Ha fallecido uno de los arquitectos más influyentes de la última década, el estadounidense Virgil Abloh (1980-2021) a los 41 años de edad. Oriundo de Rockford, Illinois, Abloh estudió ingenieria civil en la Universidad de Wisconsin-Madison y obtiene la maestría en arquitectura por el Illinois Institute of Technology IIT en 2004.

Abloh dejó un legado impresionante en el mundo de la moda y el diseño, con una carrera tan fructífera como corta. Podría sorprender a algunos que Abloh tuviera la formación de arquitecto, ya que su desarrollo se dio en diversas disciplinas como la moda, diseño gráfico, mobiliario, arte y música. Pero Abloh fue un diseñador que aplicaba metodologías aprendidas desde la arquitectura, desafiando narrativas de formación y tocando temas de genero, raza, inclusión, representación, mito, realidad, proceso y originalidad, entre otras.

Fue fundador de la marca Off-White, conceptualmente el área gris entre el blanco y negro, con la cual capturó la atención tanto de la crítica especializada como del público general, al tener como eje el cuestionarse los arquetipos del mundo en el cual se desarrollaba partiendo de preexistencias, trabajando con elementos readymade o arquetipos. En una conferencia que impartió en la Harvard University Graduate School of Design en 2017, que se convirtió en un clásico instantáneo, habló de intervenir piezas existentes en no mas de un 3%, para no generar una pieza nueva, sino editarla y reconocerla. Era el director artístico de Louis Vuitton en la línea menswear ready wear. Trabajó con personajes como Kanye West y para marcas como Nike, Mercedes-Benz e Ikea, para la cual desarrolló objetos y mobiliario comunes y accesibles, aunque producidos en cantidades acotadas, que ahora los convirtió aun más en objetos de deseo a pesar de ser tapetes, sillas y bolsas. Hay que reconocerlo como parte de la generación de cambio con la aparición de redes sociales, influencers, cambios en casas editoriales y la app de notas de iPhone como herramienta para diseñar. Contrataba diseñadores al ver su trabajo directamente en Instagram y tenía empleados de más de 20 países, siguiendo con la postura de apertura y diversidad en su práctica.

Tiene sentido entonces y sorprende poco que AMO, ramal de OMA de Rem Koolhaas, sea influencia y a la vez diseñaran en conjunto con Abloh el pensamiento de la primera tienda de Off-White. Para el diseño de ese espacio partieron de cuestionarse qué es un tienda y qué sentido tiene generarla de forma física, hecho que recuerda el pensamiento de OMA/AMO entorno a proyectos como el Prada Epicenter en Nueva York, donde establecían que al acudir a los comercios tuviera el consumidor una experiencia de enriquecimiento y no de empobrecimiento. Su tienda es editable, diseñada para albergar eventos de moda o un café o fiestas y hasta productos.

Es emocionante pensar que el mayor legado de Virgil Abloh es intangible y aparecerá en modo de influencia sobre jóvenes diseñadores y arquitectos que llevarán hacia delante el cuestionarlo todo, buscando el punto medio. Por lo pronto, las tiendas flexibles de Off-White en Milán, Nueva York, Miami y Londres se vaciaron para convertirse en espacios llenos de flores.

El cargo Something’s off apareció primero en Arquine.

Countryside, the future, es la exhibición en el museo Guggenheim que “relata la historia del otro 98% del mundo”, afuera de las ciudades. ¿Y quién mejor que aquél que ha dedicado su carrera a redescubrir, recategorizar y revender lo urbano: Rem Koolhaas, para contarnos sobre lo rural? El visionario arquitecto aborda este tema “no con una exposición, sino con una cascada de preguntas” sobre el campo. Con mil preguntas, para ser exactos, que, desde el mural de la entrada, marcan el tono para los kilómetros de texto que saturan la gran rotonda del museo. Countryside, the future “aborda cuestiones ambientales, políticas y socioeconómicas urgentes a través de la lente del arquitecto y urbanista Rem Koolhaas y de Samir Bantal, director de AMO”, dice Troy Conrad Therrien, curador de arquitectura del museo. A través de una “visión puntillista,” los curadores advierten, con un asterisco absolvente, que la exposición pretende mostrar las oportunidades que el otro 98% del mundo puede ofrecer, mas allá de las ciudades. ¿oportunidades para quiénes y según quién?

