Me gusta crear situaciones, poner a la gente en una especie de situación física inesperada… sacarla de lo cotidiano. Si pudiera hacerlos respirar sin pensar durante cinco minutos, eso sería aún mejor 

Ernesto Neto

Estructuras que invitan a un recorrido para sentir, oler y tocar protagonizan la retrospectiva del artista brasileño Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1954) quien utiliza diferentes recursos para crear piezas que llevan a una experiencia lúdica y sensorial. Conformada en su mayoría por esculturas que se convierten en instalaciones hechas con distintos tipos de tela y madera, esta exhibición que presenta el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), sumerge al espectador en la obra por medio de la interacción con las estructuras en las que se puede adentrarse y experimentar una distinta aproximación al arte.

“La lengua de Ernesto. Obras 1987-2011” se caracteriza por el uso de formas orgánicas que remiten a estructuras anatómicas cargadas de sensualidad y llenas de texturas como es el caso de Symbiointestubetime-the flavour happens in a state of being flavour flower womb domus (2010), pieza que lleva al público a un recorrer un laberinto en donde intervienen casi todos los sentidos, incluido el olfato por la presencia de flores y especies dentro de las membranas creadas con tela.

Otras piezas destacadas son Humanoides (2001), que a primera vista podría interpretarse como una especie de asientos suaves pero que también se convierten en trajes que los visitantes pueden usar como vestuario, y Tambor (2010), instalación creada con una red de tela que sostiene instrumentos musicales que las personas pueden tocar. La muestra reúne instalaciones de gran formato, esculturas colocadas en el patio del museo, y una serie de dibujos y fotografías como parte de la obra del artista. Esta exhibición estará en el MARCO hasta abril.

Fotos: Cortesía MARCO

Los automóviles que conducimos actualmente responden a los mismos preceptos que aquel primer Modelo T de Ford en el siglo XX, diseñado para transportar a varios pasajeros a una mayor velocidad y distancia que otros transportes de la época. Las necesidades de transporte ya no coinciden con las de las personas que viven en el contexto totalmente urbanizado del siglo XXI. Los transportes personales ya no cumplen con las necesidades de las ciudades cada vez más saturadas y un mundo cuya tendencia es la concentración y la expansión de dicho modelo de asentamiento humano.

Todo esto significa un proceso co-evolutivo que involucra ingeniería y diseño automotriz, sistemas de abastecimiento energético, infraestructura, traza urbana, incentivos económicos y políticas públicas. La cuestión de reinventar el automóvil y la movilidad urbana es un análisis prospectivo de lo que debiera ser una nueva era automovilística y de la misma ciudad. Reinventing the Automobile, Personal Urban Mobility for the 21st Century es un libro que plantea un nuevo modelo de vehículos para un futuro no muy lejano, transportes personales sustentables, inteligentes, interconectados y divertidos. Producto de un estudio del investigador del Media Lab del MIT, William J. Mitchell; y los expertos en la industria, Christopher E. Borroni-Bird y Lawrence D. Burns, el libro imagina nuevos automóviles híbridos basados en cuatro ejes principales:

- Basar los principios de diseño en motores 100% eléctricos y de comunicación inalámbrica, en vez de los principios de combustión interna y funcionamiento autónomo.

- Un mayor desarrollo en Internet para compartir información sobre movilidad y tráfico en tiempo real.

- Integración de los vehículos eléctricos con redes eléctricas inteligentes que utilicen fuentes de energía renovables.

- Establecer dinámicas económicas accesibles para la electricidad, derecho de vía, estacionamiento y uso compartido de vehículos.

Esta publicación, en específico, desencadenó una serie de intereses y esfuerzos gubernamentales y de la industria. Hiriko es el primer prototipo realizado a partir del modelo de CityCar desarrollado por el Media Lab del MIT. Esta nueva fase del proyecto ha sido promovida por la Asociación Afypaida, en colaboración con el Centro Vasco para la Innovación Denokinn, el Ministerio Español para la Ciencia e Innovación (MICINN) y Changing Places Group del  MIT. Los trabajos comenzaron en enero del 2010, y desde entonces el concepto inicial fue desarrollado en conjunto, con un consorcio empresarial constituido exclusivamente para fabricar el prototipo inicial, junto con el esquema de industrialización y distribución del modelo. Esto podría parecer como un proyecto utópico basado en un proceso a muy largo plazo pero la realidad es que ya existen diversos esfuerzos que trabajan para remediar lo insostenible de las ciudades, consumiendo los recursos no renovables necesarios para sobrevivir.

