La gran mayoría de las obras de Ponis son de aquel proceso de diseño aliado de la estructura, forma y tectónica que proviene de esa búsqueda instaurada por el crítico e historiador Sigfried Giedion hace un siglo. Hasta cierto punto inalcanzable, esta actitud de fusionar en la arquitectura el paisaje y el no paisaje deslumbra en la actualidad. En particular, en momentos en que la arquitectura se preocupa más en mirarse al espejo y buscar justificaciones con cierto compromiso social en donde poco puede aportar mientras no se deconstruya en su aprendizaje y pedagogías en las que está anclada desde hace varias décadas.

En este sentido, la obra de Ponis y su personalidad frugal demuestran una arquitectura en donde la diferencia y repetición de soluciones generan propuestas audaces y bruscas con el paisaje y, al mismo tiempo, sigilosas con el ojo del visitante para descubrirlas a su paso. En su natal Sicilia, es probablemente la única forma de hacer arquitectura. Ponis lo puso en práctica desde el proyecto para la Casa Scalesciani. Las formas son imaginativas en su geometría y acomodo con el peñasco, pero cada parte de la casa es diferente —aunque se reconoce un vocabulario familiar y de semejanza absoluta—. Casi todas sus casas están ancladas una roca o piedra en particular como punto de inicio en su tectónica.

Planta de la Casa Scalesciani

Tuve la oportunidad de conocer su obra a través de un amigo en Londres, Ted Cullinan, a quien Ponis conoció durante su pasantía en el estudio de Denys Lasdun en la misma ciudad durante la década de los 50. Ted lo llamaba “el arquitecto de la roca siciliana”, en clara alusión a que sus construcciones siempre incursionaron en la tectónica de la piedra.

Pero, en realidad, la obra de Ponis también es precursora, por casi cuatro décadas, de la escuela de los pliegues en arquitectura, tan puesta de moda por arquitectos en los 90 mediante interpretaciones literales de la obra y pensamiento de Gilles Delleuze y Félix Guattari. [2] Los proyectos de Ponis, como la Casa Martínez (1970) y la casa Casa Scalesciani (1977), fueron procesos de diseño en donde los incidentes de la “roca” generan accidentes positivos de morfogénesis para crear estructuras fusionadas con el paisaje de la piedra; siempre en búsqueda de una construcción correcta en palabras mismas de Ponis.

Como decía Cullinan: “sólo al visitar las casas es que te percatas que todo el proyecto está basado en las piedras del paisaje y un antropomorfismo vinculado al sitio”. Cada casa de Ponis es de difícil acceso, nunca se puede llegar a ellas en auto, sólo a pie. Si se revisa su obra en conjunto, también se vislumbra un proceso de pensamiento parecido al de Friedrich Nietzsche, en donde se percibe un juego entre el temperamento y el gusto en el acto de proyectar. Demasiado libre de justificaciones para la época actual, quizá también por eso sólo hasta ahora la obra de Ponis adquiere la difusión que merece.

Notas

[1] Juhani Pallasmaa, The Thinking Hand — Existential and Embodied Wisdom in Architecture, Wiley, 2009, p 71.

[2] Gilles Deleuze y Félix Guattari, A Thousand Plateaus: Capitalism and Schizophrenia; University of Minnesota Press, 1980

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Los edificios pre-existentes se reconfiguraron a través de una estrategia de intervenciones puntuales, con el propósito de fomentar un uso continuo y flexible del espacio, abrir el complejo al vecindario y estimular métodos educativos contemporáneos y abiertos. La reorganización de los espacios, pequeñas demoliciones, reemplazos puntuales, adiciones de nuevos volúmenes, junto con el rediseño de colores y acabados, definen la nueva imagen del centro educativo.

El nuevo preescolar establece un diálogo con los edificios existentes, a la vez que declara su autonomía formal. El nuevo edificio se configura mediante un sistema de espacios cerrados y abiertos unidos por un gran techo inclinado, que define el perímetro de la escuela y una serie de espacios de transición. La disposición y rotación de los volúmenes crea una secuencia de espacios abiertos con diferentes proporciones. 

