Casa donde nació Mies van der Rohe

Mies nació diez años después que De Golyer, el 27 de marzo de 1886, en una casa en el 29 de Steinkaulstraße, en Aquisgrán. “Su familia se mudó varias veces durante su infancia,” dicen Frank Schulze y Edward Windhorst en su biografía de Mies, “pero permanecieron en el mismo vecindario hasta que él cumplió 15 años.” Mies llegó a Berlín en 1905. En 1915, tras su matrimonio con Ada Bruhn, se mudó a un departamento en el último piso del número 24 de Am Karlsbad. Seis años y tres hijas después, Mies y Ada se separaron. Mies se quedó en el departamento de Am Karlsbad. Schulze y Windhorst dicen que lo convirtió en una mezcla de apartamento de soltero y oficina de arquitectura:

Las habitaciones con vista a la calle, incluyendo las dos más grandes, se convirtieron en espacios del taller y una habitación también al frente en oficina. El balcón frontal servía ocasionalmente para probar y fotografiar maquetas. La parte posterior del departamento era privada, con un baño —accesible desde el taller—, dos habitaciones pequeñas y una cocina.

En From Am Karlsbad 24 to the Tugendhat House: Mies van den Rohe’s Quest for a New Form of Living, Xiangfan Xiong escribe:

Am Karlsbad 24 era un edificio de apartamentos de cuatro pisos que constaba de un sótano, un piso elevado y dos pisos superiores. Fue construido a mediados del siglo XIX y demolido en 1940 cuando Albert Speer ejecutó su nuevo plan para Berlín. El apartamento de Mies ocupaba todo el último piso y medía más de 220 metros cuadrados. Constaba de seis habitaciones, un pasillo, un baño y una cocina y estaba organizada de una manera muy común en los apartamentos de Berlín en ese momento: las habitaciones estaban dispuestas en un anillo que envolvía el pasillo; cada habitación tenía acceso directo a las habitaciones adyacentes, y el pasillo servía como centro de tráfico que conducía a las habitaciones principales, el baño y la cocina.

Plano de Am Karlsbad 24 dibujado de memoria por Sergius Ruegenberg en los años 60 (Franz Schulze, Mies van der Rohe: A Critical Biography).

También escribe que Sergius Ruegenberg, “quien trabajó para Mies en los años 20 y 30, recuerda que el apartamento era bello y apacible”. Los muros estaban recubiertos con tela blanca, fijada con delgados marcos de madera y las habitaciones estaban casi vacías, con pocos muebles. Y que en una habitación Mies tenía una mesa de madera para dibujar, de unos cuatro metros de largo, con pilas de libros amontonadas encima. Bajo la tabla de la mesa, Mies guardaba el dinero. Con aparente facilidad, escribe Xiong, Mies la levantaba con el hombro y sacaba lo que necesitaba. Y agrega:

Mies tuvo una vida agitada y vibrante en Am Karlsbad 24. Su carrera floreció en la década de 1920. Se unió a muchos círculos de artistas y se involucró en diversos asuntos, participando en concursos de construcción y exposiciones, organizando reuniones para colegas, dando discursos y escribiendo para revistas de vanguardia. En su apartamento se desarrollaba una gran variedad de actividades, lo que en ocasiones desdibujaba la delimitación funcional de los espacios. Por ejemplo, como maestro de su estudio, Mies trabajaba en su oficina privada y supervisaba a sus empleados en la sala de dibujo adyacente. Aunque había una pared sólida entre los dos, esa división se deformaba constantemente por actividades improvisadas: a menudo se encontraba a Mies estudiando un dibujo en la sala de dibujo, y todo el personal del estudio a veces se reunía en la oficina de Mies haciendo modelos y trabajando en dibujos. A fines de la década de 1920, cuando Lilly Reich y Mies colaboraron estrechamente, el personal de su estudio se mezcló. Los maestros y sus empleados solían trabajar y cenar juntos en el apartamento de Mies. Con tanta gente, el apartamento parecía pequeño. Sin embargo, los empleados de alguna manera se las arreglarían para encontrar un lugar para trabajar, ya fuera la cocina o la habitación de invitados, siempre que hubiera espacio para colocar un dibujo.

