La catástrofe atrajo la atención internacional sobre los peligros y las consecuencias de la minería para la población y el medio ambiente del Sur Global, que alimenta la insaciable sed mundial de minerales. Conexiones centenarias nacidas de las migraciones forzosas de la trata de esclavos y moldeadas por la creatividad generadora de los hombres y mujeres cuya resistencia trazó el mapa del Atlántico Negro también vinculan entre sí y con Europa los dos enclaves de extracción.

Este proyecto de colaboración crea una estructura transmedial en la que escombros de construcción y ladrillos fabricados con residuos mineros de la antigua metrópoli del Congo -Bélgica- forman patrones ornamentales que recuerdan los motivos textiles arquitectónicos del histórico reino del Kongo, así como sus análogos indígenas brasileños. Destellos de cristal veneciano de colores translúcidos salpican la obra, evocando la implicación de Europa y Venecia en las historias atlánticas entretejidas en sus diseños. El vidrio, una de las principales tradiciones artísticas e industriales de la Bienal, ha animado el mundo atlántico como medio de intercambio, objeto de adorno y medio omnipresente de experimentación intercultural del diseño desde la época de la trata de esclavos.

Teorizado en conversación con la historiadora del arte Cécile Fromont a partir de un interés común por la Tenture des Indes de la Villa Médicis de Roma, la historia de la trata de esclavos y los legados de la colonización en África y América, el proyecto teje un tapiz de ladrillos. Experimento alquímico con la materia y la forma, transforma escombros, residuos mineros, motivos africanos e indígenas cuyo significado fue borrado en los asaltos del colonialismo europeo, e historias del Atlántico negro en un escaparate inclusivo y regenerador. El muro y sus motivos ponen de relieve el valor de los escombros del pasado y el potencial del ornamento como estructura arquitectónica, pero también histórica y social, con la que trazar un futuro reimaginado.

El cargo Escombros de la historia, asuntos de la memoria. Una instalación en #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

Ball Theater es ante todo un espacio inmersivo y experimental, un lugar donde interactúan múltiples prácticas, ocupado y habitado durante una semana al mes por investigadores, estudiantes, artistas y pensadores, que convertirán el pabellón en un animado escenario de celebración, experimentación y debate.

Frente a un futuro incierto, en un momento en que algunas sociedades parecen tentadas de encerrarse en sí mismas, el Institut français, cuya misión es contribuir al diálogo cultural mundial, se ha entusiasmado con esta propuesta festiva, alegre y poética, que nos invita a trabajar juntos para construir nuevos mundos de la imaginación y construir juntos nuestro futuro.

El Pabellón de Francia, que desde hace un año ha emprendido una transición hacia prácticas bajas en carbono en consonancia con los objetivos del Acuerdo de París, acoge este año un proyecto que aboga por la frugalidad: arquitectura ligera y modular, ensamblajes reversibles, producción local, uso económico de materiales… todos ellos son signos de un enfoque innovador impregnado de prioridades medioambientales y climáticas. Una frugalidad impregnada con alegría, esperanza, ganas de ser y de avanzar juntos.

Con el fin de ampliar el círculo del Teatro de la Bola al resto del mundo, el Institut français trabajará a través de su red cultural para desarrollar “ecos” del proyecto en otros países. Resonando desde el Pabellón y la comunidad de pensamiento que lo integra, crearán oportunidades para darle vida más allá de Venecia y transponer sus ideas distintivas a la “cultura local”.