Fotos: Cortesía Hiriko

Conversación con Cameron Sinclair, arquitecto por la Universidad de Westminster, cofundador de Architecture for Humanity: organización benéfica que busca soluciones arquitectónicas a las crisis humanitarias.

La tesis de maestría de Cameron Sinclair se enfocó en proveer un refugio sustentable a los desplazados sin hogar que viven en Nueva York. En 1999 cofundó Architecture for Humanity (AFH) como una respuesta al conflicto en Kosovo. Mediante una serie de concursos, talleres, foros y colaboraciones con grupos de ayuda y brigadas, AFH ha creado una red mundial de oportunidades para diseñadores con el fin de responder a crisis y conflictos sociales. Publicaron una primera compilación sobre diseño inteligente y responsable: Design Like You Give A Damn: Architectural Responses to Humanitarian Crises (Metropolis Books, 2006). Actualmente, con 73 agrupaciones en 25 países y más de 4,650 voluntarios, Cameron Sinclair aún no es reconocido lo suficiente a pesar de haber sido nombrado asesor de la administración del presidente Obama. Tuvimos una conversación con el arquitecto que dio inicio a una cruzada para desarrollar una plataforma de apoyo social y cultural en materia de diseño con sentido humanitario. Nos preguntamos: “En situación de conflicto, ¿todavía no nos importa?”.

Dpr_barcelona (DPR): Sabemos que es la primera vez que estás en España y que AFH España es algo nuevo…

Cameron Sinclair (CS): Muy nuevo.

DPR: Entonces, para nosotros es interesante saber ¿por qué España se está convirtiendo en un nodo o punto neurálgico para tu organización?

CS: Esta es la segunda ciudad española que conozco en una semana, y sí, encuentro interesante la cantidad de arquitectos que están pensando y hablando de España. Parece que el papel de la arquitectura social ha regresado a este país. Pienso que en la arquitectura española siempre ha estado presente un elemento de responsabilidad social, pero en los últimos diez años, con el gran “auge inmobiliario”, la gente se ha fascinado más con edificios escultóricos, museos y demás, enfocándose cada vez menos en los temas sociales. Ahora, con la crisis financiera, creo que además tenemos una especie de crisis personal y estamos recibiendo más solicitudes de España para trabajar con nosotros.

DPR: Suena provocativo que, al mismo tiempo que empezaste a voltear a España, la gente ha estado buscándote. ¿De dónde viene esa reciprocidad?

CS: Creo que se debe a la crisis financiera. La gente empezó a observar lo que ha hecho en los últimos diez años, y se han formulado preguntas: “¿Qué he hecho en los últimos diez años que realmente haya afectado a mi comunidad?”. Y ahora están muy interesados en brindar respuestas con mayor sentido social.

DPR: Puedo decirte que, aún viviendo ahí, a veces es difícil percibir este tipo de actitud a la cual te refieres. Tenemos la sensación de haber vivido la arquitectura desde un punto de vista más superficial, sin interés en estas cuestiones sociales.

CS: Sí, es posible, pero el hecho es que la gente dice que está bien que la arquitectura sea superficial, por lo tanto será superficial. Si dices: “No, no. La arquitectura necesita tener un valor social”, entonces la arquitectura empezará a tenerlo. Es lo mismo cuando piensas, ¿por qué alguien quiere ser arquitecto? Si a un niño de 17 años le preguntas por qué quiere ser arquitecto… no implica ser una celebridad ni ser millonario, sino transformar su comunidad.