Rem Koolhaas, el arquitecto y urbanista, cuya opera prima Delirious New York definiría su carrera creativa, fundada en la investigación y el discurso, regresó este año a Nueva York con otra provocación: ¡que el futuro esta en el campo! Fue precisamente en el Guggenheim donde Koolhaas, el primer arquitecto en exhibir en ese museo, inauguró en 1978 “The Sparkling Metropolis”, exposición organizada con sus nuevos socios de la Office for Metropolitan Architecture (OMA), y en la que especulaban sobre el futuro de la metrópolis a través de dibujos y collages. En su reseña de esa exposición publicada en el New York Times, Paul Goldberger escribió que OMA “decía que las ciudades —al menos la de Nueva York— son un ensamblaje de objetos que mantienen muy poca relación estilística entre sí, excepto por lo que el señor Koolhaas ve como un deseo común de ser exuberante, de ser teatral, de ser atrevido”. 

En 1998 Koolhaas y sus socios formalizaron AMO, el brazo de investigación del estudio, y que definiría su modelo de negocio, triangulando investigación académica, exhibiciones, y comunicación visual, para alimentar el portafolio de clientes de OMA.  Como profesor del Harvard Graduate School of Design, Koolhaas, y sus estudiantes, investigaron el Pearl River Delta antes de obtener la comisión para construir el edificio de la CCTV en Beijing. Así mismo, antes de proponer un plan maestro y una serie edificios en Dubai  Al Manak: a gulf survey había sido publicado. Y antes de su colaboración con Prada, Koolhaas y sus estudiantes desarrollaron una investigación sobre consumo y compras, culminando en la publicación de The Harvard Design School Guide to Shopping. Además estos trabajos de investigación sirvieron para producir las exhibiciones que OMA presentaría en las Bienales de Venecia de 2005 con Expansion Neglect, en el 2006 con The Gulf, y en el 2010 con Cronocaos; donde OMA atraería futuras comisiones sobre expansión de museos, el medio oriente y preservación histórica, respectivamente. Esto hace de Koolhaas, y OMA, una practica oportunista y crítica. Con el Countryside, the future, e invirtiendo casi una década en la planificación de la muestra, no hace falta especular sobre los futuros clientes del estudio. Ya se han hecho públicos proyectos rurales como Vallée de la Chimie Masterplan, en Francia. 

 Una vez mas, Rem, su equipo de arquitectos y un ejercito de estudiantes de todo el mundo, han sido invitados a contarnos sobre el futuro, pero esta vez de lo rural. Y no, no van encontrar canónicos dibujos como los de Madelon Vriesendorp y Zoe y Elia Zengelis; ni tampoco las especulaciones maximalistas que el estudio produjo hasta hace una década. No, la muestra es una cornucopia de reproducciones de imágenes, recortes, videos y mapas, que dirigen a la audiencia a través de un sinnúmero narrativas dislocadas sobre el campo. (Cabe recalcar que los curadores “acotaron” el tema de countryside o del campo mas allá de lo rural incluyendo océanos, estepas, desiertos, islas artificiales, es decir todo lo que no es ciudad.) Oliver Wainwright, del periódico The Guardian, caracteriza la lista de temas “como un cruce entre el contenido de las revistas NatGeo y Wired”. La exhibición abarca temas tan distantes como la percepción histórica cultural del campo en la China imperial, la Alemania nazi, los Estados Unidos en los años 60; hasta temas como la desaparición del permafrost en Siberia, y de los gorilas en África. La exposición no es sobre arquitectura o infraestructura rural, y tampoco es sobre tipologías, ontologías, semiótica o historia de lo construido en la no-ciudad. Y aunque incluyen tópicos de mucha urgencia, al estar tan desconectados y poco o mal acotados, la experiencia puede llegar a ser confusa, y en algunos casos frustrante (sobre todo al pagar 25 dólares de entrada).