El cargo Ball Theater | Pabellón de Francia #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

“El proceso es un eco del pasado”
Mariam Issoufou Kamara

La instalación se centra en varios precedentes del África Occidental, poniéndolos en conversación con modelos de proyectos actuales (Complejo Comunitario Hikma) y futuros (Museo de Arte Bët-bi en Senegal y el Centro Presidencial Ellen Johnson Sirleaf para la Mujer y el Desarrollo en Liberia). “Decidí no reimprimir el material original, sino reproducirlo como dibujos a mano a gran escala para hacerlo mío, nuestro. Los dibujos murales son un homenaje a los grabados neolíticos que crecí visitando en las montañas y cuevas del desierto del Sahara. Experimentarlos tan pronto en mi vida me dio un sentido más profundo de mi historia nigeriana y de su importancia. El proceso consiste en cierto modo en recuperar el control de unos conocimientos que nos pertenecen, como africanos, pero que viven en libros y museos lejanos”, declaró Mariam Issoufou Kamara.

Tres vídeos, entre ellos Compressed Earth de la artista Jennifer Hsu (que se rodó durante la inauguración del Complejo Comunitario Hikma en Dandaji en 2018), te llevan entre bastidores no solo a la oficina de atelier masōmī Niamey y a los colaboradores de la empresa, sino que los vídeos también ofrecen una mirada al contexto, la inspiración y las personas para las que la empresa produce sus proyectos. Según Mariam Issoufou Kamara, “Proceso es una crítica de quién posee actualmente los conocimientos sobre nuestra historia arquitectónica y quién tiene acceso a ellos”. Como tal, la instalación hace una introspección sobre cómo se difunde el conocimiento entre aquellos que han sufrido un proceso de borrado del conocimiento, la historia y la identidad. Alude a historias globales de poder y dominación. Se trata de cómo la obra que surge de mi diálogo y crítica internos lo hace a través de múltiples simbolismos, geografías y temporalidades para producir algo del presente que también insinúa el futuro”.

El cargo Process, una instalación en #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

El proyecto “Neighbours” (Vecinos) pone de relieve tanto la proximidad espacial y estructural del Pabellón suizo con su vecino veneciano como el vínculo profesional de los dos arquitectos: el suizo Bruno Giacometti (1907 – 2012) y el italiano Carlo Scarpa (1906 – 1978). El Pabellón suizo diseñado por Bruno Giacometti se inauguró hace poco más de 70 años, en junio de 1952. En las inmediaciones, el Pabellón de Venezuela diseñado por Carlo Scarpa tomó forma cuatro años más tarde. Como no se permitía talar los viejos plátanos de ninguno de los dos terrenos, los arquitectos diseñaron sus edificios en torno a los árboles protegidos. Los muros, los tejados y las zonas exteriores de sus edificios se juntan en la distancia más cercana.

Karin Sander y Philip Ursprung ponen de relieve las plantas interconectadas de los pabellones, en las que se condensa la vecindad estructural de los dos arquitectos cercanos: “El pabellón suizo y el venezolano forman un conjunto de excepcional calidad arquitectónica y escultórica. A pesar de ello, se conciben como separados por su función representativa y, por tanto, se escenifican en consecuencia. Replanteamos las funciones de los dos pabellones y su entorno bajo una nueva luz y disolvemos sus fronteras con medios artísticos. De este modo, cuestionamos las delimitaciones espaciales, culturales y políticas, así como las convenciones de la representación nacional. En un gesto utópico, nos enfrentamos a la ubicación con una realidad poética que momentáneamente da cabida a un nuevo punto de vista.”

“Vemos los dos pabellones como una continuidad espacial y articulamos lo que ya existe. El pabellón ya no es funcional como contenedor para albergar una exposición de algún tipo, sino que la propia arquitectura, sus relaciones materiales y espaciales se convierten en la exposición. Actuando desde la perspectiva del arte, podemos hacer las cosas de manera diferente que desde la arquitectura. Neighbours es también una conversación abierta entre arte y arquitectura. “

El cargo Vecinos | Pabellón de Suiza #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

La respuesta del estudio catalán Flores & Prats a la curaduría de Lesley Lokko sobre cómo afrontaran el problema de la descarbonización en el futuro es el re-uso de lo que se hereda, no construir de nuevo sino reutilizar todo lo que ha llegado hasta nuestras manos y adaptarlo a los nuevos programas. Su exposición llamada Patrimonio Emocional muestra el re-uso y cómo les interesa recuperar no solo la herencia física sino también lo inmaterial, la memoria, lo intangible que contienen los lugares o ruinas que se re-habitan. 

