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Conversación con el arquitecto franco-portugués Didier Faustino cuyo trabajo explora la estrecha relación que existe entre el cuerpo y el espacio, abogando por proyectos multidisciplinares que interpelan a los sentidos y que apuestan por un arte experimental y subversivo.

Mariana Barrón: ¿Qué es Sabotaje?

Didier Faustino: Sabotaje es un proyecto para Parque Galería comprometido con el arte como implicación social. Durante la gestión del encargo me encontraba trabajando temas de migración, fronteras y movimientos sociales; propuse trabajar en torno a los conceptos de democracia y de protesta porque estaba muy interesado en cómo el espacio público y la protesta ciudadana se relacionan hoy en día.

MB: Usas la arquitectura para generar resistencia, ya sea entre formas de pensamiento o con el cuerpo. ¿Cómo relacionas esto con lo que denominas evento arquitectónico? ¿A que te refieres cuando sucede este tipo de “evento”?

DF: La arquitectura es, para mí, la forma la que se organizan los cuerpos y los flujos. Siempre hay una forma de controlar lo que sucede. Mi interés, en este caso, es producir herramientas para que flujos se auto-organicen. Es un trabajo en constante proceso.

MB: ¿Y cómo abordas estas obras que tienen connotaciones sobre el espacio público en el espacio cerrado de una galería?

DF: La ocupación del espacio público se desvanece cada día. Por eso, al trabajar en una galería, tenía que identificar los diversos espacios donde la obra debía posicionarse. La galería se vuelve el pretexto o la posibilidad de expresión. La gente me pregunta a veces la diferencia entre arte y arquitectura, la verdad es que no me interesa hablar sobre ello, lo que importa es la forma en que uno aborda las situaciones. Me interesa hacer preguntas sobre la sociedad y la política.

MB: ¿Qué podremos ver en la muestra?

DF: Algunas de las piezas de la muestra están hechas para esta exposición pero otras vienen de trabajos pasados. Por ejemplo, Future will be a Remake es una obra que realicé en Portugal y que habla del tiempo, de cómo las generaciones tienen un tiempo y un espacio cíclicos. Otro proyecto que ya había realizado es Built the Fight —realizado en la Bienal de Chicago— que son unas barricadas para protestar. Esta pieza es una posibilidad para la construcción de una barrera: una protección, un caparazón para defender a la gente de la fuerza policiaca.

MB: Expones un proyecto llamado Democracia Portátil, una instalación arquitectónica que se puede utilizar como ágora pero, al mismo tiempo, tiene una función de recubrimiento y defensa.

DF: En esta obra encontramos dos nociones, la fragilidad de hablar en comunidad, de algo que se tiene que proteger y, al mismo tiempo, la pregunta sobre cómo construir espacios cuando no existen posibilidades. Si uno habla de espacio público, parece que se está convirtiendo en algo normal no poder ocuparlo. Por ello siempre estamos atentos a su ocupación. Es la única forma de ejercer resistencia. Para mí esta característica es propia de las grandes ciudades, pero ¿qué sucede en otras partes, en el campo o en poblaciones más pequeñas donde la acción de expresarse es más peligrosa?

MB: Recientemente se ha presentado tu proyecto para Alumnos47. ¿Cómo fue el acercamiento al programa arquitectónico?

DF: Las preguntas principales eran: ¿el programa como un taller?, ¿podemos producir un edificio que esté siempre en proceso?, ¿podemos re-escribir siempre el programa?, ¿es una librería o una sala de juntas?, ¿cómo podemos producir un espacio donde lo inesperado puede suceder? La idea era hacer un espacio lleno de flujos, donde no hay entrada ni salida, donde la entrada puede ser la salida y viceversa. De cierta forma, es lo contrario a la arquitectura, ya que la arquitectura habla de control y organización. Nuestra discusión partía de la intención de producir cuevas sin control. El proyecto en sí mismo es un prototipo, un programa vacío hecho para ser ocupado. ¿Podemos producir arquitectura para ser ocupada más que para ser simplemente usada?

MB: El proyecto es una cueva, una estructura lista para ser ocupada, una especie de plataforma.