Lora Marx y Mies van der Rohe

Mies vivió en el 24 de Am Karlsbad hasta 1938, cuando se embarcó a los Estados Unidos. En Chicago vivió en varios hoteles hasta que la escultora Lora Marx, quien fue su pareja por varios años y que vivía en uno de los departamentos que Mies había diseñado sobre Lake Shore Drive, le ayudó a conseguir un departamento en el número 200 de East Pearson Street, en un edificio diseñado por Robert Seeley De Golyer en 1917.

200 de East Pearson Street.

Schulze y Windhorst escriben:

A excepción de sus hijas, que llegaron a finales de los años 40, Mies normalmente tenía el departamento para él solo. Su universo estaba a unas cuantas millas a la redonda y viajaba en taxi; más tarde, cuando tuvo menos movilidad, algún estudiante o alguien de su oficina iban por él. Compró su primer coche a finales de los años 50, pero no aprendió a manejar. Lora lo hacía. No tenía interés en hacer de su apartamento un salón de exhibiciones arquitectónico, aunque se tomó la molestia de que todos los muros se pintaran de blanco. En 1941 instaló unas repisas soportadas por ménsulas de acero en cantiliver. Tenía una mesa modesta hecha a la medida y unas sillas MR, pero nada tan glamoroso como la silla Barcelona.

En una nota citan a Jacques Brownson, que siendo estudiante del IIT tuvo que llevar un encargo al departamento de Mies y, al ver los pocos muebles que tenía el reconocido arquitecto y director de la escuela donde estudiaba le preguntó: ¿y cuándo se va a mudar aquí?

A principios de este año el departamento de Mies van der Rohe en Chicago fue puesto en venta —por sólo 825,000 dólares. Se dice que cuando a Mies le preguntaron por qué vivía ahí y no en los que él había diseñado en Lake Shore Drive, a pocas cuadras de distancia, respondió que prefería verlos desde su ventana y no tener que escuchar las quejas de los residentes todos los días al salir de su departamento.

El departamento de Mies van der Rohe en Chicago.

El cargo Aquí vivió Mies van der Rohe apareció primero en Arquine.

Granville 1500 es un conjunto habitacional que celebra la experiencia urbana y ofrece 153 unidades a precios inferiores a los del mercado a los estudiantes de medicina y al personal de la UCLA. El proyecto refuerza el sentido de apropiación en una zona que antes era inaccesible y carecía de vida urbana. Esta manzana era antes un concesionario de coches, pero ahora sirve de modelo para un desarrollo con mayor densidad y de usos mixtos que aporta escala y carácter a la activación peatonal.

Con el objetivo de favorecer el encuentro con los peatones, se utilizan varias estrategias en la planta baja para anclar el edificio a la calle. En lugar de una fachada masiva e imponente, aparecen tres volúmenes discretos en forma de cuña a lo largo del bulevar de Santa Mónica, cada uno de ellos tocando hábilmente la acera. El diseño rompe con el volumen típico de la mayoría de los proyectos de viviendas mostrando experiencias residenciales y peatonales a nivel de la calle. Los puentes unen los volúmenes en los tres niveles superiores ajardinados con plantas resistentes a la sequía.

El espíritu que impulsa a LOHA es una actitud que considera la sostenibilidad medioambiental inherente al buen diseño. En Granville 1500, las estrategias de diseño pasivo incluyen el acceso exterior a las unidades, lo que aporta ventilación cruzada y luz natural; y la conservación del agua, que se consigue recuperando y gestionando el agua de lluvia in situ, así como incorporando vegetación resistente a la sequía en el paisajismo. El almacenamiento de bicicletas, las estaciones de carga de vehículos eléctricos y la energía solar en el tejado son otras de las muchas estrategias sostenibles empleadas.

Una vez terminada, la UCLA adquirió Granville 1500, reconociendo que la urbanización podía ofrecer a los estudiantes un entorno más polifacético que las viviendas académicas convencionales, menos arraigadas en el oeste de Los Ángeles. Las opciones de transporte siguen desarrollándose, conectando el complejo con la UCLA.

El cargo Viviendas intermedias entre Los Ángeles y Chicago apareció primero en Arquine.

Es 1904 y Chicago se despierta. La ciudad ubicada en la punta sur del lado Michigan, se ve cruzada en su retícula rigurosa por la ondulación del río. Ese río que vertía sus aguas al lago y, por cuestiones de higiene, la visión racionalista de la época transformó la pendiente y el flujo de agua en sentido opuesto —¡ay la prepotencia humana! Pero si la ciudad bebía de las aguas del lago, y vertía sus desechos al río, literalmente se hidrataba con su propia escoria.