DPR: Conociendo sus actividades en Haití o su trabajo tras las inundaciones en Pakistán, nos preguntamos si AFH también interviene en otro tipo de conflictos, no de fenómenos naturales sino de conflictos creados por el ser humano, como guerras, conflictos geopolíticos o armados. Si es así, ¿cómo se maneja esto?

CS: Sí. Tenemos algunos proyectos en Afganistán y estamos por comenzar a trabajar en Sudán. Por cierto, tenemos estudiantes de la Universitat Internacional de Catalunya (UIC) trabajando en este programa [2] sobre el problema de Sudán, y es realmente interesante hablar de eso, es un tema muy complejo. Muchas personas de la comunidad internacional piensan que hay un 50% de probabilidades de que en Sudán se viva una situación de guerra o paz. La situación real es preguntarse si hay un arreglo entre ciertos grupos de interés interesados en detonar una guerra. Pero nosotros construimos infraestructura para prevenir la guerra. Por consiguiente, de alguna forma, la arquitectura está ahí para prevenirla. Y casi siempre lo hacemos en un sentido agresivo. Tienes que luchar contra la violencia con la misma agresividad que ésta conlleva. Voy a mostrarte algunos proyectos [3] que hicimos en las favelas de Brasil que son muy peligrosas.

DPR: En ese sentido, hablando de Afganistán o Brasil, es casi lo mismo. Ambos son lugares igual de peligrosos para trabajar.

CS: Sí, es una guerra. Es una guerra política y social, tan violenta como psicológica. Tenemos que pensar que la arquitectura nunca crea paz, nunca, pero crea la embarcación y el lugar donde la paz puede suceder. Para los arquitectos, si entienden que no son líderes y que se mueven como guías, entonces su arquitectura sin ego tendrá una aproximación más humilde.

DPR: Y hablando de la problemática de las favelas, ¿cómo reaccionan las personas que viven en el lugar al trabajar ahí?

CS: Bueno, si llegas y dices, “soy un arquitecto”, te sacarán de ahí. Pero cuando te sientas a discutir el problema con ellos, como arquitecto entiendes que no estás de vacaciones, ellos te lo hacen notar. Nuestros arquitectos viven en una comunidad, no viven en una casa lujosa, viven en las favelas.

DPR: Se convierten en una persona más de la población.

CS: Sí, ésa es la cuestión.

DPR: Nos preguntamos si has tenido dificultad en encontrar personas interesadas en trabajar en este tipo de lugares peligrosos.

CS: Las personas que trabajan con nosotros son muy fuertes. Están un poco locas, por cierto. Por ejemplo, Daniel Feldman, quien trabajó en las favelas durante un año hace algún tiempo, regresó a su país de origen, Colombia, cuando ocurrió la inundación. Y debido a su confianza, llamó a la oficina de la presidencia, se reunió con la primera dama y le dijo: “He trabajado en las favelas, conozco lo que es trabajar en lugares peligrosos y quiero ayudar”. Lo contrataron de inmediato. Los arquitectos adquieren más fuerza al trabajar con nosotros y realmente se involucran con sus comunidades. Pueden trabajar en barrios conflictivos, lidiar con presupuestos ajustados y ser creativos. Prácticamente trabajan con esperanza.

DPR: El año pasado, en algunas revistas y blogs [4] leímos críticas sobre la calidad arquitectónica de sus proyectos. ¿Qué nos puedes decir al respecto?

CS: Es curioso, sabes, defiendo a mis arquitectos muy bien. Puedes ser crítico sobre la calidad, pero si no te pones en sus zapatos, no puedes entender el reto que implica. Es un hecho que vamos a las comunidades y somos los primeros ahí en llevar agua, atención médica e impartir clases; no vamos a crear un “efecto Bilbao” en una favela o en un barrio pobre. En Haití fuimos a una escuela para que ésta recibiera agua purificada y saneamiento. La calidad del edificio es adecuada, pero la calidad de la educación es nuestra tarea principal.

DPR: Está bien, sigamos hablando de la crítica. También hemos leído que algunos sociólogos y antropólogos refieren los proyectos de organizaciones no gubernamentales (ONG) como un “nuevo colonialismo” [5]. ¿Qué opinas de esto?

