Esta escuela en New Haven, Connecticut, combina la agricultura urbana y la práctica de manejo sostenible de la tierra en un plan de estudios innovador que sirve a los adolescentes del área durante el día y a los niños más pequeños y adultos a través de amplios programas después de la escuela en las tardes y noches.

El programa del proyecto implicó un desafío para los arquitectos: tejer el nuevo edificio y sus espacios exteriores con los edificios de la granja, los campos agrícolas, los bosques de tierras altas y el hábitat de humedales que se encuentran en el límite de la ciudad y que sirven como el paisaje de trabajo de la escuela y el aula al aire libre.

Un objetivo primordial era pedagógico: que el edificio fuera un ejemplo ambiental que integrara nuevos conceptos ecológicos y tecnologías de construcción de una manera claramente legible y potencialmente instructiva. Además de su producción de energía en el lugar y el tratamiento de aguas pluviales, iluminación natural y ventilación pasiva, el nuevo edificio en Common Ground explota las capacidades estructurales y los beneficios ecológicos de la fibra de madera. Es uno de los primeros edificios en los Estados Unidos en utilizar madera laminada cruzada como su estructura primaria.

Los paneles verticales de CLT forman paredes de cojinetes y cizallas en todo el edificio, mientras que vigas laminadas con pegamento y armazones de madera pesada abarcan su gran espacio multiusos en la planta baja. Una cubierta de puente laminada tratada con pegamento en los pilares de madera laminada proporciona acceso desde el campus superior. Los densos bloques de celulosa super-aislan su caja hermética. Un beneficio notable de esta agregación de biomasa de construcción es que el carbono secuestrado en el sistema estructural del edificio compensa las emisiones anuales de 107 automóviles, lo que hace que el edificio sea neutro en carbono en su primera década de operación.

Este uso integrado de material renovable y técnica de construcción de bajo impacto mejora la función ecológica y de salud del sitio inmediato. También protege paisajes productivos más distantes, optimizando sus procesos biológicos e hidrológicos para que puedan continuar brindando servicios ambientales valiosos como aire limpio y agua (y un suministro constante de material de construcción renovable) a nuestras ciudades y, más específicamente, a importantes áreas emergentes como la preparatoria Common Ground y sus estudiantes, maestros y administradores con visión de futuro.

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por Juan José Kochen | @kochenjj

La percepción del lugar en el espacio depende de manera directa de la cultura. La cultura arquitectónica plantea directrices, sin ser conjeturas, en la formación de identidades, configuración de grupos y creación de ambientes en un mismo territorio. Esto a partir de la percepción y sensación de los espacios  por medio de una experiencia cultural determinada por la arquitectura y su contexto.

La cultura de la bienal, muchas veces ajena por la distancia y la saturación de (re)presentaciones es abrumadora. Para David Chipperfiled, la tarea principal del Common Ground veneciano sería “fortalecer nuestro entendimiento de la cultura arquitectónica y enfatizar la teoría y práctica que la define”. Empero, la discusión –más allá de la generalidad del discurso– planteó un redebate sobre el quehacer del arquitecto y lo común del gremio, no de la arquitectura como transdisciplina en búsqueda de una colectividad social.

© Volker Simon

Esta es la edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia en la que México ha tenido mayor presencia, en distintos frentes, para distintos medios y con distintos mensajes. Por primera vez –y con la premura de la gestión entre México y el Comune de Venecia– se logró una sede ‘fija’ en Venecia, que a su vez funcionará para las bienales de arte, teatro, danza, música y cine. El pabellón de México curado por Miquel Adrià presentó 13 obras y proyectos –algunos en proceso, muchos por adjudicación directa y la mayoría en edificios preexistentes– en busca de una Cultura en construcción –tal vez incipiente, maquillada o politizada–.

Se trata de una aproximación coyuntural de la arquitectura cultural en México, que por lo menos despierta, a 60 años de grandes proyectos como Ciudad Universitaria y a casi 20 del Centro Nacional de las Artes, ambos en distinto tiempo, escala y sentido colectivo. Más allá de la selección, el pabellón se planteó como una vitrina como un marco visual y cromático para la antigua Iglesia de San Lorenzo, su historia y su relación de construcción-restauración al interior.