Los curadores abren la exposición con una granja artificial de una empresa que crece tomates con luz rosada —la imagen insignia de la exhibición, y lo que yo creo es la respuesta formal a la pregunta ¿por qué a Rem se le ocurrió hablar sobre el campo? El otro objeto es un tractor manipulado a control remoto, para recordarnos que los robots ya están acá, y están dejando sin trabajo al personal esclavizado del campo en el primer mundo. Dentro del museo, la muestra da inicio con un mapa críptico de las áreas geográficas en las que los curadores parecen estar interesados. Y luego son otros seis niveles del museo repletos de casos de estudio que hablan de data centers, refugiados en Alemania, ingeniería genética, inteligencia artificial, un pasaje sobre narrativas históricas de la relación del campo con Stalin, Hitler, Mao, y otros personajes de ese tipo. Y así, la exposición continua con un mamut impreso en 3D y termina con imágenes de Stalin sobre un robot moviéndose. 

Como resultado, ante esta temática tan expansiva y difusa, el museo parece mas un pin-up o la puerta de un refrigerador atiborrado de imanes kitsch. La muestra invita a la audiencia “a tomar en serio” el campo con un diseño curatorial de “feria de ciencias soviéticas”, cual menciona Michael Kimmelman en el New York Times. La aproximación en zoom in and out de los curadores, supuestamente para mostrar cápsulas históricas y de tecnologías emergentes, se manifiesta de una forma densa, acrítica y descoordinada. Todo la exposición parece mas una pared editorial de lo que pudo ser un buen libro, pero en definitiva será un buen folleto de ventas para OMA. 

Creo que los curadores han apostado a que el tema es tan inmensamente incontenible, que cualquier intento de encapsularlo es en sí una obra de arte. Siento discernir. Rem presenta al campo como este supuesto mundo inexplorado para él, que aguarda ahí, silencioso como un mar de “oportunidades”. La exhibición “no tiene nada que ver con arquitectura y arte”, ha ratificado Koolhaas en innumerables entrevistas. La prioridad para él era “poner el campo de regreso en la agenda y demostrar que el campo es un terreno y un dominio, donde se puede tener plenitud de vida”, remarcó el arquitecto holandés como si hablara de la conquista de la luna o de América en el siglo XVI. Citando a la Naciones Unidas, Koolhaas nos advierte que existe la posibilidad que en el futuro solo el 20% de la humanidad viva en el campo. Para el esto seria “increíblemente peligroso, simplista y de una negligencia hacia las posibilidades que ahí se encuentran”. Obviando que la inmensa mayoría de todo lo que consumimos viene de áreas no urbanas del planeta, es decir, de áreas que están en el centro de la agenda del poder, y no en la periferia de ello. Excepto que, para Koolhaas y el equipo del Guggenheim liderado por Troy Conrad Thierren, the countryside is the new black.

Los curadores hacen alarde de la profunda “investigación” realizada para el proyecto. Sin embargo, miembros del equipo, como Charlotte Leib, estudiante doctoral de Yale, exalumna de Harvard y parte del equipo organizador, menciona en una entrevista para The Guardian que es “problemático llamarlo investigación”. “Existen miles de expertos en todos estos campos, y aunque algunos de ellos fueron contactados, al final era un proceso de esculpir sus investigaciones en función de la visión global de Rem”. Y tal vez es ahí donde las ambiciones de los curadores, la visión de Koolhaas, y la gigantesca temática, no resultaron en el éxito de exhibiciones anteriores. Todo el proyecto parece ser un ejercicio de hablar de lo que uno no sabe y presentarlo como uno quiera. Al extrapolar los métodos de investigación, comunicación y síntesis, que el estudio ha explorado por décadas en escuelas de arquitectura, a temas mucho mas complejos, los curadores fallan en crear una experiencia mediantemente placentera o crítica para la audiencia. Con una plataforma como la del Guggenheim, y con acceso prácticamente a cada objeto histórico, pieza de arte, planos originales, o maquetas, en la costa este de Estados Unidos —sino es que de todo el mundo—, los curadores dejaron pasar una oportunidad fascinante para aportar a las disciplinas del diseño, arte, y la arquitectura; y nada aporta a las disciplinas que ansiosamente pretende exponer. 