CS: Totalmente. Somos únicos porque sólo trabajamos con arquitectos e ingenieros locales, y un mínimo de 50% de nuestros trabajadores son locales. Normalmente son más, pero ha sido más difícil cuando encontramos ONG con jeeps o yates, cuando nosotros nos movemos en bicicleta, así que la crítica es válida. Nosotros, como organización, necesitamos escuchar a la gente, yo no voy a escuchar al antropólogo de Harvard, sino al líder de la comunidad. Cuando dicen: “Escuchen, necesitamos un experto de fuera”, lo traemos, pero si dicen: “No lo necesitamos”, definitivamente no lo hacemos. Creo que los académicos e intelectuales siempre menosprecian a la gente local y no creen en la fuerza de la comunidad.

DPR: Sí, ésa es la actitud más común.

CS: Tenemos que separar la actividad colonial de la actividad intelectual, lo que también es un tipo de colonialismo.

DPR: De acuerdo con esto, ¿cómo es su relación con otras ONG?, ¿trabajan juntos?, ¿tienen algún tipo de acuerdos?

CS: Originalmente somos independientes, más combativos. Pero de repente empezamos a entender que podíamos tener cierta influencia sobre ellos. Es como decir: “Quieres ser un pirata en un barco pirata o quieres ser un pirata en un gran buque ONG” Entonces, quisimos ser parte de la gran embarcación para compartir ideas en la búsqueda de la sustentabilidad. Eso es lo mejor que podemos hacer. Había organizaciones que antes actuaban por separado y ahora vienen a nosotros con peticiones, solicitando asesorías.

DPR: Ahora, antes de terminar con esta entrevista y a sabiendas de que somos “amigos” por Twitter, Facebook y seguimos las actividades de Architecture for Humanity en redes sociales [6], queremos su opinión sobre si las redes han sido realmente necesarias para difundir su trabajo e interactuar con otras comunidades.

CS: Contestaré con una anécdota. Cuando quisimos ir a Burma, nadie podía conseguir a alguien para trabajar con nosotros, así que nos valimos de mensajes de texto y Twitter para comunicarnos con las personas de la comunidad hasta que pudimos colaborar gracias a estas tecnologías. Así que en circunstancias y lugares distantes usamos redes sociales como primera forma de acercamiento para conocer la problemática del sitio. Lo hicimos en Swat Valley, Pakistán, donde con las redes sociales, Facebook y Twitter, nos comunicamos con los diseñadores y recibimos noticias de manera constante.

Notas

[1] Miessen, Markus (2007), The Violence of Participation, Sternberg Press.

“Ante el incremento de identidades fragmentadas necesitamos encontrar una forma de coexistencia que haga posible trabajar el conflicto como confrontación productiva: un modelo de participación poco convencional que permita a los foráneos participar en los debates sin propiciar animadversión”.

“Participación es guerra. Cualquier forma de participación es ya una forma de conflicto. Con el fin de involucrarse en cualquier entorno o situación dada, es necesario entender las fuerzas del conflicto que actúan en el contexto inmediato… si se quiere ser parte de alguna fuerza puntual, es imprescindible identificar las fuerzas que intervienen como factores del conflicto”.

“Hoy día, lo que necesitamos son más dilatantes que no estén preocupados por hacer un movimiento erróneo, no una previsión ríspida entre ciertos agentes del campo de fuerza existente, si fuera necesario”.

“Un modelo de participación alternativo sin una práctica espacial… actores que operen desde redes externas, mientras se dejen a un lado círculos de expertos convencionales, superponiendo otras posdisciplinas del campo de conocimiento”.

“La acción micropolítica puede ser tan efectiva como las acción de políticas públicas del Estado… En este contexto, puede ser útil repensar el concepto de conflicto, visto como un conductor, un productor de entorno productivo más que como una violencia directa y psicológica”.

[2] Cameron Sinclair fue invitado a Barcelona con motivo del máster en Cooperación Internacional denominado Sustainable Emergency Architecture, de la UIC ESARQ.