Para invitar a una reflexión sobre este tema se mostraron documentos de proceso, dudas y pruebas de seis proyectos que se pusieron sobre grandes mesas. Algunos son los primeros trabajos del estudio, hasta otros proyectos que están desarrollando y que van a ser construidos pronto. Estos proyectos hacen visible algunas líneas de investigación que han ido apareciendo a lo largo de los años, como por ejemplo Dibujar con el Tiempo, que se refiere al dibujo que uno hace conteniendo las distintas capas y momentos por los que un edificio ha pasado. Para hablar de este tema, se exhibe el Museo de los Molinos, un proyecto que nace de un antiguo molino de harina en Palma de Mallorca, que luego fue ocupado por diversas familias gitanas que lo subdividieron para vivir en él abriendo nuevas puertas y ventanas. El museo recoge todos estos rastros de ocupación y no los borra, sino que los incorpora en su estado final. 

Otro tema que se trae para discutir en la Biennale es El Valor de Uso, refiriéndonos no al valor comercial o económico de los elementos que componen un edificio, sino a su valor de uso, a su carga cultural que contienen al haber sido usadas y compartidas durante mucho tiempo: baldosas, puertas o ventanas que se pueden utilizar de lo que se hereda. Para hablar de este tema, se muestra la Sala Beckett (Arquine hizo la publicación de este edificio) en Barcelona y la nave Yutes en Sant Just Desvern, en las afueras de Barcelona, dos proyectos de distinto tiempo que han sido muy intensos en la reutilización de elementos. 

Hay una mesa que reflexiona sobre La Condición Abierta de la Ruina, y que se refiere a ese estado de la ruina que parece esperar pacientemente para ser interpretada y para ayudar a decidir hacia dónde llevar esa carga de memoria y de valores intangibles que contiene. Para hablar de este tema se expusieron los dibujos y maquetas del Laboratorio Cultural Variétés, un proyecto de recuperación de un antiguo teatro en el centro histórico de Bruselas que aún contiene la antigua cage de scène y el escenario intactos, dos espacios de dimensiones y escala excepcional. El proyecto trata de cómo organizar el nuevo programa de actividades culturales que se necesita ahora, sin perder la calidad espacial que ofrece ese gran vacío que encontramos allí dentro. 

Finalmente, el cuarto tema es El Derecho a Heredar, y que se refiere al derecho que tiene cada generación a trabajar con lo que hereda de las anteriores, adaptando ese legado a las condiciones de uso actuales. Aceptar que la materialidad y la historia, el peso físico y emocional de lo heredado tienen la fuerza para resistir decisiones proyectuales, obliga a trabajar críticamente con lo encontrado. Para hablar de este tema se presentó un proyecto en Palma de Mallorca, el Casal Balaguer, que es la transformación de una antigua casa mallorquina en el centro de Palma como centro cultural, y otro en Barcelona, que se comenzará a construir pronto, la rehabilitación de la nave La Favorita en el Poblenou como Fab Lab, un laboratorio de experimentación y creación para jóvenes en el mundo del diseño industrial y de producto.

Todos estos proyectos y temas están presentados en la Biennale sobre las mesas no con un material acabado, que dirija una mirada unívoca sobre una manera concreta de resolver los temas, sino cubiertas con material de proceso, abierto: maquetas y dibujos intermedios, dudas, problemas y también algunas opciones, un material de investigación que permita una mirada horizontal y sin jerarquías. Lo que buscan estos documentos con pensamientos a medio avanzar es despertar, primero, la curiosidad y, después, el diálogo con los visitantes de la Biennale, proponiendo un taller, un Laboratorio del Futuro sobre cómo trabajar con lo que heredamos, con el patrimonio físico y también el emocional de lo que ha llegado hasta nosotros. 