Inaugurada hace más de nueve meses, la exhibición, como era de esperar, no ha estado excepta de controversia. La crítica ha mencionado desde el tono colonialista y eurocéntrico y lo sesgada de la óptica curatorial, hasta el lenguaje museográfico descoordinado y confuso. La exhibición “¿se irá a sentir abrumadora para el visitante? Sí”, respondió Conrad Thierren. Según el, la curaduría se aproxima como “un retrato puntillista del territorio en mutación”, ofreciendo mas preguntas que respuestas. Incluso, Conrad Thierren aclaró desde un inicio que la exhibición, “se podrá sentir colonialista y sin tacto”, pero se han retirado de un discurso políticamente correcto, y que aunque ”la gente hagan un huracán de esto, las cosas son como son.” 

Y es así, con esa arrogancia curatorial, que la visión de Koolhaas falla en esta último proyecto. Y no sólo por falta de claridad y enfoque, sino por falta de honestidad. Desde un inicio es claro que Koolhaas “no estaba interesado en mas planificación en el campo, o en vaticinar si será el siguiente lugar para que los arquitectos intervengan”, como aclara en su video promocional para el museo. Para él, se trata de su fascinación con esta tipología de lo industrial y de lo rural. Las oportunidades de escala, tecnología, sencillez y funcionalidad que le otorgan estos edificios e infraestructura fuera de las densas y ricas ciudades que pueden pagarle, son infinitas. “No ha habido una arquitectura con vigor similar en los últimos 100 años” escribió Koolhaas sobre las naves industriales. “Están basadas estrictamente en códigos, algoritmos, tecnologías, ingeniería, y performance, y todo sin intención. Es su naturaleza aburrida lo que lo hace hipnótico, y su banalidad deslumbrante”. Si tan solo los siete pisos del museo hubieran estado repletos de investigación y especulación sobre naves industriales, esta exhibición hubiera sido otra cosa. Y aunque es el mismo Koolhaas quien advierte su pasión por las oportunidades que tienen edificios en el countryside, lo construido toma un segundo o tercer plano en esta “feria de ciencias”.

En su reseña de 1978 sobre “The Sparkling Metropolis”, Goldeberger mencionó que la exposición “no ofrece una imagen total de un nuevo tipo de ciudad. En cambio, es una colección de elementos, algunos literales otros más figurativos. Algunos dibujos de OMA ricamente coloreados, con visiones prodigas de lo que la ciudad puede ser, mientras otros son comentario de lo que la ciudad es ahora, y otros, más bien ingeniosos, son observaciones perspicaces sobre arquitectura en general”. Y creo que siempre ha sido esa visión curatorial de Koolhaas y OMA la que resuena ante audiencias tan amplias como la del Guggenheim, al presentar temas interconectados que les apasionan y de los que sienten una profunda curiosidad y poseen un enorme conocimiento que los hacen exitosos. En esta última exhibición simplemente no fue el caso, porque las cosas son como son.  

El cargo Countryside, the future. La opera plana de Rem Koolhaas  apareció primero en Arquine.

Countryside, The Future, será una exposición que aborda cuestiones ambientales, políticas y socioeconómicas desde la perspectiva de Rem Koolhaas y Samir Bantal, Director de AMO, el ala de investigación de OMA.

La exposición que se realizará en el Museo Guggenheim en Nueva York y abrirá al público el 20 de febrero de 2020 hasta el 14 de agosto del mismo año, explorará cambios radicales en los territorios rurales, remotos y salvajes identificados colectivamente como ” campos “, según AMO el 98% de la superficie de la tierra no ocupada por ciudades.

La exposición examinará la concepción moderna del ocio, la planificación a gran escala por parte de las fuerzas políticas, el cambio climático, la migración, los ecosistemas humanos y no humanos, la conservación impulsada por el mercado, la coexistencia artificial y orgánica, entre otras formas de experimentación radical que están alterando los paisajes del mundo.

El proyecto de investigación es presentado por Koolhaas, AMO, estudiantes de Harvard Graduate School of Design, la Academia Central de Bellas Artes de Beijing, la Universidad de Wageningen en Holanda y la Universidad de Nairobi.

Countryside, The Future teaser:

El cargo Countryside, The future | La próxima exposición de Rem Koolhaas en Nueva York. apareció primero en Arquine.