[3] Esta entrevista fue realizada en la primera visita de Cameron Sinclair a España cuando impartió una conferencia en la Association of Architects of Catalonia (COAC), en enero de 2011.

[4] Pedro Gadanho, Architecture for Humanity, diciembre de 2009.

[5] Las ONG como los nuevos agentes de colonialismo: http://www.indymedia.org.nz/article/76194/ngos-new-agents-colonialism, octubre de 2008.

[6] Architecture for Humanity @archforhumanity / AFH Spain en Facebook.

*Esta entrevista se publicó en MAS Context, CONFLICT. Verano de 2011.

Fotos: Cortesía MAS Context / Open Architecture Network

Fotos: Cortesía Benedetta Tagliabue

A principios del siglo XX, Guillermo Kahlo –un joven fotógrafo inmigrante de Alemania– revolucionó la fotografía de modo nunca antes visto. Las fotografías de Kahlo eran imágenes que registraban la majestuosidad del país a través de sus templos, plazas y calles. Las imágenes no sólo demostraban la factura del legado arquitectónico sino que también evidenciaban la entrada de una modernidad mexicana que progresaba a paso rápido. La grandeza de las fotografías se debía al excelente dominio de la técnica, al meticuloso estudio de las composiciones, al entendimiento del medio y el soporte utilizado. Las imágenes limpias, de composiciones armónicas, en las que regía la proporción, el equilibrio, el contraste y la geometría, dejaban ver soberbios juegos de volúmenes bajo la luz. Guillermo Kahlo lograba el híbrido perfecto entre el registro y el arte, a través de su fotografía.

Durante los años cincuenta, la fotografía jugó un papel trascendental en la consolidación de la modernidad. A través de la fotografía llegaban las imágenes de los progresos tecnológicos al mundo. Los fotógrafos de arquitectura tenían una profesión indispensable: construir los discursos de progreso de la mejor manera posible, en otras palabras, sus imágenes como constructoras de la arquitectura. En 1950, la fotografía y la arquitectura evolucionaba en paralelo. Las páginas de Arquitectura México y Calli, dos de las principales revistas de arquitectura, estaban inundadas de estas nuevas imágenes que vendían modernidad. Armando Salas Portugal, Guillermo Zamora, Julius Shulman y Luis Márquez fueron algunos de los fotógrafos comisionados en esta nueva misión: develar un nuevo México internacional y desarrollado a través de su lente.

La construcción de los discursos visuales-estéticos a través de la fotografía es una tendencia que está lejos de desaparecer. La fotografía de arquitectura ha evolucionado desde la cámara lúcida empleada por Canaletto en siglo XVIII hasta la instantaneidad de un celular. Hemos visto cambiar los aparatos de la noche a la mañana: cámaras 35mm, Reflex, Polaroid, Digital, Instagram. Nos hemos tenido que adaptar a estas tecnologías para ser usuarios, y nos damos cuenta que atrás quedaron los días en que Guillermo Kahlo pasaba horas enteras esperando a que la sombra cayera exactamente en donde resaltara la fachada con volumen. La fotografía de arquitectura seguirá cambiando conforme cambien los medios de reproducción y difusión. De las grandes fotografías comerciales de Armando Salas Portugal de El Pedregal de San Ángel, utilizadas para promocionar un fraccionamiento, hoy se opta por presentaciones de flash en donde los interactivos multimedia lejos de ser fotografías son renders… en un intento por esbozar la “imagen del futuro”, cuadros clichés de pasto verde y cielo azul.

Las revistas de arquitectura siguen y seguirán teniendo como protagonista a las fotografías, la pregunta es entonces ¿qué tipo de fotografías? Pareciera ser que el discurso arquitectónico actual está regido más por el tipo de fotografía que por la calidad de la arquitectura, varias son las sorpresas cuando llegamos a los sitios y no se parecen a las fotos. Como daño colateral, también ha mutado el papel del arquitecto y su promoción; los arquitectos tienen las riendas de su negocio a través de su cuenta en Twitter u otras redes sociales. Ya no es necesario esperar la publicación en la revista cuando casi la mayoría de usuarios de dichas redes se ven identificados con un buen encuadre y un buen filtro de Instagram. A pesar de esto, los trabajos de Jaime Navarro, Luis Gordoa, Iwan Bann, Undine Pröhl, Tomás Casademunt, Onnis Luque o Cristóbal Palma, siguen siendo una referencia coetánea de fotografía de arquitectura.