Siguiendo con la ruta mexicana, la Ruta del Peregrino (Tatiana Bilbao, Derek Dellekamp, Rozana Montiel y Luis Aldrete + Ai Wei Wei | Fake, Christ&Gantenbein, ELEMENTAL, Godoylab, HHF, Omar Orlaineta y TOA) se exhibió en el Arsenale, donde se concentró la mayor cantidad de muestras y exposiciones de la bienal. En una de las primeras crujías se dispuso la mesa del peregrinaje cuyo telón de fondo proyectó un documental sobre los peregrinos en la sierra jalisciense. La invitación a presentar el proyecto colectivo en la bienal ya es encomiable, empero, lo último que se podía descubrir era que se trataba de una ruta o un proyecto escultórico con distintas intervenciones en el paisaje.

Metros más adelante Zaha Hadid Architects presentó una instalación de modelos y volumetrías renderizadas con base en la obra de Félix Candela, Frei Otto, Heinz Isler y Philippe Block; una interesante selección de arquitectos y proyectos afines a la visión de Zaha Hadid. La sección dedicada a Félix Candela fue realizada con el apoyo de la Coordinación de Investigación en Arquitectura, Urbanismo y Paisaje de la UNAM y Juan Ignacio del Cueto Ruiz-Funes con el diseño de láminas, planos, modelos y animaciones de dos capillas relevantes en su obra: San Vicente de Paul y San Antonio de las Huertas.

Como evento colateral, muy cerca de Rialto, se organizó una muestra colectiva –que requería una cuota de inscripción para participar– en el Palazzo Bembo. Traces of Centuries & Future Steps reunió a 57 arquitectos de 26 países. La muestra organizada por Global Art Affairs Foundation se desplegó en los 32 salones del palacio e incluyó la participación de cinco despachos mexicanos: casaPública (Patricio Guerrero + Pamela Moreno), Di Vece Arquitectos (Adrián Guerrero), LEAP | Laboratorio de Arte Progresiva (Raúl Juárez + Heriberto Hernández + David Bercovici) + MTQ, Elías Rizo y SPRB (Laura Sánchez + Carlos Rodríguez) + ARS˚ (Alejandro Guerrero + Andrea Soto), los últimos cuatro con sede en Guadalajara. Aunque muchos cayeron en el ‘lugar común’ del catálogo-palmarés del despacho, algunas piezas más escultóricas y secuencias audiovisuales creativas sentaron una postura entre el mar de arquitecturas emergentes, aunque ninguna que sobresaliera por encima de las demás.

Por último y luego de haber sido invitado a la serie Learning from… del CCA con Housing Settlements of Xalostoc, Arturo Ortiz presentó un modelo de vivienda popular desarrollado para habitantes de zonas marginales en Chimalhuacán. Una radiografía sobre la vivienda en México, en donde prevalece la producción de créditos más que de viviendas, y mucho menos entornos colectivos de habitabilidad.

En conjunto, el abanico arquitectónico refirió fuertes connotaciones y confrontaciones. Con un sentido ambivalente en su etimología, esta cultura arquitectónica puesta en Venecia es una concentración de muchas gestiones y propuestas que dilatan y alabean la diversa complejidad de nuestra arquitectura actual. ¿Qué se debe mostrar en una bienal? Si fuera examinada bajo las preocupaciones teóricas actuales, algunas asociaciones de formas abandonadas anteriormente, serían acopladas para generar arquitectura multidisciplinar, híbrida y colectiva que trascienda el quehacer del arquitecto hacia otros terrenos con la finalidad de orientar y situar en el espacio, permanecer en el tiempo y significar en la memoria.

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por Juan José Kochen | @kochenjj

Tres años después de haber completado la Tienda Olivetti, en la Plaza San Marco de Venecia, el arquitecto veneciano Carlo Scarpa (1906-1978) comenzó el rediseño de la planta baja y el patio de la Fundación Querini Stampalia. Los años sesenta y setenta son la culminación y consolidación de la vasta obra de Scarpa en Italia hasta su muerte en 1978. Ubicado en el Campo Santa Maria Formosa y frente a un pequeño canal , este edificio del siglo 16, intervenido por Scarpa entre 1961 y 1963, se devela luego de cruzar un puente –con un sistema de control del nivel de agua– hacia el acceso principal donde se abre un gran patio central. Scarpa construyó el puente, vestíbulo y patio trasero, que incorpora sutiles presencias de agua en fuentes y espejos de agua. Las intersecciones geométricas y modulares en puertas, bastidores y muros –al cambiar de material– generan una tectónica que se vuelve un objeto armable por sí mismo. Los detalles están en estas intersecciones. Los paneles de yeso, pisos y muros de mármol, piedra de Istria y el estuco rojo del techo componen una misma arquitectura con rasgos orientales, visible en celosías, puertas y la parsimonia del jardín.