Con la generación de los baby boomers gradualmente pasando a la jubilación, la proporción de empleados remunerados ha disminuido en consecuencia: en 1960, había siete personas en edad laboral por cada jubilado; en 2018, sólo había tres.

Podemos vivir más, pero de ninguna forma somos más saludables. Cada vez más, nos enfrentamos a un tipo diferente de patologías, las enfermedades crónicas reemplazan a las enfermedades infecciosas como la causa predominante de mortalidad; sin embargo, son las emergencias infecciosas las que procuran, en cierta forma, los avances y desarrollos. Para 2020, como indica la investigación de OMA Hospital of the future, sólo en la Unión Europea habrá el 13.5% de médicos necesarios para su población, cuestionándose constantemente cómo vamos a cuidar a las próximas generaciones cuando envejezcan o se enfermen. Sí es probable que cada vez existan más ancianos y más enfermos, y sean menos los que cuiden de ellos con el paso del tiempo.

“¿Nos salvarán los avances de la tecnología? ¿Revolucionarán la atención medica la impresión 3D de órganos, la inteligencia artificial o las redes 5G? En consecuencia, ¿serán los edificios de hospitales nuevas obsolescencias? ¿Cómo debería ser el hospital del mañana? ¿Deberíamos pensar el hospital del futuro no como una solución arquitectónica finita sino como un proyecto urbano, un trabajo en progreso?”, se pregunta Reinier de Graaf socio de OMA.

Recientemente el gobierno chino ha inaugurado en la ciudad de Wuhan, el epicentro del brote del coronavirus, un hospital prefabricado con capacidad para 1,000 pacientes, construido en nueve días. Equipos de construcción de 7,000 trabajadores con jornadas de 23 horas, camiones, excavadoras y grúas en movimiento trabajaron día y noche para completar el proyecto. Para el gobierno chino sirve, además, como un potente símbolo de desarrollo, según palabras de sus delegados ante los medios de comunicación internacional.

“El gobierno necesitaba construir un hospital rápidamente para aliviar la persistente escasez de camas de hospital y suministros médicos”, informó Zhou Xianwang, alcalde de Wuhan.

Este modelo de hospitales prefabricados ya fue implementado por el gobierno chino durante el brote de SARS en 2003. En ese momento, el hospital Xiaotangshan se construyó en Beijing en sólo siete días. La ciudad de Wuhan fue puesta en cuarentena el 23 de enero de 2020. Estos episodios de emergencia podrían poner sobre la mesa cuestionamientos y reflexiones sobre las ciudades del presente y las del futuro cercano.

Fotografías de : AP associated press / OMA / New York Times

El cargo Wuhan y los hospitales del futuro. apareció primero en Arquine.

por Juan José Kochen / @kochenjj          

Antes de estudiar arquitectura, Remett Koolhaas incursionó en el periodismo, para luego escribir un guión cinematográfico con su amigo Rene Daalder. Su abuelo –Teunis Koolhaas– fue arquitecto y su padre –Anton Koolhaas– un reconocido periodista, novelista y guionista. Ambos cimentaron una curiosidad crítica que significó una multidisciplina proyectual para delinear su arquitectura.

The White Slave (De Blanke Slavin) fue el título de la película experimental creado por 1,2,3, Group, un equipo de productores, cineastas, camarógrafos y guionistas, cuya apariencia bien podría haber sido de un grupo de Beatles holandeses –Koolhaas aparece atrás a la izquierda–. Presentado en 1969, el filme es una sátira que narra el regreso de un soldado a Ámsterdam tras la guerra y se relaciona con una enfermera(o) (Daalder), que aparece tapando los ojos al soldado, interpretado por Koolhaas.