DF: Es un edificio como estructura. Estaba interesado en el concepto de filtración, cómo el sistema organiza la fragilidad o el movimiento transformándolo. ¿Cómo podemos producir movimiento a través de la fragilidad? La forma en sí misma es algo que habla sobre territorio, su geometría y sus lados diagonales son un tributo al arquitecto Claude Parent —fallecido recientemente—. Él conocía el proyecto y con él discutí sobre la generación de la inestabilidad y del peligro que el usuario pudiera sentir al adaptarse. Concuerdo con sus ideas y me parecen inspiradoras. Me gusta pensar en el espacio como una extensión. El edificio de A47 es un espacio que geométricamente tiene la posibilidad de extenderse, donde los límites no están cortados.

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El cargo Ocupar contra usar. Conversación con Didier Faustino apareció primero en Arquine.

El pasado jueves 7 de abril se presentó, de forma pública y por primera vez, el proyecto arquitectónico de Fundación Alumnos47, diseñado por el arquitecto francés Didier Faustino y cuya construcción inicia este mismo mes; se trata de un espacio multifuncional que albergará las distintas actividades que se desarrollan en la fundación: talleres, pláticas, espacios de lecturas, performances, exhibiciones, biblioteca y residencias. Moisés Cosio, presidente de Fundación Alumnos47, asegura que “desde el inicio se pensó a la fundación como un todo integral donde la arquitectura responde a la programación y viceversa. Tomamos la práctica de arquitectura como una herramienta más de reflexión socio-cultural.”

Por su parte, su autor, asegura que “el proyecto busca colocar a las personas en el centro de la arquitectura. De un espacio programado, cerrado, se pasa a un espacio poroso, permeable e intersticial. Todas las actividades funcionales y racionales como la administración, almacenamiento, restauración, etc; estarán distribuidas en los extremos del edificio mientras que todas las actividades “irracionales” como reuniones, lecturas, exploraciones y descubrimientos, se desarrollan libremente en los espacios múltiples, no afectados, versátiles. El reto es generar territorios de lecturas ofreciendo espacios abiertos con zonas íntimas para generar un terreno informal, una plataforma de intercambios y encuentros entre los individuos.”

El cargo Cerrado y poroso. Nuevo edificio de la Fundación Alumnos47 apareció primero en Arquine.

Mariana Barrón: Tu trabajo siempre se está moviendo entre las disciplinas de la arquitectura y del arte. ¿Sueles identificarte con alguno de ellos en particular o prefieres moverte entre ambos y permanecer en un estado ambiguo o incierto?

Didier Faustino: Me gusta lo incierto. Pienso que es un estado muy normal, nuestro mundo en sí es algo incierto. ¿Porque mi trabajo debería de definirse? Siempre he encontrado más interesante cruzar los límites de las cosas. Por ello, en términos de identidad puedo decir que soy un arquitecto que tiene la libertad de explorar desde los bordes, los límites y desde aquella zona intermedia entre la arquitectura y las demás cosas. Eso es más interesante que la definición pura de la arquitectura. A veces mi trabajo se ha vuelto demasiado ambiguo para muchas personas porque piensan que soy un artista debido a que trabajo con galerías, exhibo en museos y en ese tipo de lugares, pero lo que no saben es que la mayor parte del tiempo lo hago porque simplemente dispongo de diversas posibilidades de expresión que me permiten mostrar las problemáticas que me interesan. Para mí, esta es la definición de la práctica contemporánea de la arquitectura. Con ello me refiero a que los límites de la arquitectura definida como algo que empieza desde lo clásico o académico y que han pasado a ser obsoletos. Hoy en día todo es más complejo, ya no se trata solo de practicar arquitectura construyendo edificios. La arquitectura es un compromiso que tiene que ver con un punto de vista político.

MB: ¿Cuándo empezaste a pensar la práctica de la arquitectura de una manera diferente?

DF: Creo que empecé en la escuela, con las personas que fueron mis maestros, la gente que venía de los años 70, comunistas, socialistas, gente luchando y cambiando el trabajo en arquitectura. Extrañamente, mis profesores eran personas que combatían contra la Academia y en contra de las Bellas Artes. En ese momento –sobre el 68– la arquitectura se enseña en las escuelas de Bellas Artes, era arte, y estas personas lucharon contra esto; dijeron: la arquitectura no es un obra de arte, es una cosa práctica, se trata de la participación en la sociedad, con la policía, con la ciudad, y curiosamente, aprendí de ellos para moverme sobre de las fronteras. La paradoja es que probablemente después de eso, 20 o 30 años después, cuando comencé mi práctica, empecé a aplicar aquello que había aprendido, lo que estaba observando de ellos, de diferentes maneras. Puede que hiciera ese sistema aún más grande para mí con un pensamiento estético donde una producción de instalaciones es parte de la práctica.