La imagen arquitectónica siempre será la tarjeta de presentación de una ciudad, el mayor bastión de sus secretarías de turismo, y por esto mismo, debe tener la mejor factura. La gente viaja para conocer la arquitectura, y más que conocerla, para fotografiarla. Existe un cierto nivel de logro certificado o reconocimiento cuando esa fotografía de la Plaza de San Marcos es propia. De entre millones de elementos que podemos fotografiar a diario, la arquitectura siempre será el objeto más recurrente. La evolución de la técnica nos ha dado más –o menos– herramientas para seguir construyendo discursos estéticos e imaginarios urbanos. Se pueden crear nuevos edificios a través de fotografías, de la misma manera en que se pueden hacer nuevos árboles a través de filtros digitales.

La fotografía de arquitectura no tiene, ni tendrá en ningún tiempo cercano, fecha de expiración. De la amplísima gama de técnicas por las que ha pasado el oficio, nunca antes sus imágenes habían sido tan instantáneas y tan artificiales. Habrá que reflexionar acerca de la acción para que la reproducción infinita de las imágenes no les haga perder el sentido. Tendremos que preguntarnos si las fotografías que tomamos con el iPhone son arte o artificio. Y tenemos que cuestionarnos si lo que estamos haciendo es documentar, registrar, compartir o componer, como un hobby o un vicio.  Lo cierto es que la fotografía de arquitectura produce unas de las composiciones estéticas más interesantes del repertorio visual.

Fotos: María García Holley

Índice

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VITRINA

· Esquela de luz / Juan Villoro

BREVES

· La técnica y el arte. Arquitectos del IPN

· LIGA 04

· Llanto y literas en la SAPS

· Pino Suárez 30: intervención y memoria

· DF penúltima región

· Arquitecturas pintadas

· Objetos cotidianos como héroes ocultos

· 24h Museum

· Las utopías de Buckminster Fuller

· Objetos y territorios del futurismo italiano

· Urbanismo reinventado

· Arquitectura española (1975-2010) + 35 años construyendo en democracia

ACTUALIDAD

· Ricardo Legorreta (1931-2011) / Miquel Adrià

· Ernest Gómez Gallardo (1917-2012) / Pablo Landa

· Jorge Glusberg (1932-2012) / Hernán Barbero

· La esquela y el muro / Alejandro Hernández Gálvez

· Las raíces sin tallo / Oscar Ramírez

· ¿Es posible escapar de las ruinas? / Ethel Baraona

· Humanizar el espacio del automóvil / Andrea Griborio

· El regreso de la retícula / Juan José Kochen

· The Medicalization of Architecture/ Alejandra Gámez

ENTREVISTA

· Topografía urbanas por nota / Conversación con Allard van Hoorn

PROYECTOS

· El señuelo metálico / Antón Garcia-Abril

· El entramado de libros / Antón Garcia-Abril /

· La continuidad de la escalera / 5468796 Architecture Inc.

· Transparencia equidistante / 5468796 Architecture Inc.

· Acordes de color / Benedetta Tagliabue

· La aldea de bambú / Benedetta Tagliabue

· Los ovoides del ecosistema/ Zaha Hadid

· La alberca y el río olímpico / Zaha Hadid

· Las alas de la mariposa / AZPA

· La serpiente esquinada / AZPA

· Perspectivas paralelas / Steven Holl

· Rascacielos horizontal / Steven Holl

LIBROS

· Luis Barragán, Casa Estudio

· Estadio Olímpico Universitario. Lecturas entrecruzadas

· Arquitectura y política. Ensayos para mundos alternativos

· This is Hybrid

· Project Japan. Metabolism Talks…

· Max Cetto. Arquitectura moderna en México

DOSSIER: Arquitectura y Activismo

· La hospitalidad comienza en casa (Deborah Gans)

