre todo lo que hacemos en nuestra arquitectura y no se ve. Por todo lo que no se ve me refiero a cómo aprovechamos los recursos. Tenemos una torre de agua, donde colectamos agua de lluvia, la purificamos y la potabilizamos, también tenemos paneles fotovoltaicos para generar energía y toda la energía que estamos utilizando aquí viene del sol. Por otro lado, para nosotros es muy importante la reinterpretación del lujo, ya que a veces tenemos esta idea, sobre todo en las ciudades, de que el lujo es tener más y para nosotros el lujo es tener acceso a estos espacios en los que estás rodeado de verde, tener un espacio compacto con todas tus necesidades en el que no te tienes que mover y poder romper la frontera entre el adentro y afuera.

NC: ¿En qué consiste la propuesta para el interior?

VG: Para el espacio interior diseñamos un muro que tiene una cama o sillón que es básicamente un espacio para dormir y relajarse, hay una cocineta con una mesa abatible que puedes sacar cuando lo necesites y un baño con una regadera que está básicamente en el jardín, esto con la idea de borrar aún más la distancia entre exterior e interior. Nuestras puertas abarcan todos los muros cortos entonces cuando se abren una trae el respaldo para proteger la vista de las azoteas de los vecinos y la otra es abatible y forma una pérgola para poder sentarte a la sombra.

NC: ¿Cuál fue el proceso de selección de materiales? ¿Sigue la línea sustentable que proponen?

PS: Todo lo que ocupamos para los jardines son maderas recicladas, la madera que se usaba para las vías del tren y que ya están sustituyendo por concreto nosotros la aprovechamos y la reciclamos para hacer la terraza y llenarla de vegetación.

VG: También estamos usando pino tratado que es la madera más sustentable porque viene de granjas de madera, por lo que no estás acabando con las selvas, además es un pino que no tiene aceites que contaminan, lo que además genera un envejecimiento del material más natural. También tenemos unas piezas de Helvex para el muro verde que tienen una tecnología que convierte el CO2 en oxígeno. Según nos explicaban, 100 m2 de este material equivale a una hectárea de árboles en términos de generación de oxígeno. También hay que tomar en cuenta que tenemos 50 m2 de superficie para captar agua y si llueve fuerte en 5 minutos llenamos 600 litros de agua que se potabiliza automáticamente. En este sentido otra cosa que hicimos para optimizar el aprovechamiento del agua fue que todas las demasías se van directo a las jardineras. Entonces no estamos tirando ni una gota de agua al drenaje, cosa que en la Ciudad de México estamos obligados a hacer. Así, aunque este es el Design House y es un ejercicio de interiorismo, nosotros quisimos integrar lo que realmente nos apasiona de nuestro trabajo.

NC: Este ejercicio es interesante porque le da la oportunidad a la gente de ver lo que se puede hacer en sus propios espacios y retomar ideas que encuentren aquí.

VG: Justo el jueves vamos a tener un video explicando todo el proceso del agua y del uso de los paneles fotovoltaicos. Usamos un dron para que se entienda cómo funciona el espacio cómo se conecta el adentro con el afuera. Lo que quisimos hacer en el interior es que las dos vistas sean los cuadros y, en términos de decoración, con estas varas ondulantes que hizo Pedro realmente no necesitas más. Sobre la selección cromática, aprovechamos la oportunidad de hacer algo divertido ya que normalmente usamos maderas naturales y colores más neutros entonces como esto es algo efímero quisimos algo con más impacto. El baño, el cual hicimos en colaboración con Kohler, tiene la misma lógica, el lavamanos tiene un diseño inspirado en la naturaleza y pusimos una regadera que se integra visualmente al exterior.

NC: Vemos que este año en Design House hay varias propuestas que se involucran de una u otra forma a temas de sustentabilidad. Con la crisis ambiental que se avecina, ¿cómo responde el diseño a estas necesidades?

VG: Ya no hay opción, diseñar de manera sustentable es lo que tenemos que hacer. Como arquitectos y diseñadores tenemos la obligación moral de hacerlo y ya no hay excusa. Yo lo llevo haciendo muchos años y al principio los clientes eran más renuentes, pero cada vez más clientes están viendo que funciona. Yo tengo la necesidad de compartir esto porque la gente cree que es caro, que es difícil y que no se puede, pero se puede hacer y muy bien.

Design House se encuentra en Monte Líbano 930, Lomas de Chapultepec V Secc., Ciudad de México y podrá ser visitada hasta el 28 de octubre de 2018 en un horario de 10:00 a 19:00 hrs.

El cargo Espacios verdes. Diseño sustentable en Design House 2018 apareció primero en Arquine.