El resultado es un sistema poroso que tiende a abrirse hacia el jardín: vistas oblicuas, cambios en la sección del techo, y la articulación de los espacios se revelan en los puntos de transición entre las salas. La organización planimétrica se configura como un sistema fluido de espacios que apoyan las aulas, siguiendo la idea de un modelo educativo que trasciende los límites físicos del aula. Los espacios exteriores se reconfiguran completamente, conectando los diferentes edificios escolares y definiendo una nueva relación orgánica entre el nuevo campus y el vecindario circundante.

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El proyecto, diseñado por Manuel Bouzas, en colaboración con la Librairie 7L y CHANEL, forma parte de la edición 2024 del Festival des Cabanes. Este festival de verano reúne seis instalaciones diferentes para transformar los jardines de la Academia Francesa en un laboratorio de experimentación arquitectónica. Construido en su mayor parte con madera, el festival gira en torno al concepto de la cabaña (cabane), y sirve como una plataforma de diálogo entre la arquitectura, el paisaje, el arte y el diseño. 

El origen conceptual del proyecto nace de la comprensión del contexto topográfico e histórico en el que se ubica. En el siglo XVI, en las afueras de la antigua Roma, Ferdinando I de Medici transformó la residencia del cardenal Ricci, en la colina del Pincio, en una villa renacentista conocida por su arquitectura y jardines. Desde el establecimiento de la Academia de Francia a principios del siglo XIX, generaciones y generaciones de romanos han sido testigos de la evolución de los jardines de la academia, que dibujan su icónica silueta de pinos. Por el contrario, la pregunta que el proyecto plantea es: ¿qué han observado esos árboles a lo largo de estos siglos? 

La instalación consiste en un espacio público que flota a la altura de las copas de los árboles de la Villa Medici. Árboles que, aunque han crecido allí durante siglos, no permanecerán para siempre. La estructura consta de seis pórticos de madera que sostienen dos plataformas: una a nivel del suelo y otra a 7 metros de altura. La primera da la bienvenida a los visitantes y alberga eventos públicos, mientras que la segunda funciona como mirador. Cuenta con una mesa de picnic, mecedoras y bancos que permiten a los visitantes disfrutar de un descanso en el caluroso verano romano. Una escalera lineal, construida con CLT, arriostra en diagonal la estructura, y replica el mismo número de escalones que la histórica escalera helicoidal dentro del palacio. La estructura culmina en una cubierta con forma de V que protege al observatorio del sol y la lluvia, proporciona sombra y recibe la brisa que corre sobre la colina. El proyecto está diseñado para ser ensamblado y desensamblado, y para garantizar la resistencia al viento sin cimentaciones, se instalan 16 bolsas de almacenamiento de agua de 260 litros debajo de la plataforma. 

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La gran experiencia profesional y la exploración teórica del DEMOGO convergen en este último proyecto, que ofrece una oportunidad única de profundizar en el concepto del límite. En este caso, el límite se concibe como un tercer espacio transformador que fomenta la aparición de ámbitos interactivos y dinámicas innovadoras.

El edificio exhibe compostura y rigor compositivo, al tiempo que incorpora soluciones que pretenden elaborar una sutil transgresión. Las fachadas se despliegan según una composición precisa de hiladas y perfiles, delineando variaciones mínimas de relieve en los frentes. El resultado es un patrón modular de paneles cromáticamente capaces de evocar los tonos rojos dominantes en las texturas materiales de la ciudad de Bolonia. 

La relación entre las fachadas y su entorno refuerza el tema general del orden y su transformación dentro de la composición arquitectónica. El resultado es una forma que los arquitectos sugieren leer como parte de un extenso plan de secuencias perceptivas. En este sentido, varios puntos de vista, que incluyen visiones fugaces y observaciones frontales directas, contribuyen a una progresión visual que se desarrolla tanto horizontal como verticalmente. 