En ese juego de contrasentidos, una peculiar edificación atraía a quienes caminaban por la acera de la avenida State hacia el cruce con Madison. El basamento del edificio, recubierto por una compleja enredadera de hierro fundido chapeada en bronce, marcaba el acceso en la esquina, sosteniendo un gran cilindro que contrastaba con la ortogonalidad de las fachadas que daban a cada una de las calles mencionadas. Los originalmente almacenes Schlesinger & Meyer acababan de ser adquiridos apenas un año antes por Carson, Pirie & Scott para ofrecer productos a la dinámica población de la ciudad ventosa.

El volumen se alzaba 12 niveles por encima de la calle, de los cuales los dos primeros formaban el gran exhibidor de mercancía que se abría a la ciudad por medio de los enormes ventanales. Encima de este basamento de hierro y cristal, una red revestida por ladrillo ceramicado en blanco, reflejaba claramente la expresión de los marcos estructurales de acero, que permitían la mayor flexibilidad posible hacia la espacialidad interior, al mismo tiempo que generaban la superficie de cerramiento, resuelta con cristales planos dividiendo el vano en tres partes: dos laterales cuya función en guillotina proveían la ventilación adecuada, y una central fija que garantizaba la mayor penetración de luz natural por cada hueco hacia el interior de los almacenes. En el último nivel, la gran retícula se detiene para remeter el paño de la fachada y sombrearlo con una cornisa. De esta manera se resalta el carácter más privado de las oficinas administrativas y se remata la verticalidad del edificio. Cada sección expresaba en el volumen su función. Desde la enorme enredadera metálica del basamento para atraer la atención del viandante ante el detalle, hasta la luminosidad de la blanca cerámica que además de su labor estética cumplía con la función reglamentaria de recubrir la estructura de acero para retardar los efectos del calor en caso de incendio, la composición de la fachada acentuaba el aforismo más famoso del autor: “Form ever follow fuction”.

Louis Henry Sullivan no era de Chicago. Nacido en Boston, Massachusetts, había tenido la oportunidad de estudiar y viajar por Europa, de la que regresó lleno de inquietudes creativas propias de un espíritu rebelde. El incendio acaecido hacia 1871 en Chicago abrió un sinfín de oportunidades a jóvenes arquitectos y constructores. De las cenizas provocadas por un fuego que cabalgó sobre los vientos del norte para esparcirse por gran parte de la urbe, surgiría la creatividad propia de una economía alimentada por el tránsito de mercancía entre el oeste y sur agrícolas, y el este industrial de la joven nación norteamericana.

A las ideas propias de Sullivan y su socio Adler, se sumaban las propuestas estructurales de William Lebaron Jenney, la audacia interpretativa de Hollabird y Roche, la creatividad de Hood combinada con el oportunismo de Burnham, y la frescura que el historicismo neorrománico interpretado por Richardson aportaba al agotado academicismo neoclasicista defendido por el Statu Quo Financiero.

Sullivan no era fácil. Formado con una mentalidad que prioriza el discernimiento a la obediencia, cuestionaba severamente las reglas establecidas y asumía una postura “contracorriente” ante ellas. Para él, la educación del momento era un instrumento coercitivo ante la creatividad, y veía con esperanza un futuro donde la enseñanza se transformaba democráticamente, para permitir el desarrollo pleno y creativo de cada individuo. Tras la exposición internacional dedicada a Colón, en 1893 y celebrada en Chicago, acusó severamente a Burnham y a la organización de la feria, por haber cedido la imagen propia de la ciudad, para caer en un historicismo clasicista veneciano, sentenciando que la arquitectura tardaría más de medio siglo en recuperarse.

A partir de sus escritos, de los cuales los más conocidos se titulan Pláticas del jardín de niños, el ejercicio de discernimiento le lleva a proponer una perspectiva organicista, en donde las formas de la naturaleza, viva o inerte, respondían inevitablemente a la función de éstas, aseverando que la forma solo debe cambiar, si cambia la función para la que ha sido evolucionada. Había que seguir simplemente las leyes de la Naturalez. Luego, su frase sería reinterpretada no de forma orgánica, sino desde una perspectiva reduccionista hacia un racionalismo mecánico, hasta que Wright, quien aprendió arquitectura en su taller, pudo finalmente ya en su madurez, descubrir las enseñanzas de su querido maestro (como llamó siempre a Sullivan) y retomar el organicismo a su manera.