El cargo Patrimonio Emocional de Flores & Prats | #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

El SHININESS de los Hudson Yards de Manhattan es el resultado de los revestimientos de TITANIO aplicados a los cristales y fachadas autolimpiables para promulgar la inmutabilidad de las hegemonías corporativas globales, tanto desde el punto de vista estético como a través del extractivismo social, material y ecológico. El BRILLO del norte global se produce a expensas de Xholobeni, una pequeña zona de la costa este de Sudáfrica, donde se puede encontrar titanio. Al extraer el titanio de la arena en lugares como Xholobeni, la arena se vuelve ligera y volátil, haciendo polvorientos los lugares de extracción. El DUSTINESS afecta a la salud de los seres humanos y de otras personas, imposibilita la agricultura y, en última instancia, obliga a las comunidades y a los ecosistemas a emigrar y morir. Pero el pueblo xholobeni se resiste a la extracción entonando juntos canciones en las que celebran su vinculación con las tierras y los ecosistemas.

Esta instalación moviliza la capacidad de la arquitectura para permitir que los cuerpos humanos sientan la violencia que otros cuerpos sienten a través del extractivismo humano y para proporcionar entornos materiales y sociales para el cuidado mutuo y la resistencia al extractivismo. Las construcciones temporales, ecológicas y espaciales disidentes de las que forman parte estas canciones son las arquitecturas donde reside el futuro, un futuro deseable.

El cargo Xholobeni Yards, una instalación en #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

Objetos a gran escala que reflejan diferentes costumbres culturales y geográficas están instaladas en este pabellón: desde un dominó gigante y futurista tallado en madera de fresno hasta un “templo de hueso” hecho de textiles. La exposición demuestra la necesidad de que la arquitectura mire más allá de los edificios y las estructuras económicas, hacia las prácticas sociales cotidianas, las costumbres y las tradiciones, para reflejar de forma significativa cómo la gente utiliza y establece el espacio.

En el Reino Unido, los rituales practicados por las comunidades diaspóricas son poderosos vehículos para forjar nuevos espacios que promuevan culturas y tradiciones que no se tienen en cuenta en la planificación del entorno construido británico. Dancing Before the Moon celebra esos rituales y presenta nuevas formas de pensar la arquitectura más allá de los edificios y las estructuras económicas.

Cada instalación, realizada por artistas interesados en los materiales y la fabricación, reconoce rituales cotidianos de diferentes entornos globales: la arquitectura y las tradiciones textiles de las culturas cherokee y yoruba; la creencia hindú y budista en la vida después de la muerte; el lavado al aire libre en Angola; las prácticas espirituales curativas en el sur de Estados Unidos; el dominó jamaicano en Nottingham; y la artesanía trinitense de los tambores de acero y la cocina chipriota al aire libre.

La sala principal del pabellón cuenta con una gran instalación cinematográfica con una película realizada por los comisarios con numerosos colaboradores, que pone de relieve el papel central que desempeñan los rituales a la hora de reflejar las tradiciones y valores comunitarios de las personas que viven en el Reino Unido. La banda sonora incluye música original y ha sido ideada por Oscar #Worldpeace y Fredwave.

En conjunto, esta exposición defiende una noción ampliada de la arquitectura. Una que es intangible, que se entrecruza con la performance, la artesanía y otras disciplinas creativas y que, en última instancia, está moldeada por las personas. Esta instalación responde a los temas más amplios de la bienal dando al público la oportunidad de imaginar futuros diferentes en los que la colaboración, la experimentación y la equidad sean prioritarias en la planificación del espacio en el Reino Unido.

El cargo Dancing Before the Moon | Pabellón de Gran Bretaña #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

La exposición explora la contradicción entre el lugar de residencia como hogar y como valor de cambio. Varios artistas estonios la habitarán, de uno en uno, pasando cada uno un mes en un apartamento de alquiler veneciano, que se convierte a la vez en hogar y escenario.