El verdadero elemento que interrumpe y reconfigura de manera simultánea los espacios interiores es la larga escalera que se encuentra y despliega de forma lineal a lo largo de todo el edificio. El bloque de edificios que alberga las nuevas oficinas está atravesado en su totalidad por este elemento, que, además de enfatizar la dirección ascendente del volumen, conecta visualmente todos los niveles, y guía el movimiento y la mirada de las personas inmersas en un paseo que asciende por la escalera, en un paseo que asciende dentro de su entorno. 

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Enrico Molteni Architecture ha interpretado esta característica construyendo dos edificios en uno. El primero incluye una guardería y un jardín de infancia destinados a los hijos, de 0 a 6 años, de los empleados y estudiantes de la universidad. El otro está dedicado a la inclusión cultural y social de niños de 10 a 14 años en situación de fragilidad. 

Situada en el parque universitario, al sur de la ciudad de Parma, en una zona marginal próxima al arroyo Cinghio, esta obra es un pabellón ligero, construido sobre una única planta sobre rasante, y está rodeada por un pórtico compuesto de esbeltos soportes ligeramente inclinados. La forma rectangular del pabellón se consigue mediante la yuxtaposición de dos cuerpos cuadrados y muy próximos entre sí. Construido íntegramente en seco, con una estructura portante de madera laminada encolada y paneles de CLT para los suelos, el proyecto está dotado de grandes ventanales acristalados para los alzados perimetrales. De esta manera, este edificio de 2,450 metros cuadrados tiene una alta eficiencia desde el punto de vista energético. 

El pabellón es como un rompecabezas, cuyos espacios se componen en planta por medio de una fuerte organización geométrica, y hace uso de dobles simetrías, así como de figuras enteras o perfiladas, encajadas unas en otras dentro de una forma compuesta por dos cuadrados envueltos por el pórtico perimetral. Las estancias están interconectadas y, en ocasiones, definen vistas que atraviesan el cuerpo del edificio de una fachada a otra, dando lugar a una serie de invasiones visuales. 

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El diseño se basa en un método participativo en el que intervienen arquitectos y la comunidad con el objetivo común de crear una relación positiva entre el hombre, el entorno construido y la naturaleza. El complejo conventual se compone de edificios de baja tecnología, en los que las texturas de madera diseñan la estructura y el revestimiento, dotando al edificio de una fuerte identidad arquitectónica que se ve reforzada por el uso de mano de obra artesanal local y técnicas de refrigeración tradicionales.

Planimétricamente, se reinterpreta la tipología clásica del convento, desarrollada en torno a un único claustro cerrado, multiplicando el número de claustros y adelgazando los edificios para permitir que el viento, que sopla constantemente del este, circule entre los 6 edificios del complejo: un refectorio, una iglesia, un edificio administrativo, una biblioteca, una sacristía y celdas. Los grandes tejados de madera y los brise-soleil protegen los edificios de la radiación solar directa, mientras que los muros permeables y los paneles orientables giratorios mantienen las habitaciones ventiladas de forma natural, lo que se traduce en un confort respetuoso con el medio ambiente sin necesidad de utilizar sistemas mecánicos.

El complejo se diseñó para combinar la máxima eficiencia energética con el mínimo impacto ambiental, a lo que contribuyó en gran medida el uso de paneles fotovoltaicos y sistemas de recuperación de aguas pluviales. Se trata de un proyecto ambicioso e innovador para proporcionar a los jóvenes de las favelas de Bahía un futuro mejor basado en la mejora del cuidado del cuerpo, la mente y el espíritu, así como en el valor pedagógico y educativo de la calidad arquitectónica de los espacios.

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El lado izquierdo, subiendo, está definido por un muro bajo que dará la bienvenida a las luces bajas para iluminar la calle por la noche, mientras que el lado derecho permanecerá abierto a la vegetación para mantener la imagen natural más fuerte. Una pequeña plaza para aparcar coches conducirá a la entrada de la casa. En el interior, una gran bóveda cubre todo el volumen y el bloque de servicios.