La toma de postura de Louis Henry, su vehemencia y radicalismo para defenderla, no eran ajenas a las que, en Europa, defendían con la misma intensidad personajes como Klimt, Olbrich o Hoffmann en Viena a través de la Secesión, por mencionar otro ejemplo de antiacademicismo. Sin embargo, en la lucha epistémica entre la visión de orden y estilo que clamaban los Académicos, y la evolución constante de un lenguaje en función de un organicismo sistémico, terminó prevaleciendo el primero, lo cual acabó costándole a Sullivan.

Relativamente poco tiempo después de la flamante inauguración de los almacenes Carson, Pirie & Scott, los encargos se fueron esparciendo y distanciando, hasta que el originario de Boston tuvo que abandonar su taller ubicado en otro de sus edificios emblemáticos, el Auditorium Building. El creer fervientemente en los principios de su propia filosofía, le llevó finalmente a la ruina y al abandono. Al final, la arquitectura que le sobrevivió siguió siendo utilizada y, aquella que no fue demolida por la vorágine inmobiliaria que persiguen las finanzas de la obsolescencia planeada, terminó convirtiéndose en referencia patrimonial dentro del contexto de las ciudades donde ha sobrevivido.

No deja de ser curioso cómo alguien que defendió el individualismo prototípico de la cultura estadounidense, que termina siendo uno de los rasgos característicos del prototipo de éxito en su país, terminó siendo abatido en su momento por el simple hecho de entender ese individualismo fuera de los parámetros aceptados por el sistema. Sin embargo, estemos de acuerdo o no con su filosofía y la de su época, lo que Sullivan nos enseña es que, si se es coherente y si se cree en algo con fundamentos y firmeza, hay que llevarlo puesto hasta las últimas consecuencias.

Ni la arquitectura ni los arquitectos son nunca neutrales. Se toma postura y se trabaja a partir de ello. Las consecuencias pueden ser variadas, ya que lo que hoy es válido, mañana será cuestionado por las siguientes generaciones, y aquello que es cuestionado en su momento, puede terminar convirtiéndose en un valor cultural posteriormente. ¿De qué manera queremos estructurar la formación de nuestras futuras generaciones? ¿Será cargando el péndulo hacia el discernimiento, la evolución y el aprendizaje perene, o hacia el rigor estático de una sola idea dogmática y preestablecida?

Yo prefiero inevitablemente la primera, y asumo las consecuencias ante la contradicción de ser un académico, anti academicista.

El cargo Sullivan: Lecciones para el jardín de niños apareció primero en Arquine.

La Bienal de Arquitectura de Chicago anuncio los colaboradores seleccionados por el director artístico David Brown para la edición 2021, The Available City. La lista inicial de 29 colaboradores aporta perspectivas de diseño de ciudades de todo el mundo como Ciudad del Cabo, Caracas, Chicago, Copenhague, Dublín, París, Basilea y Tokio.

Los innovadores de diseño global se emparejan con grupos comunitarios de Chicago para explorar formas de espacio colectivo compartido e inspirar usos nuevos e imaginativos de los espacios vacíos en la ciudad. Las instalaciones, activaciones, exhibiciones, proyectos y programas se compartirán con el público en los vecindarios de Chicago y en plataformas digitales cuando se abra la Bienal el 17 de septiembre de 2021.

“Los desafíos que enfrentamos durante el transcurso del año pasado nos han enseñado dos cosas: una, tenemos que encontrar soluciones holísticas a los problemas que enfrenta nuestra ciudad y dos, ese proceso comienza con el aprovechamiento de la creatividad, el talento y la resiliencia de nuestras comunidades “, dijo la alcaldesa de Chicago, Lori E. Lightfoot.

“Los colaboradores de la Bienal de Arquitectura de Chicago 2021 son un grupo diverso y creativo que hará precisamente eso al traer nuevos enfoques de otras ciudades globales y trabajar junto a nuestros residentes en nuestros lados histórico sur y oeste para crear espacios colectivos prósperos para que nuestras comunidades disfruten”.