MB: Quisiera hablar más en la forma en como aplicas soluciones en su trabajo. Nunca se aplican de la manera más obvia, no encuentras el recurso más directo sino que siempre intentas cuestionar los límites de tu diseño y producir algún tipo de riesgo que quiere provocar una respuesta por parte del espectador. ¿Podrías desarrollarnos más sobre estas soluciones y la metodología de trabajo que sigues?

DF: Mi método de trabajo trata de no responder a una pregunta. De hecho, digamos, que el papel del arquitecto la mayor parte del tiempo es el de responder preguntas a los problemas y encontrar y proponer soluciones. Lo que trato de hacer, por supuesto, es responder tratando de encontrar soluciones o formas de resolver la cuestión, pero sin eludir que siempre hay nuevas preguntas que llegan. No sé si se trata de un método o de una conducta en términos de mi práctica, pero lo que yo creo es que no puedo simplemente responder, tengo que pedir siempre una nueva pregunta. Lo que me interesa es dar a conocer lo que no vemos. No tengo éxito todo el tiempo, por supuesto, pero es un experimento, una especie de laboratorio, donde puedes tener éxito o fallar. Eso es lo que me gusta, esta idea de la debilidad de la práctica, que es algo así como que a veces puede fallar en hacer las cosas. En mi trabajo siempre trato de incluir esta parte de debilidad como algo aceptable en la propuesta.

MB: ¿Podrías hablarnos cómo trabajas en tus proyectos sobre los límites y el cuerpo?

DF: El tema de los límites, que es un poco lo que voy a mostrar esta noche –en LIGA interludio 15– es realmente interesante. El mes pasado me di cuenta de una cosa, después de 15 años con dos, tres y cuatro nombres para nuestro estudio, llamado Laboratory for Architecture Performance and Sabotage. Antes que ese, tenía un nombre estúpido pero que me gustaba: Green Armchair, simplemente porque teníamos un sillón verde en la oficina. Nunca reflexioné sobre eso y aún así, sé que nuestro trabajo es siempre sobre el cuerpo, el cuerpo no sólo como una entidad física, sino más complejo social y políticamente, por lo que es el tema principal de la obra, pero, hasta ahora, nunca me llamó la atención tratar de hacer publicidad. Las cosas llegaron y comenzaron a tener nuevas implicaciones, el performance se convirtió en parte de la escena.

Soy una persona curiosa, así que siempre estoy haciendo cosas, y la línea está empezando a ser un poco más clara. Una de las cosas que probablemente trabajamos es la idea de tratar de organizar –que es una palabra que no me gusta– trayectorias. Para mí, empecé sobre el cuerpo porque era el más fácil para hablar y trabajar con la arquitectura. Centrarse sólo en el cuerpo. Trabajamos en todo el cuerpo –el cuerpo individual, el cuerpo colectivo, el cuerpo íntimo– trabajamos en torno a esta idea. Todos los arquitectos hacemos, trabajamos alrededor de esto. Mi punto ahora, mirando hacia atrás y tratndor de explicar las cosas con claridad, es que lo que me interesa en un momento dado es cuestionar si estamos afectando, controlando, descontrolando o si estamos organizando trayectorias, trayectorias en la arquitectura.

MB: Es una cosa compleja, ya que, cuando se habla de cuerpos, cada cuerpo tiene una temporalidad diferente, un contexto social e histórico diferente y que también evoluciona con el tiempo por lo que para los arquitectos, quizá, a veces es problemático hacer frente a un cuerpo. En la escuela aprendemos acerca de las proporciones y los cuerpos normalizados por lo que, en términos de cuestionarlos, es algo bueno que ver con la arquitectura que se desarrolla ahora. En ese sentido es interesante también en su trabajo sobre la ciudad o el espacio público. ¿Cómo se puede expresar ese tipo de límite y ambigüedad en él?

DF: En realidad, me gusta explorar el límite entre estos dos conceptos: lo público y lo privado. Es interesante porque mencionas ciudades y es muy diferente la cultura sobre las sociales. El límite entre estas dos situaciones hoy en día es realmente borroso y no significa lo mismo que aquí en México o incluso aquí en este barrio. Lo que es aceptable para unos es no lo es para otra persona. Para mí es el material.