Es independiente como una casa dentro de una casa, el dormitorio principal y un segundo dormitorio se ubican uno al lado del otro, mientras que un cuarto de visitas y un cuarto de servicio con baño independiente se ubican debajo de la piscina hacia el muro de contención. Al lado, se encuentran el almacén y la planta central, así como otros espacios de servicio que ocupan el volumen bajo la escalera abierta.

Esto conduce al techo del solárium: un teatro en terrazas que concluye al norte con una larga piscina en forma de natatio y al sur con una vista hacia el golfo de Gaeta. La propiedad está protegida por un portón eléctrico y una serie de filtros visuales a base de vegetales que garantizan la privacidad de los huéspedes en comparación con las otras dos casas del pequeño pueblo. Un vasto olivar en terrazas completa la disposición del jardín alrededor del edificio. El interior se caracteriza por un suelo gris claro y paredes y techo blancos. Muchos muebles están diseñados a medida.

La terraza de la casa, como una estancia al aire libre, es el auténtico invento. Una plaza panorámica con una piscina protegida del sol por tres pérgolas de sombrilla permite la alternancia de luz y sombra durante el día. Por la noche se convierte en un sugerente observatorio del cielo. La casa está cubierta con azulejos rojos pompeyanos, mientras que la parte superior de la plaza/piscina está acabada con azulejos blancos. Los marcos corredizos al igual que los demás son de aluminio mientras que el piso externo es de concreto ligero con áreas verdes alternas.

En última instancia hay una casa llena abajo y otra vacía arriba. Una arquitectura donde se confunden los trazos ideales de un teatro al aire libre con la libre sugerencia del desván de Charles de Beistegui de Le Corbusier y el Mediterráneo de la Casa Malaparte de Capri así como las salas al aire libre de Rudofsky y ponti. Nada se inventa pero es bonito transformarlo.

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Creado por el despacho Anna Merci Architecture para el Festival de Arquitectura de Roma, el OO Pavilion — Ostiense Observatory está ubicado frente al área abandonada de los Ex Mercati Generali, cuyo destino quedó interrumpido a pesar del concurso ganado por Rem Koolhaas en 2004.

Es una arquitectura alta y estilizada con un color intenso que llama la atención al referirse a la forma arquetípica de la ruina romana como rastro de rituales urbanos ahora perdidos y un intento de reconectarse visualmente con un lugar aún inaccesible. Las barreras físicas se superan a través de un sistema de periscopios desde los que es posible captar tres fragmentos del paisaje urbano.

El proyecto pretende, como un observatorio observado, sacar a la luz el estado de los espacios abandonados de la ciudad contemporánea con una nueva mirada y se convierte en una oportunidad para nuevas reflexiones sobre la relación con sus habitantes. Llegando a un pequeño espacio libre pavimentado residual entre via Benzoni y las vías del metro, donde se ha mantenido un pequeño huerto cuidado por los vecinos y un banco de construcción propia, se accede al pabellón a través de un portal de chapa metálica plegada que recuerda el arco de la entrada histórica a los Mercados y la forma de las ventanas rítmicas de los dos edificios al frente.

Construido en seco, el Pabellón OO está hecho completamente de varillas de acero huecas dispuestas en tres módulos circulares atornillados entre sí. Todas las partes de la estructura también son portantes y la intensidad del paso de las varillas disminuye hacia arriba, una elección que combina necesidades formales y estructurales. Los materiales de construcción se reinterpretan en clave estética: además de las varillas, los tres periscopios están hechos con varillas roscadas, pernos y espejos insertados en los anillos que normalmente llevan los tubos de PVC. El pabellón tiene una altura de 8,9 metros que corresponde a 1/10 del famoso Gasómetro del barrio Ostiense que destaca en el fondo.

El ritmo de las varillas se confunde con el ritmo de las fachadas de los edificios residenciales: su forma parcialmente permeable lo convierte en un sólido mutable que se destaca, fundiéndose con el paisaje en diferentes grados de transparencia según le incidan los rayos del sol. La estructura, ligera y delicada en su rigor geométrico, también utiliza el cielo de Roma como material de construcción, creando un juego de luces y sombras en una atmósfera que cambia según las horas del día y los cambios del clima.