Durante los próximos meses, la Bienal anunciará asociaciones y colaboraciones clave entre los participantes y las organizaciones comunitarias para la edición de la Bienal de este año.

Los participantes anunciados en esta ocasión son:

Ana Miljački (Critical Broadcasting Lab at MIT), Boston

Ania Jaworska, Chicago

Atelier Bow-Wow, Tokyo

Borderless Studio, Chicago

Central Park Theater Restoration Committee, Chicago

Christophe Hutin Architecture, Bordeaux

Departamento del Distrito, Mexico City

Drawing Architecture Studio, Beijing

El Cielo, Mexico City

Englewood Nature Trail, Chicago

Enlace Arquitectura + Ciudad Laboratorio, Caracas

fala, Porto

Gensler (Stone Soup Group), Los Angeles + Chicago

Hood Design Studio, Oakland

in care of Black women, Chicago

Jill Desimini, Cambridge

Matri-Archi(tecture), Basel + Cape Town

Open Architecture Chicago + Under the Grid, Chicago

Outpost Office, Columbus

Port, Chicago + Philadelphia

ProjectHOOD, Chicago

Riff Studio, New York City

Soil Lab, Copenhagen + Dublin

studioAPT, Ann Arbor

Studio Barnes with Shawhin Roudbari and MAS Context, Miami

Studio Ossidiana, Rotterdam + Venice

The Bittertang Farm, Clearing, Chicago + Island Center, Bainbridge Island

THE OPEN WORKSHOP, San Francisco + Toronto

Urban American City, Nueva York.

El cargo La Bienal de Arquitectura de Chicago anuncia los participantes para su cuarta edición: The Available City apareció primero en Arquine.

El edificio está organizado como una pequeña comunidad de unidades de vivienda individuales envueltas en una piel contigua. A diferencia de una casa unifamiliar, cada residencia está diseñada con al menos tres orientaciones distintas y cada una cuenta con abundancia de espacio al aire libre, maximizando la luz del día y las brisas cruzadas. La apariencia exterior de este proyecto es un resultado directo de la planificación interior estratégica, con dos grandes vacíos cúbicos que definen grandes terrazas en el segundo piso. En estos vacíos, los balcones y escaleras de acero articulado están anidados, haciendo referencia a las escaleras de incendios de Chicago y agregando un alivio visual en las esquinas SE y NW del sitio.

Las aberturas de ventanas grandes y perforadas en la piel de metal corrugado del edificio parecen perforaciones dentro de la masa general, lo que reduce perceptivamente la escala del edificio entre sus vecinos. Seleccionado por sus cualidades reflectantes, el revestimiento exterior produce un juego dinámico de luces y sombras en las fachadas, destacando los cambios atmosféricos provocados por las estaciones y a lo largo del día.

En un intento de marcar su lugar en el tiempo, este edificio multifamiliar demuestra una postura progresista y las oportunidades espaciales que la arquitectura contemporánea puede ofrecer a sus habitantes y al vecindario en el que reside. Al hacerlo, somos optimistas de que proyectos como West Rice 2016 elevarán el listón para futuros desarrollos a pequeña escala, promoviendo estándares de diseño más altos en todos los trabajos residenciales dentro de la estructura de nuestra ciudad.

El cargo West Rice 2016 apareció primero en Arquine.

Para los economistas es claro e indudable que la denominada Escuela de Chicago se refiere a un grupo de académicos que impartían cátedra en la Universidad de Chicago por ahí de la década de los 50 del siglo pasado, proponiendo el libre mercado bajo ciertas reglas. Los sociólogos y criminólogos podrán reclamar que antes estaban ellos con la que, en ocasiones, recibía también el nombre de Escuela Ecológica, cuyos trabajos en Sociología Urbana emergieron entre los años 20 y 30, también del siglo pasado.

Sin embargo, en el último cuarto del siglo XIX, sin grandes teoremas ni urbanos, ni sociológicos, ni económicos, pero eso sí, siguiendo las leyes naturales de la oferta, la demanda y los nuevos sistemas de producción, un grupo de firmas irrumpió en el mundo de la arquitectura y la construcción, tan inesperada como creativamente. Y es que la demanda por tener un gran comercio u oficinas de trabajo en la zona denominada “The Loop” en la ciudad de Chicago, hacía que los costos de un lote fueran inalcanzables con los esquemas de edificación y ocupación del suelo previos.