Este es el edificio que alberga la exposición de dibujos del arquitecto portugués Álvaro Siza (1933) – ganador del Premio Pritzker en 1992 y recientemente galardonado con el León de Oro en la Exposición Internacional de Arquitectura de Venecia–. Álvaro Siza. Viagem sem programma (Viaja sin programa)–inaugurada el 29 de agosto y hasta el 11 de noviembre como parte de los eventos colaterales de la bienal–  presenta los impulsos a mano alzada de Siza y relata esta inquietud de dibujar todo desde los caballos que plasmaba en papel con su padre. La muestra se desarrolla en el segundo piso del edificio y explica los inicios de Siza, en un principio interesado por la escultura, más que por la arquitectura. La mayoría de los dibujos son de personas, como un estudios antropométricos, de familiares, así como autorretratos y un par de dibujos de Eduardo Souto de Moura.

Para Scarpa, ”el valor de una obra es su expresión, cuando algo está bien expresado, su valor se vuelve muy alto. Para Siza, “el dibujo es un ritual de libertad de expresión, recolección, comunicación, búsqueda y descubrimiento, inclinación y creación. Un sutil gesto que produce sueños utópicos que se convierten en formas de realidad”. Entre ambos, el dibujo de una obra –construida o dibujada– radica en cada uno de los detalles, planos de intersección y viajes sin programa.

Carlo Scarpa

Álvaro Siza

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El pabellón ganador a la mejor participación nacional fue otorgado a Japón como parte de una colaboración entre arquitectos jóvenes, comunidades locales y procesos creativos imaginativos para diseñada una nueva región tras un desastre natural. Toyo Ito, curador del pabellón, sintetiza el sentido de la propuesta como una crítica a la arquitectura de autor, cuestiona quiénes son los arquitectos que están construyendo actualmente y propone Home-for-All para regresar la memoria colectiva a los ciudadanos, una propuesta que trasciende la relación profesional-amateur y constructor-residente. Es una invitación para (re) pensar qué es la arquitectura.

León de Oro | Mejor Participación Nacional

Pabellón de Japón | Architecture possible here? Home-for-All | Toyo Ito, Atsuko Sato, Tae Mori + Naoya Hatakeyama, Kumiko Inui, Sou Fujimoto y Akihisa Hirata

León de Oro | Mejor proyecto Common Ground (Arsenale)

Torre David Gran Horizonte | Urban-Think Tank (Alfredo Brillembourg, Hubert Klumpner) y Justin McGuirk (Venezuela + Gran Bretaña)

León de Plata | Mejor proyecto del Pabellón Central (Giardini)

Architecture as New Geography | Grafton Architects (Yvonne Farrell y Shelley McNamara) + Paulo Mendes da Rocha

Menciones honoríficas

Pabellón de Polonia | Making the walls quake as if they were dilating with the secret knowledge of great powers | Katarzyna Krakowiak + Hanna Wróblewska y Michal Libera.

Pabellón de Rusia | i-city | rigory Revzin, Sergei Tchoban + Sergey Kuznetsov, Valeria Kashirina.

Pabellón de Estados Unidos | Spontaneous Interventions: Design Actions for the Common Good 596 Acres | Cathy Lang Ho,  Ned Cramer, David van der Leer + Paola Antonelli, Anne Guiney, Zoe Ryan, Michael Sorkin.

 Copycat. Empatia e invidia come generatori di forma (Arsenale) | Cino Zucchi

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Esta iglesia comenzó a erigirse en el siglo 9. Textos de arquitectura histórica (Venetia, critta nobilissima et songolare ) escritos por Sansovino documentan que la iglesia fue construida en el año 809 y en el año 841 se fundó el monasterio con notable influencia de Palladio. Desde entonces tuvo varias intervenciones. La iglesia pasó de tres naves con un ábside rectangular al centro a sólo dos naves con un coro cerrado para funciones litúrgicas, tras la reconstrucción del siglo 12 al 15 como una iglesia gótica. En 1920 el recinto fue desconsagrado y la mayoría de sus piezas con valor histórico fueron llevadas al Museo Correr en los años cuarenta. Como en muchos lugares de Venecia, se presume que en esta iglesia yacen los restos de Marco Polo.