- El archipiélago palestino: una cartografía metafórica de los territorios ocupados (Léopold Lambert)

- El recuerdo es una construcción que se desplaza (Ana Valdés y Alicia Migdal)

- Albergue para migrantes: un espacio humanitario de (Thomas Weiss)

La salud se ha convertido en un foco de debate coetáneo. El polen, la contaminación, los materiales tóxicos, los alimentos procesados, los modos de vida sedentarios y los paisajes industriales se convierten en materia por explorar dentro de la arquitectura. Las tendencias sugieren ciudades “sanas”, edificios verdes y reutilización de espacios residuales. Ante este panorama, el Centro de Arquitectura Canadiense de Montreal (CCA) presenta “Imperfect Health: The Medicalizaton of Architecture”, una muestra que propone proyectos arquitectónicos que reconocen y adoptan temas específicos de salud.

No propone una solución ideal, ni tampoco sugiere su posibilidad sino que pretende ilustrar la compleja relación entre la salud, la arquitectura y cómo cambia con el tiempo. La muestra despliega propuestas e investigaciones de distintos artistas, diseñadores y arquitectos que han trabajado con problemas de salud como alergias, asma, obesidad, cáncer, epidemias y envejecimiento. Asimismo, se incluyen proyectos específicos de arquitectura como el Centro para el Tratamiento de Cáncer en Glasgow diseñado por Rem Koolhas en 2008. Otros proyectos promueven un comportamiento benéfico para los usuarios como el Cooper Union Academic de Nueva York, creado por Morphosis.

Estrategias de aislamiento tales como la cuarentena, también desempeñan un papel cada vez más importante sobre todo en la producción de alimentos como herramienta para reducir los riesgos de epidemias globales. En la muestra se pueden encontrar esculturas de papel a gran escala de una vaca, un cerdo y un pollo creados por el artista Andy Byers con el fin de ilustrar el creciente rol de los animales en la incubación y transmisión de enfermedades, así como el estudio arquitectónico “Pig City” de MVRDV, un proyecto conceptual como respuesta al aumento de las enfermedades en animales por la producción masiva de alimentos. El último espacio expositivo está destinado a explorar el envejecimiento, comparando estrategias arquitectónicas como la comunidad de jubilados de Sun City con los diseños para casas de ancianos proyectados por SANAA, BIG y McLaughlin. La muestra, que estará hasta abril de este año, expone cómo es que la noción de seguridad es relativa y cambiante ante la resistencia de un mundo imperfecto.

Fotos: Cortesía Centro de Arquitectura Canadiense de Montreal (CCA)

Fotos: Cortesía BIG

La ciudad existe y su invisibilidad esconde los secretos de sus partidas, piensa en lo que alguna vez pudo ser y lo que podría llegar a ser, es por esto que es imprescindible dedicar estudios sobre la historia de las ideas y utopías urbanas en torno a las grandes urbes. El pensamiento utópico no sólo representa los disgustos o malestares de los habitantes en la ciudad, muchas veces representa lo que se quiere o busca tener por la misma.

Buckminster Fuller decía que “un diseñador es la síntesis emergente de un artista, inventor, mecánico, economista objetivo y estratega de la evolución”. Visionario planificador, estructurista y todas las anteriores, “Bucky” dejó un legado constructivo de ciudades ideales, ‘sinergias geométricas’, geodésicas e ingenierías de la mente. “The Utopian Impulse: Buckminster Fuller and the Bay Area” es una exposición retrospectiva organizada por el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), hasta julio de este año, que muestra la invención radical creada por Fuller en esta región californiana.

Con 65 trabajos entre grabados, dibujos, planos, libros, modelos, fotografías y documentales, la exhibición —curada por la arquitecta Jennifer Dunlop Fletcher— además reúne 13 diseños patentados ante el gobierno estadounidense como “invenciones” que pertenecieron a un proyecto creado por Fuller llamado Twelve Around One. El impulso utópico y visionario del inventor estadounidense queda plasmado en las salas del museo con proyectos arquitectónicos, industriales y teóricos como 4D House (1928), Dymaxion Car (1933), The World Game Project (1965), The North Face (1976) y Oval Intention (1976).