“El pabellón estonio tiene el formato de una performance de larga duración, en la que las tareas domésticas ordinarias y los arrebatos ficticios, guionizados o no, tienen lugar a la vista del público. A una de las intérpretes, Paula Veidenbauma, le intriga cómo los temas de invisibilidad, como el cuidado, la agresión y la soledad, contrastan y se aceleran al mismo tiempo que la gran visibilidad del sector inmobiliario, que especialmente en Venecia está impulsado por el hiperturismo y la gentrificación”.
– afirma Mari Möldre, una de las comisarias.

“Home Stage” reflexiona sobre las contradicciones entre viviendas e inmuebles, sueños y realidades, inquilinos y propietarios, residentes y visitantes. La vivienda ya no es sólo para vivir: la inversión y la especulación se han convertido en el objetivo principal las viviendas, mientras los precios de los inmuebles y los alquileres siguen creciendo. Los centros de las ciudades están formados por viviendas en las que vivir en sí se ha vuelto superfluo. Muchas viviendas tienen propietarios pero no ocupantes, mientras que en otros lugares, los residentes luchan por convertirse en propietarios. La estabilidad del hogar como espacio íntimo propio, lugar para la historia familiar y la biografía material, contrasta con la naturaleza flexible y fugaz de los bienes inmuebles, de los rápidos mercados de compraventa. El hogar se convierte en un producto de estilo de vida desechable.

Con sus intérpretes, el Pabellón de Estonia se detiene en situaciones domésticas farsas en las que los sueños chocan con la realidad, los propietarios con los inquilinos, los vendedores con los compradores, lo acogedor con lo ajeno. Cada actuación dura 1 hora y 30 minutos, y se desarrollará en bucle durante el día en las distintas habitaciones del interior del apartamento. Algunos actos atraerán a los visitantes, otros les invitarán a disfrutar de la domesticidad y el descanso. Cada artista vivirá un mes en el apartamento y abrirá la puerta de la mañana a la tarde.

La exposición de Estonia responde a la llamada de Leslie Lokko a los pabellones: “El contraste entre el hogar y los bienes inmuebles encarna una variedad de relaciones humanas y situaciones contradictorias: dependiendo de nuestro papel, la actitud hacia los espacios y las personas que nos rodean también cambia. Por eso, en lugar de producir nuevos espacios y cosas para el pabellón, nos dedicamos a las dinámicas socioespaciales y para ello contamos con la participación de varios artistas y escritores ajenos al campo de la arquitectura”. El desorden creativo resultante en el apartamento veneciano no da respuestas finitas, sino que invita a la imaginación y provoca el pensamiento crítico”, explican los comisarios.

El cargo Escenario doméstico | Pabellón de Estonia #LaBiennale2023 apareció primero en Arquine.

La compañia de seguros Generali, que recién comenzó su vida en la Procuratie Vecchie y que ha adquirido casi en su totalidad el inmueble a lo largo de los años, se ha fijado como objetivo llevar a la Procuratie Vecchie a una relación más comprometida con la ciudad de Venecia, a través de las actividades de The Human Safety Net, por lo que  gran parte se hizo accesible al público por primera vez en medio siglo debido al compromiso de la misma.

David Chipperfield Architects Milán desarrolló una idea de proyecto que está diseñada por una serie de intervenciones que abordan la complejidad de la obra a través de un enfoque flexible para interpretar y dar sentido tanto a las modificaciones históricas como a las adaptaciones prácticas de la Procuratie Vecchie. Las Intervenciones incluyen la restauración del primer y segundo piso, donde se ubican las más prestigiosas oficinas, además de situarse la Compañía de seguros Generali, la reordenación de la accesibilidad y funcionalidad a través de la inclusión de nuevas circulaciones verticales, así como la rehabilitación de la tercera planta, con acceso público a los espacios expositivos como a espacios de trabajo, espacios para eventos y un auditorio vinculado a The Human Safety Net.