Así, comenzaron a experimentar con edificios de varios niveles enfrentando algunos retos no menores, como un suelo altamente fangoso y de poca resistencia en cuanto a toneladas por metro cuadrado se refiere, un sistema constructivo realmente efectivo en tiempo y costo, y claro está, un lenguaje arquitectónico apto para los programas multifuncionales que reclamaban las nuevas actividades.

Hacia 1891 William Le Baron Jenney irrumpe con la primera estructura esqueletal de vigas y columnas en perfil I extruido, para su “Fair” building, consolidando el sistema estructural de mayor éxito para edificios en altura. Así, debemos a la primera “Escuela de Chicago” lo que comúnmente denominamos “Rascacielos” y durante un período de 10 años, la ciudad más reconocida del estado de Illinois produjo edificaciones de notable calidad y cantidad.

Hoy comparto con ustedes uno de los edificios que, desde mi punto de vista, representan claramente este salto cuántico en cuanto a la densificación constructiva vertical, con una expresión inusitadamente ligera y transparente dado su momento histórico: el edificio “Reliance” de la firma Burnham & Root, donde el segundo, el “creativo” del equipo, nos entregó una pieza que ha podido resistir el paso del tiempo, la depredación inmobiliaria, y las distintas posturas ideológico-estéticas a lo largo de ya más de 100 años en la capital del medio oeste americano.

Iniciado en 1890 y culminado en 1895 por Charles Atwood, tras la muerte inesperada de Root acaecida en 1891. Siguiendo la tipología Chicago: basamento, cuerpo y remate, el edificio se eleva elegantemente con grandes planos de cristal en su fachada que ondulan dando vuelta a la esquina del predio donde se encuentra ubicado, botándose del paño a partir de medios hexágonos. Este gesto, acentúa aún más la verticalidad del volumen, celebrándola como diría Louis Sullivan.

Tras pasar algunas malas épocas y procesos naturales de deterioro, es finalmente rescatado en los 90 y restaurado siendo ya un edificio protegido patrimonialmente. Así, la historia de una vuelta completa donde aquello que resultó en un momento una innovación creativa para dar respuesta natural a una tendencia de mercado, rompiendo con las posturas academicistas de la escuela de Bellas Artes, termina convirtiéndose en un caso de estudio en las academias actuales, y su preservación, una confrontación a las tendencias del mercado inmobiliario contemporáneo de la ciudad.

El cargo Espacios: pioneros apareció primero en Arquine.

Inaugura la tercera edición de la Bienal de Arquitectura de Chicago la cual reúne a más de 80 colaboradores de 22 países, incluidos Theaster Gates, MASS Design Group, Forensic Architecture & Invisible Institute, RMA Architects, Jimmy Robert, Vivien Sansour y Wolff Architects, por nombrar algunos, e involucra a más de 50 espacios y 100 organizaciones asociadas en Chicago.

La bienal de este año, titulada …and other such stories, explora la manera en que la arquitectura da forma, y gira en torno a la cultura, la historia y la naturaleza en todo el mundo, haciendo preguntas críticas sobre cómo la arquitectura da forma a un futuro mejor, más sostenible y más equitativo.

“Las bienales ofrecen una oportunidad única tanto para reflexionar sobre el estado de la profesión, así como para mostrar nuevos proyectos e investigaciones de profesionales establecidos y emergentes”, señaló Yesomi Umolu, Director Artístico de la Fundación Graham y de la Bienal de Arquitectura de Chicago. “Nuestro objetivo con .…and other such stories fue encontrar inspiración en el entorno construido de Chicago que estimulara una conversación global sobre nuestros derechos, recuerdos y relación con el mundo natural. Estamos entusiasmados de presentar los proyectos en la bienal y continuar esta conversación colectiva con ciudadanos de todas las edades en Chicago “.

La alcaldesa Lori E. Lightfoot continuó: “la Bienal representa un momento extraordinario para la ciudad, cuando ciudadanos, visitantes, organizaciones culturales y empresas pueden unirse para celebrar y explorar nuestras historias compartidas y vislumbrar nuevas posibilidades para el futuro de las ciudades . Nos sentimos honrados de ser el sitio de esta investigación, trayendo figuras convincentes de todo el mundo y posicionando a Chicago a la vanguardia de una exploración de lo que depara el futuro “.