El color naranja es la elección precisa de una historia cromática que retoma los residuos de yeso dejados en los edificios de los Ex Mercati Generali y recupera los numerosos murales presentes en el distrito Ostiense. La accesibilidad y facilidad de uso están garantizadas para todos los usuarios a través de una plataforma, mientras que los espejos periscopio son ajustables según la altura de visualización de cada visitante. Concebido desde el principio para que se garantizara una segunda vida a todo el material utilizado en la construcción, en realidad, la apreciación de los habitantes llevó al Municipio VIII de Roma a iniciar un proceso para hacer que la estructura sea permanente y, al mismo tiempo, para mejorar un residuo urbano actualmente carente de calidad arquitectónica.

El cargo OO Pavilion apareció primero en Arquine.

De carácter infraestructural, Fieldhouse está encajonado entre un campo de fútbol al norte, el campo de fútbol existente al oeste y terreno libre al este. Fieldhouse pasa de ser un muro de contención, a una larga cubierta lineal para convertirse después en un paisaje elevado que actúa no sólo como mirador para acontecimientos deportivos, sino también como lugar al aire libre para actos sociales.MoDusArchitects, designado para demoler el antiguo edificio que albergaba los vestuarios y la asociación deportiva, propone un nuevo edificio con una ampliación que mejorará la eficiencia energética del edificio reutilizando el sistema fotovoltaico existente.

En muchos sentidos, Fieldhouse es una pieza de conexión, parte del gran rompecabezas de los asentamientos de pequeñas ciudades que bordean las cuencas de los valles del sur de Tyrol: barrios residenciales, zonas de industria ligera e infraestructuras deportivas se asientan unos junto a otros en franjas limitadas de terreno. Situado en el punto de inflexión entre el valle y la montaña, Fieldhouse se caracteriza por una planta regular y alargada, al tiempo que ofrece un perfil geométrico audaz en elevación que se mide con el paisaje vertical. En sección, Fieldhouse media la topografía con dos niveles que conectan los distintos programas y puntos de vista. Fieldhouse se convierte en un nuevo centro comunitario dedicado al deporte, pero también a actividades recreativas.

El cargo Arquitectura deportiva social apareció primero en Arquine.

Símbolo de un nuevo modelo de exploración de la investigación científica y del bienestar que proporciona. Orientado al futuro, innovador, abierto y optimista. La planta del Pabellón Novartis se inspira en el simbolismo universal del círculo, considerado un poderoso campo de energía psicofísica, una especie de zona sagrada donde se concentran todas las fuerzas físicas y espirituales. Porque la propia arquitectura debe comunicar energía, debe inspirar y promover conexiones entre distintas voces y culturas.

El Pabellón Novartis pretende ser un lugar de acogida, un espacio de encuentro en la ciudad de Basilea, que expresa aquí su voluntad de dedicarse a la salud de la comunidad. La ubicación del edificio en un parque público, justo fuera del perímetro del Campus dedicado a la investigación biomédica, es una característica clave del proyecto. Se trata de crear una interfaz con clientes y visitantes que sea abierta y transparente. Un lugar de libre acceso.

La arquitectura se integra en el parque diseñado por Gunther Vogt, que recrea los fenómeno naturales de las terrazas del Rin a menor escala, fusionándolos con la vegetación dentro de un paisaje evocador. El pabellón es accesible desde varios puntos: desde el Campus, desde el paso peatonal que bordea el río y desde el estacionamiento.

Su ubicación en lo alto de la colina no sólo proporciona unas vistas maravillosas de todo el contexto, sino que también garantiza que el edificio no interrumpa la armonía de los caminos del parque. El acceso al patio interior se realiza a través de las terrazas que sostienen el Pavillon. El paso bajo la arquitectura es una representación simbólica de la integración entre un edificio fuertemente caracterizado y el contexto en el que se inserta.

El cargo Pabellón de Ciencia Novartis apareció primero en Arquine.