El 15 de septiembre de 1984 fue la última vez que San Lorenzo fue abierta con el concierto-performance final de Luigi Nono con la propuesta arquitectónica, acústica y escenográfica de Renzo Piano. Tras 28 años de permanecer cerrada, la antigua iglesia reabre el 27 de agosto con la inauguración del Pabellón de México para la Exposición internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia y que estará exhibiéndose hasta el 25 de noviembre. México llegó a un acuerdo por nueve años con el Comune de Venecia con el fin de restaurar el sitio patrimonial y utilizarlo como sede mexicana en las bienales de arte, arquitectura, cine, danza, música y teatro durante los próximos nueve años.

© Fundazione Renzo Piano

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Una de las futuras propuestas del Arsenal es la que llevará a cabo Luis Fernández Galiano, uno de los tres arquitectos españoles, junto a Juan Herreros y Rafael Moneo, invitados por David Chipperfield. El proyecto integra la participación de cinco estudios españoles: Mansilla + Tuñón, Paredes Pedrosa, Nieto & Sobejano, RCR Arquitectes y Patxi Mangado, quienes aportarán tres obras recientes de carácter público construidas por concurso en quince ciudades españolas –además del pabellón español a cargo de Antón García-Abril–. El proyecto de Fernández Galiano sustituye toda la parafernalia de grandes puestas en escena de grandes imágenes de la arquitectura actual por quince actores. Cada uno sostiene una pequeña maqueta de 28×28 cm que representa una de las quince obras de los estudios mencionados anteriormente. Su posición en la sala no será aleatoria, sino que se referenciará con base en un mapa de España pintado sobre el suelo, que indicará el que lugar del país donde se encuentra ubicada la construcción.

La muestra hace referencia a la representación medieval donde se presentaba a reyes y mecenas sosteniendo en sus brazos una maqueta a escala de la arquitectura que había pagado y que han explorado artistas como Domènec con su Sostenere il palazzo dell’utopia, al tiempo que, en palabras de Luis Fernández Galiano, “remite a performances contemporáneas –de Santiago Sierra a Ai wei wei– donde el trabajo subalterno se usa con intención crítica, pedagógica o solidaria”. De este modo se buscaría pasar del hecho arquitectónico a la conversación. El paso del objeto a la acción, del panel al diálogo tranquilo en donde la maqueta debería convertirse no tanto en el cuerpo sobre qué hablar sino desde el que inicia el debate entre visitantes y actores.

La intención de la muestra es doble: ofrecer una mirada crítica y al tiempo optimista de la realidad arquitectónica española; y algo que ya se busca desde el mismo título Spain Mon Amour, extraído de Hiroshima, Mon Amour, que ponía sobre la mesa esos mismos sentimientos de tristeza y esperanza –además de la referencia al grupo español Aviador Dro y sus obreros especializados–. Se trata de una crítica y denuncia en un país donde el número de realizaciones ha caído de manera abrumadora en pocos años, lo que obliga a emigrar a muchos jóvenes, pero que especialmente dura con la generación anterior entre los 50 y 55 años –justamente retratada en la obra– y que se encuentran con menores posibilidades de movilidad. Sin embargo, la propuesta expondrá una mirada optimista sobre cómo esta generación ha logrado realizar grandes proyectos representándola a través de los diez arquitectos invitados. Pese a la interesante puesta en escena, la propuesta presenta un punto siniestro de buen seguro no intencionado: su excesivo paternalismo, y clásica mirada hacia el aprendizaje.

Los jóvenes, aún elegidos con un casting que evalúa su conocimiento de inglés, proceden en su absoluta totalidad de los entornos académicos de los participantes, donde el arquitecto es visto como un maestro que permite el aprendizaje de su pupilo a través del contacto directo con la obra de su profesor y de la invitación ‘bienintencionada’ a una supuesta cuna del conocimiento como es la bienal. Tal vez sea un problema generacional y sobre el que un comentario optimista de Emilio Tuñón hablaba casi al final de la presentación: “quizá los jóvenes en su viaje y los contactos que hagan descubran nuevas manera de enfrentarse a la arquitectura que aún desconocemos”. Entonces sí se podrá decir que el alumno se ha convertido en maestro.

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