Los colaboradores seleccionados por el equipo curatorial de la Bienal, que, además de Umolu, incluye a los co-curadores Sepake Angiama y Paulo Tavares, presentan trabajos que reflexionan sobre la arquitectura en relación con cuestiones sociales, políticas y ambientales en todo el mundo, incluyendo temas relacionados con la propiedad y la vivienda social, la división de los recursos naturales y los sistemas de poder y derechos civiles.

Algunos puntos destacados clave de la exposición incluyen proyectos que abordan las condiciones de vivienda pública y social, con diversas formas de práctica que tratan la vivienda como un derecho; exploraciones de cómo los espacios de exclusión definen la ciudadanía urbana y global; proyectos espaciales especulativos que proponen reformular las relaciones con el territorio; obras que exploran recuerdos compartidos y disputados en relación con historias sociales, espacios públicos y monumentos; exploraciones del impacto social, territorial y ambiental de las economías extractivas; trabajos que abordan la relación entre arquitectura y medio ambiente a través de diseño y procesos de aprendizaje, entre otros ejes de discusión.

La Bienal es gratuita y abierta al público a partir del jueves 19 de septiembre, y estará a la vista tanto en su sede principal, el histórico Centro Cultural de Chicago hasta el 5 de enero de 2020.

Imágenes cortesía de la Bienal de Arquitectura de Chicago

El cargo Inaugura la Bienal de Arquitectura de Chicago 2019 “…and other such stories”. apareció primero en Arquine.

Architecture, I think, is intrinsically an ethical enterprise; it is an ethical project.

Stanley Tigerman

A los 88 años, el 3 de junio murió el arquitecto de Chicago Stanley Tigerman. En una entrevista publicada en el Journal of Architectural Education en el 2011, Tigerman dijo que cuando tenía doce años, en 1943, publicaron un libro llamado El manantial. Tras leerlo decidió que quería ser arquitecto.

Stanley Tigerman nació el 20 de septiembre de 1930 en Chicago, único hijo de una muy pobre familia judía. Tras estudiar un año en el MIT, Tigerman abandonó la escuela —“familia pobre, toda esa basura, demasiado equipaje,” dijo en otra entrevista, de 1998. El decano del MIT, Bill Wurster, le consiguió un trabajo como aprendiz en la oficina del arquitecto George Fred Keck. durante un año. Después intentó abrir su propia oficina. Fracasó. Siguieron cuatro años en la marina y al regresar a Chicago trabajó en varias oficinas, incluyendo SOM, donde participó en el proyecto de la Academia de la Fuerza Aérea. Tigerman buscó obtener su título de arquitecto a partir de su experiencia. Yale lo aceptó y mientras estudiaba de día trabajaba de noche en la oficina del director, Paul Rudolph. Quería hacer en un año el programa de cuatro; Rudolph lo convenció para que lo intentara en dos. Tigerman, además, escogió sus maestros. Josef Albers para teoría del color, escultura con Bob Engaman —“gran escultor a la manera de Diego Rivera”, según Tigerman—, historia del arte con George Heard Hamilton, quien con Katherine Drier y Marcel Duchamp había formado la Société Anonyme. Tigerman cuenta que Rudolph le aconsejó llevar un curso de estructuras y otro de historia de la arquitectura con Vincent Scully. Tigerman se negó. Se graduó de Yale en 1961 y abrió su propia oficina en 1964, donde trabajó hasta retirarse en el 2017. A finales de los años 60 —coincidiendo con la muerte de Mies van der Rohe en 1969— la arquitectura de Tigerman se volvió, en palabras de Emmanuel Petit, “abiertamente alegórica y giraba alrededor de la cuestión del significado.” Fue el momento en que, de Venturi a Rossi o de Stirling a Tigerman, todos fueron calificados como posmodernos. Entre 1985 y 1993 Tigerman fue director de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Illinois en Chicago, y en 1994 fundó con Eva Maddox Archeworks, definido como un laboratorio y centro de investigación y aprendizaje que busca usar el diseño para el interés público. Tigerman dijo que probablemente Archeworks había sido lo más importante que había hecho.