Las intervenciones buscaron técnicas de construcción antiguas, locales y tradicionales y utilizaron materiales artesanales. artesanía para el piso, la pared y el techo, usando pastellone —un producto natural hecho de cal y mármol así como otros minerales hecho en los pisos venecianos antiguos—, y terrazo, marmorino y scialbatura —blanqueo de muros con cal —, pero también cocciopesto y cotto, buscando no imponer sino heredar, para completar en un solo todo y recuperar la integridad de lo que ha estado presente durante cientos de años en probablemente el lugar más representativo de Venecia —la plaza de San Marcos — .

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El título de la Bienal Bienal de Arquitectura de Venecia 2021 es “¿Cómo vamos a vivir juntos?”. Olga Subirós curadora de la participación de Cataluña la reformula con un “Cómo sobreviviremos juntos?” a lo que responde con un proyecto que invita a que, arquitectos, urbanistas y arquitectos del paisaje, conozcan y actúen sobre la materia invisible que se encuentra entre lo construido: el aire. El aire es justo donde confluyen las grandes crisis actuales: la crisis climática y la crisis de salud pública por la contaminación del aire en las ciudades, crisis interconectadas entre ellas y también con la pandemia por la Covid-19. Los modelos de ciudad actuales han diseñado el aire que respiramos sin prácticamente darse cuenta de ello. Las ciudades que años atrás desplazaron las industrias contaminantes dejaron paso masivamente a los vehículos de uso privado, a la movilidad forzada vivienda-trabajo y el transporte de mercancías urbano 24/7.

En la mayoría de entornos urbanos, las emisiones de los vehículos quedan atrapadas por el efecto street canyon haciendo que los contaminantes se acumulen y permanezcan a pie de calle contribuyendo a provocar más de 7 millones de muertes al año en el mundo, como nos dicen numerosas evidencias científicas. El urgente y necesario rediseño del aire pide un urgente y necesario cambio de modelo de ciudad. Y, de hecho, hay una gran oportunidad de actuar localmente contra la contaminación del aire en las ciudades con un impacto positivo inmediato. La propuesta toma la ciudad de Barcelona, una de las ciudades más contaminadas de Europa, como caso de estudio.

Para investigar esta problemática Subirós invita al equipo de urbanista 300.000 Km/s a producir la evidencia cartográfica que identifica las vulnerabilidades, el impacto y las acciones para cambiar el modelo de ciudad. En la exposición como curadora y también como arquitecta Subirós propone vivir una experiencia inmersiva: una multiproyección audiovisual muestra estas cartografías inéditas, una exposición sobre la materialidad del aire y una instalación sonora interpretada por María Arnal y compuesta con John Talabot, que es un aria inédita que nos cuestiona de quién es el aire. Esta pregunta sobre la propiedad de los bienes necesarios para nuestra supervivencia es también la pregunta esencial sobre el modelo de ciudad que necesitamos.

El proyecto se ha convertido en una operación de producción y difusión de evidencias. Necesitamos evidencias porque ha habido un crimen. El crimen es el sistema económico que en su forma más devastadora provoca y sigue provocando muertes, desigualdades por defecto y la crisis económica, social y ecológica en la que estamos inmersos. Construir evidencia cartográfica es un acto político que hace visible lo inadmisible. Decidir qué consideramos evidencia suficiente es también una construcción social que se alza con entidad suficiente para informar a la ciudadanía y movimientos de base social, para preguntar, señalar, denunciar, pedir responsabilidades y cambios en las regulaciones vigentes. La exposición expandida en la publicación, la web, el disco, los podcasts, los talleres y la participación en otros eventos es, una gran caja de herramientas ciudadana.

Entrevista a Olga Subirós en #LaHoraArquine

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