En 1968, basándose en la experiencia de las estructuras geodésicas y en su pasión por los dirigibles, Fuller propuso megaproyectos como ciudades nube de un kilómetros de diámetro capaces de albergar a más de miles de personas. Junto con Shoji Sadao dibujó bocetos de la bahía de San Francisco y pensó ciudades tetraedronales también para la bahía de Tokio. La ciudad fue pensaba para comunicarse entre urbes por medio de futuristas trenes de alta velocidad; una noción de cambio basada en sistemas de transporte como planificadores urbanos.

En 1983, meses antes de su muerte, Buckminster Fuller recibió la Medalla Presidencial de la Libertad, el honor civil más alto entregado en Estados Unidos; con una mención que reconoció “las contribuciones como matemático, estructurista, docente y arquitecto-diseñador como puntos de referencia en sus campos de estudio”. Como se exhibe en esta exposición, la necesidad de rescatar las ciudades que se quedan en el imaginario es una condición fundamental para el diseño de las ciudades, y aunque estas ideas no se logren materializar o poner en práctica, seguirán siendo utopías en la invisibilidad de la ciudad, esperando el momento de ser reclamadas.

Building Construction/Geodesic Dome, Twelve Around One (1981)

Motor Vehicle-Dymaxion Car, Twelve Around One (1981)

Undersea Island-Sumbarisle,  Twelve Around One (1981)

Non-Symetrical Tension-Integrity Structures, Twelve Around One (1981)

Laminar Geodesic Dome, Twelve Around One (1981)

4D House, Twelve Around One (1981)

Dymaxion Air-Ocean World Map (1981)

Nancy Newhall, Buckminster Fuller (1948/1990)

Olivo Barbieri, site specific_ MONTREAL 04 [Buckminster Fuller Dome]

Fotos: Cortesía Colección SFMOMA © The Estate of R. Buckminster Fuller

“¿Por qué la ciudad de México?, porque aquí viví toda mi vida, me gusta, es de la ciudades más vitales del mundo, pasa todo, te encuentras todo, es incomprensible. Me chocan los lugares que los entiendes, son lugares aburridos. Esta vitalidad de la ciudad de México es muy importante y es una de las cosas que más me ha llamado la atención, la he visto desde distintos lados. Se me antojó”

Gerardo Suter

La ciudad de México es un territorio caótico, que cambia y crece, es una ciudad permanentemente en construcción cuyos paisajes urbanos mutan con el transcurso de los días. En “DF_Penúltima_Región”, Gerardo Suter (Argentina, 1957) nos sumerge en la inmensidad y el caos de esta ciudad en movimiento a través de 60 obras en instalación, video y fotografías de gran formato. Las imágenes que se exponen en el Antiguo Colegio de San Idelfonso hasta el 12 de febrero expresan el contraste visual y dramatismo que caracterizan a la ciudad de México. Principalmente exhibiendo su obra en blanco y negro, de 1983 a 2009, Suter utiliza diferentes tipos de soporte para sus piezas que van desde papel algodón y lona hasta metales como cobre, aluminio y plomo, invitando al espectador a explorar las fotografías desde cerca. Esto genera una experiencia perceptiva distinta a otras muestras fotográficas, donde los materiales y la ciudad se conjugan y complementan.

Los videos se proyectan sobre las paredes de las salas, presentando diferentes imágenes y recorridos, como la pieza Réplica (2005) que muestra una serie de imágenes del terremoto de 1985 mezcladas con sonido y junto con un texto de Carlos Monsiváis, provocando saturación sonora y visual que estimulan los sentidos del espectador. En esta exposición, Suter nos enseña otra cara de la ciudad, mostrándonos la belleza que pocos volteamos a ver.

Primercuadro (video,) 2009

Escenario, 2010

Penúltima región, 2009

Refundación, 2008

Spacelapse, 2011

Fotos: Cortesía Antiguo Colegio de San Ildefonso