Petit resumió al personaje y su trabajo diciendo que Tigerman combinaba “la imaginación de un soñador con el enfoque pragmático de un realista” y que “su creencia en la dimensión pedagógica del «proyecto» de arquitectura daba cuenta de la versatilidad de su trabajo, que excedió la rutina de la producción profesional.” Petit también insiste sobre la dimensión ética que Tigerman colocaba al centro de la arquitectura, tanto de la práctica como de la enseñanza. “No estoy interesado en la ética como una abstracción o como una disciplina académica separada del trabajo” —o de la obra: work—, dijo Tigerman. “Me interesa cómo la visión ética de los arquitectos en el mundo y cómo su visión ética del mundo se abre paso en su trabajo” —o en su obra: work. Quizá eso se resume práctica, pragmáticamente en otra afirmación de Tigerman: “Hay que decir no pero lograr que se construya. ¿Cómo dices no y logras que se construya? Tienes que encontrar la manera de decirle no al cliente sin que te despida, y eso se aprende lenta y dolorosamente.”

El cargo Stanley Tigerman (1930-2019) apareció primero en Arquine.

Graham Foundation anunció recientemente los ganadores de 63 subvenciones para proyectos que iban desde exhibiciones en viviendas suburbanas hasta investigaciones sobre los efectos de MTV en el espacio posmoderno. La fundación con sede en Chicago otorgó más de 460,000 dólares a los premiados de todo el mundo, seleccionados de entre más de 500 propuestas. En total, más de 4,500 proyectos han sido financiados por la Fundación Graham desde 1956.

Las nuevas formaciones domésticas, la topografía de las epidemias y un examen de la relación de la arquitectura con los disturbios se encuentran entre los proyectos que obtuvieron financiamiento de Graham.  Entre algunos de los 63 subvencionados este año por Graham Foundation se encuentran los proyectos: La necesaria redensificación de la vivienda colectiva en México de Miquel Adrià ;  Auroville: Sobre la construcción de un sistema de creencias de Santiago Borja; Tipologías: Estado actual de la vivienda tradicional en México de Onnis Luque y Mariana Ordóñez; Un atlas de nuevas ruinas mexicanas de Frida Escobedo y Xavier Nueno, y Casas de Memoria de Robert Hutchison publicación editada por Arquine.

La lista completa de beneficiarios se encuentra en el sitio de la Graham Foundation.

La Graham Foundation es fundada en 1956 para mantener el legado de Ernest R. Graham (1866-1936) y promover proyectos y eventos relacionados a la arquitectura y el diseño.

El cargo Graham Foundation anuncia los ganadores de becas de investigación arquitectónica 2019 apareció primero en Arquine.

La Bienal de Arquitectura de Chicago anunció que la edición 2019 estará  dirigida por los curadores Sepake Angiama y Paulo Tavares, junto a la dirección artística de Yesomi Umolu, bajo el tema ‘ … and other such stories’, traducido como ‘ y otras historias similares’.

El equipo curatorial propone una investigación de la arquitectura no solo como una forma, sino como una culminación de las condiciones que la moldean.

‘…and other such stories’ estará orientada en torno a cuatro áreas de interés:

No land beyond: inspirada en el interés indígena en la naturaleza, la ecología y el paisaje que ha trascendido de la propiedad privada.

Appearances and Erasures: en la que se exploran recuerdos compartidos y en disputa en relación a monumentos, memoriales e historias sociales.

Rights and Reclamations: Derechos y reclamos.

Common Ground : pone en primer plano los aspectos de los derechos, la promoción cívica de la arquitectura en la que se incluye la vivienda social.

El enfoque narrativo de la bienal será global, en la que se involucrarán una variedad de territorios, geografías e historias que fomenten la conversación entre una audiencia global. El objetivo fundamental del evento este año será abordar las condiciones urgentes y cambiantes de nuestras sociedades en las que se re-imaginarán las posibilidades del entorno construido.

La Bienal de Arquitectura de Chicago inicio en 2015 y se ha convertido rápidamente en un espacio importante para la arquitectura y el diseño en América del Norte. La tercera edición estará abierta al público del 19 de septiembre de 2019 al 5 de enero de 2020 y se llevará a cabo en el Centro Cultural de Chicago.

El cargo La Bienal de Arquitectura de Chicago anuncia sus curadores para la edición 2019 apareció primero en Arquine.