Definida por el mismo Daalder como paranoica, erótica, bizarra y radical, The White Slave (proyectada en octubre del año pasado en The Architecture Foundation) es una “provocadora alegoría sobre la debacle de la civilización europea”: “Después de ir juntos a la secundaria, fui a la academia de cine y Rem se convirtió en un periodista aprendiz en una revista semanal. En la escuela de cine que trabajé con un grupo de gente como Jan de Bont, Frans Bromet y otros filmando varias películas de estudiantes. Como siempre, Rem y yo nos mantuvimos en contacto, por lo que sólo tenía sentido que iba a unirse a nosotros cuando estábamos haciendo una película ‘episódica anti-autor’, en la que llevaríamos a cabo diversas funciones haciendo de todo, incluyendo ser el protagonista de uno de los segmentos. Esto se convirtió en Rapsodia 1,2,3. Después de haber escrito y dirigido varios cortometrajes (con Jan de Bont como camarógrafo) que se convirtieron en un gran éxito, me dieron la oportunidad de conseguir una película fuera de la tierra. Este nos llevó a Rem y mi escribir The White Slave, que se convirtió en una provocadora alegoría sobre la debacle de la civilización europea, riffs de películas clasificación B e incongruencias Buñuelescas. (Por cierto, el guionista de Buñuel, Jean Claude Carriere, vino a nuestro rescate tranquilizando a los desconcertados patrocinadores holandeses, de que habíamos escrito un guión de buena fe” (Rene Daalder)

Del periodismo al cine, y viceversa, Koolhaas estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres, donde definió un guión arquitectónico y periodístico con episodios y montajes para crear secuencias de suspenso. Así surge la narrativa de “Exodus, or the Voluntary Prisoners of Architecture” como tema de tesis; la arquitectura como forma de liberación en una ciudad dividida en dos partes, una buena y una mala, segregadas por un gran muro. Esta división confirma su teoría de una forma o intervención espacial como consecuencia de una circunstancia social.

Como método y proceso de espacialidad, Rem Koolhaas comenzó a modular una realidad con base en una ‘racionalidad estricta’ donde el arquitecto funciona como redactor en jefe y la oficina (OMA/AMO) como un consejo editorial. De esta forma de trabajo, presentación de proyectos y representación gráfica –periodismo arquitectónico o arquitectura cinematográfica– surgen, no de forma casual, documentales impulsados por el mismo Koolhaas como A Kind of Architect de Markus Heidingsfelder y Tesch Min, y Koolhaas Houselife de Ila Bêka y Louise Lemoine. Dos producciones más sobre un arquitecto cuyo guión sigue en construcción.

El cargo <!--:es-->El guión del arquitecto<!--:--><!--:en-->El guión del arquitecto<!--:--> apareció primero en Arquine.

En las tres secciones creadas por Rem Koolhaas, Vezzoli dibujó un “museo inexistente” donde exhibió su muy personal tributo al eterno allure femenino a través de la reinterpretación de esculturas clásicas referentes a las divas contemporáneas. La visión de Vezzoli es la de un museo que vive solamente 24 horas y que también es la celebración de un rito colectivo que mezcla a los visitantes, su egocentrismo, el complejo de Edipo y las visiones nocturnas. Con esta nueva instalación, AMO y Vezzoli continúan la exploración de las influencias recíprocas y el rompimiento de límites en las artes visuales y el manejo del espacio. La propuesta refleja la idea del museo como un laboratorio social, ahondando en los diferentes tipos de espacios de exhibición y rituales que los enmarcan: desde los clásicos museos del siglo XVIII hasta las máquinas propagandísticas como el Haus der Kunst en Munich; desde los compartimientos de arte informal al prístino cubo blanco hasta la comercialización de los museos públicos.

En lugar de un mismo espacio museográfico, las tres salas de AMO se convirtieron en un collage de espacios con diversos tamaños y calidades; un imaginario y efímero museo que presenta una secuencia de los rituales desarrollados durante las 24 horas de vida que tuvo la instalación. El área más grande de la instalación, experimental y contemporánea, situó una jaula monumental con luces neón que logró transformar al espacio en una gran nave psicodélica de concreto y metal. Al centro, clásico y propagandístico, se colocaron tres grandes cortinas rojas que delinearon los claroscuros de las áreas de exhibición. En un recóndito espacio, el contenedor logró una forma inspirada dentro de las inaccesibles bodegas y archivos de los antiguos museos con un nuevo carácter impulsivo que rompe barreras entre las artes que lo conforman. Con una vida corta pero productiva, la instalación de AMO logró vincular a los visitantes con un inexistente museo construido dentro de un edificio histórico.

Fotos: Cortesía 24h Museum

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