Sobre el espacio público y las intervenciones, para ser honesto, no sé si soy una buena persona para hablar de eso, porque todos mis propuestas sobre el espacio público fueron experimentos, y alguno fracasó totalmente, otros son muy exitoso. Tal vez el proyecto más conocido que hice fue Stairway to Heaven, y es un fracaso porque la ciudad cerró la propuesta antes de que fuera curada. Nunca fue utilizado como un espacio público. Mi protesta fue la introducción de momentos de celebración del individuo en la forma colectiva, en el territorio público, y cada vez que trato de hacer eso, no tienen éxito.

MB: Por último, no sé si te gustaría hablar acerca de su trabajo en México y lo que estás haciendo aquí…

DF: No puedo hablar de eso (risas). Bueno, te puedo decir esto: es un proyecto que hemos estado trabajando durante dos años con Alumnos47, es un proyecto evolutivo, una especie de experimento sobre la arquitectura, con una gran cantidad de conceptos en torno a él, yo diría que se trata de trayectorias.

No se puede mostrar el proyecto porque está en proceso. Tal vez la arquitectura está demasiado obsesionada con su propia promoción y su propia publicidad. Realmente creo que la arquitectura es un proceso largo, es un proceso de tiempo, algo que cambia. Empezamos la primera reunión con la gente que quería hacer un edificio con un espacio para nuevas situaciones, con el pretexto, al principio, de que era una biblioteca, y este concepto ha cambiado, hoy en día es más bien una construcción de la cultura, yo diría que de activismo, para compartir, mezclar ideas, así que es algo más grande en términos que sólo una biblioteca, por el momento es algo que me gusta, algo incierto, en curso.

No terminé mi punto de vista acerca de la arquitectura hoy y la forma en que publicamos la arquitectura y estamos rodeados de imágenes. Para mí, esta situación aquí en México es una situación inesperada porque estamos tratando de desarrollar un proyecto en el que no estamos bajo presión, es algo en obras, así que eso es maravilloso. Me siento muy cómodo y a veces hasta me siento que estoy flotando, porque tengo la sensación de que estamos haciendo algo con el tiempo. Hoy en día, hay una sensación de que hacer arquitectura es hacer algo contra el tiempo, una carrera contra el tiempo, publicar imágenes, mostrando, mostrando, mostrando. En este caso, es todo lo contrario, es muy singular. No sé si tiene que ver con que sea México, pero esto es magia. Hay algo un poco místico en ello.

El cargo Explorar los límites apareció primero en Arquine.

Como acrónimo de Mies, refiriendo su propia arquitectura y enfatizando una postura equívoca, Misarchitecture: an unexpected and usually undesirable event representa los puntos de fuga del arquitecto franco-portugués. Con 10 años de práctica profesional, Fiuza crea esculturas habitables, arquitecturas oblicuas, instalaciones experimentales, casas en banda continua o como máquinas integradoras, espacios públicos para integrar tejidos sociales, rompecabezas urbanos, edificios metafóricos y arquitecturas para generar diversas nociones del espacio.

Sus proyectos –explicados en una conferencia organizada en la Casa Barragán por la Fundación ALUMNOS47, Domus y la Universidad Iberoamericana– redefinen la arquitectura tomando el performance para descubrir nuevas formas de apropiación y legibilidad del espacio público.

Item Value_One Life (Body in Transit), One Square Meter House, Sky is the Limit y Double Happiness, son piezas urbanas que buscan catalizar proyectos urbanos más integrales. Su línea conceptual, similar en cuanto a intervención con las recetas urbanas de Santiago Cirugeda, pretende focalizar un sitio atemporal que denota fragilidad; un in between space referido por el mismo Fiuza al presentar muros abatibles que integran áreas exteriores con interiores, superficies alabeadas para transgredir fronteras y crear envolventes, objetos situados entre espacios fronterizos e intersecciones entre lo individual y lo colectivo.

Así, la arquitectura se percibe como el único arte que moldea el entorno humano, no como una imposición formal o política, sino como una actitud ética sobre las condiciones constructivas de un lugar para reformular el tejido socio-cultural de la ciudad. Algunas propuestas son meramente lúdicas o abstracciones formales sin sentido, a pesar de esto, se puede leer un lenguaje con distintas piezas de un rompecabezas en permanente construcción.

Don’t Trust Architects es una muestra que reúne cinco instalaciones de Didier Fiuza, actualmente exhibida en la Calouste Gulbekian Foundation de Lisboa.

El cargo Misarchitecture de Didier Fiuza apareció primero en Arquine.